81 год назад завершилось самое масштабное и ожесточенное сражение в истории человечества - Сталинградская битва, ставшая переломным моментом в ходе Великой Отечественной войны. Целых 200 дней, с 17 июля 1942-го по 2 февраля 1943 года, продолжались бои за город. В течение двух лет после освобождения на Мамаевом кургане не росла трава - столько снарядов там было сброшено. Были огромны человеческие потери с обеих сторон - более 2,5 миллионов.

События Сталинградской битвы находят отражение во многих сферах: на картинах художников, в книгах, в фильмах… Участники сражений становились героями писателей, живописцев, скульпторов, графиков, режиссеров.

К теме войны не раз обращался в своем творчестве московский художник Вячеслав Павлов. Серии его работ «Сталинград», «Женщины и шинели» воспроизводят интонации гнева, скорби, гордости и сострадания, которые мы испытываем вместе с автором. Из фрагментов исторической реальности 1942-43 годов художник воссоздает условное пространство вечной памяти.

В. Павлов: «Сталинградская битва – это судьбоносный символ прошлой войны. Это самое жестокое испытание России. Я пытался это осмыслить… Я выстроил весь пластический ряд своего Сталинграда.

Первой составной частью были предметы войны: все эти немецкие каски, рваные, похожие на причудливые цветы снаряды, мины, бомбы. Все они были покрыты ржавчиной и пылью забвения и несли в себе следы злой силы, злой энергии. Все эти предметы обрели жизнь в натюрмортах и в процессе развития серии превратились из вполне натуральных и объемных в светящиеся тлением объекты, колющие пространство своим рваным силуэтом. Это стало пластическим языком моего Сталинграда.

Вторая составная часть, питавшая мою энергию, мое творчество, была немецкая и наша кинохроника, многочисленные фотодокументы, исторические труды, мемуары, а также характер вооружения воевавших сторон… И вот из всего этого постепенно стал возникать мой Сталинград.

Натюрморты из рваных снарядов и касок соединились с кинофотовпечатлениями в единую жесткую метель, невиданную в изобразительном искусстве. Пришло время, и я убедился в том, что был прав в своем упорстве, создавая свой Сталинград».

Авторы проекта «Краской» - московские художники, верные друзья, единомышленники. Все трое выпускники Московского государственного педагогического института им. В.И. Ленина, участники многочисленных выставок в стране и за рубежом, члены «Клуба живописцев». Карамян и Ермолаев – члены Московского Союза художников. Костромичи не раз имели возможность знакомится с их творчеством на площадке муниципальной художественной галереи. Они были инициаторами и организаторами проекта «Академия пастели» (2003, 2004), неизменными участниками выставок современной графики (2005, 2008, 2011, 2014, 2017, 2020), экспонировались их групповые выставки - «ТРИКАЕР» (2007); «? ИЛИ- ИЛИ!» (2010); «Большая пастель» (2013).
Новый проект «Краской» стартовал в Москве в феврале 2024 года. Сами авторы так определяют его особенности:
«В 1989 году мы собрались в группу, придумали название «Шестерка бубей» и сделали нашу первую выставку, потом были еще выставки, и состав группы менялся. В последние 20 лет сложилась традиция показывать работы в таком составе: Таня Карамян, Иван Карамян, Андрей Ким, Игорь Ермолаев.
Выставка «Краской» своего рода ренессанс совместной деятельности. Название для нас не формальное обозначение выставки, в нем заключены наши сущностные чаяния того, о чем должно быть изображение. Будут показаны и совместные работы, практика эта установилась с первых лет творческой дружбы.
Почему «Краской»? Что здесь концептуального, что художник рисует краской? По нашему представлению, в краске сосредоточены и завершаются все смыслы, связанные с изображением. Для нас краска не техническое средство, не только материал, — это сам предмет изображения, конечный итог работы художника. Ведь и зритель в первую очередь видит краску, а лишь затем у него складывается смысловая картинка. Каждый из нас стремится построить работу так, чтобы зрительное впечатление от краски не было заменено в итоге никаким другим впечатлением. Мы надеемся, выставка будет интересна».

Куратор: Прямикова Вера (тел. 51 64 45)

Выставка произведений Николая Васильевича Шувалова посвящена 95-летию со дня рождения большого Мастера, художника-мыслителя, безусловного лидера и учителя не одного поколения костромских художников, вписавшего одну из наиболее ярких страниц в художественную культуру города. В его многогранном и многоликом творчестве отразились духовные поиски лучших представителей поколения 1960-х – начала 1980-х годов. Его талант гармонично вмещал широкий спектр исканий. Это был мастер притчи, интеллектуальной метафоры. Человек, его внутренний мир и мир природы раскрывались для художника через призму эстетических, исторических и мифологических образов. Его лучшие произведения – сгустки необычайно сконцентрированной духовной и эмоциональной энергии.

В экспозиции – работы из коллекции муниципальной художественной галереи (ныне «Центр русского искусства»). В основном это дары костромичей, в числе которых – Б.К. Коробов, К.И. Котляревская, И.Ю. Соглачаева, Н.В. Игнатьева и др. Эта малая часть огромного наследия может быть и пунктирно, но все же отражает путь автора, круг тем и пластических идей, которые волновали художника.

Среди представленных работ безусловные удачи в творчестве художника: «Портрет матери» (1965), «Предки» (1965). Нашли отражение и впечатления от путешествий: в Среднюю Азию - «Самарканд», 1979-е гг.; Индию – «Заклинатель змей», 1977; «Портрет индианки», 1974, натюрморты.

Важное место в творчестве занимают портреты Татьяны Шуваловой – художницы, жены, музы. Их союз объединял очень близких по духу и интересам людей, бесконечно преданных творчеству, искусству, прошедших вместе по жизни и оставивших каждый свой след в художественной культуре Костромы. Этот союз находит отражение в театрализованном «Двойном портрете» (1970-е гг.), где художники изображены в костюмах 18 века на фоне струящегося света, может быть того самого, который несли они людям.

В экспозиции также представлены портреты Татьяны и Николая Шуваловых работы скульптора Владимира Смирнова, высоко ценившего Н.В. Шувалова. В дневнике В. Смирнова  есть строки: «Радость, просветленность от встречи с его (Н. Шувалова) искусством наполнила все во мне и, видимо, всех, кто открыт прекрасному». 17/XII-89

На выставке демонстрируется фильм Виктора Сергеевича Елманова «Автопортрет с бабочкой на плече» о жизненном пути и творчестве Н.В. Шувалова.

6+

Куратор Прямикова Вера

Тел. 51 64 45

Русский Север – уникальная часть русского культурного мира. Почти тысячу лет жил и развивался этот мир крестьян и поморов, развивал ремесла и торговлю, занимался промыслами. ХХ столетие унесло с собой и погрузило в пучину небытия огромную часть «культурного кода» России, в том числе и мир русского северного крестьянства. Отток населения в города приводит к запустению во многих деревнях, часто окончательному. Утрачивается связь поколений, нарушается передача накопленных ремесленных навыков и технологий, принципов жизни и взаимодействия с природой. Жилые дома и уникальные храмы, построенные из традиционного материала – дерева, неизбежно разрушаются и погибают.

В начале 20 века И.Э.Грабарь писал о том, что эстетические достижения зодчих древней Руси и самобытность их творений до сих пор не оценены по достоинству. Ситуация не изменилась и сегодня. Шедевры Русского Севера малоизвестны в России и совсем неизвестны в мире.

Задача этого проекта – показать величие и оригинальность шедевров культового зодчества Русского Севера.

На Руси переход от языческих традиций к христианству был продолжительным. Храмы XII – XIII веков относятся к началу этого переходного периода, и несут в себе черты зодчества дохристианской эпохи, о котором нам почти ничего не известно.

Дохристианская эстетика явно ощущается в русских храмах XII века, и в деревянном культовом зодчестве русского Севера.

Одна из замечательных черт русского зодчества – включенность храмов в окружающий пейзаж. «Поразительно уменье, с которым эти строители-поэты выбирали места для храмов: нет возможности придумать композиции лучше той, при помощи которой они связывали встающие из-за леса шатры или вырастающие из-за береговой кручи главки церквей со всем окружающим пейзажем, с изгибом реки, с изломом холмов, с гладью лугов и со щетиной лесов» (И.Э.Грабарь).

Сохранившиеся уникальные храмы далекой древности – это сложный и многослойный образ, включающий в себя не только типичные черты для времени строительства, но и непрерывную эстетическую связь с культурой предшествующих веков, а возможно, и тысячелетий.

Тем более значимы усилия реставраторов и коллекционеров, энтузиастов по сохранению культурного наследия. Тем ценнее оставшиеся памятники древнего зодчества, образы которых запечатлены Александром Дымниковым и представлены на его персональной выставке.

Выставка «По страницам Книги трудовой славы Костромской области» рассказывает о костромичах-участниках трудового фронта в годы Великой Отечественной войны. В экспозиции представлены воспоминания, фотографии, а также архивные документы.
Трудовой фронт – это, прежде всего, работы по строительству оборонительных сооружений под Ленинградом, Ярославлем, Рыбинском, Костромой или Кинешмой в 1941-1942 гг.
На трудовой фронт призывали даже подростков в возрасте 13-14 лет. Каждодневный непосильный труд - без выходных, без праздников, зачастую без какой бы то ни было оплаты, лишь за скудный продуктовый паек. Это был труд на пределе физических возможностей. И они трудились из последних сил, приближая долгожданную победу над врагом.
Выставка подготовлена сотрудниками Муниципального архива города Костромы.
Выставка работает в Центре русского искусства с 9 февраля до 31 марта.
Заказ экскурсии по телефону: 516-445.

 «Сад Поэта. Состояния» – выставка о состояниях человеческой души, которые нам свойственно переживать в течение всей жизни. Искусство – волшебное зеркало, отражающее живые импульсы нашего сердца. И к какому бы виду изобразительного искусства не обращался художник – к живописи, графике, скульптуре, лоскутному шитью – самое важное, как говорил Л.Н. Толстой, «заразить человека чувством». Когда между зрителем и арт-объектом возникает электрическая нить эмоций, оживают оба.

Это выставка – эксперимент. Она смонтирована вопреки привычным представлениям о правилах выставочных экспозиций. Возможно, кажущиеся слишком броскими и даже где-то «неправильными» контрасты фактур, сюжетов, техник, цвета, жанров призваны показать, насколько сложными могут быть наши переживания. Порой, мы очень чётко осознаём, какую эмоцию испытываем в моменте, но и часто теряемся в «смешенных чувствах». Душевные состояния не отвечают слишком простой формуле «хорошо» и «плохо», «белое» и «чёрные». Наш внутренний мир наполнен оттенками и противоречиями. 

Эта выставка задумана как диалог и даже спор об эмоциях и чувствах между человеком и произведением искусства.

По мнению куратора, все произведения искусства на выставке воплощают какое-то эмоциональное состояние – радость, грусть, любопытство, страх, счастье, доверие, принятие, любовь, гнев, зависть, чувство свободы или одиночества. Многие вещи, расположенные рядом, показывают многогранность одной эмоции или одного и того же чувства. В рамках выставки каждый экспонат «оголён», «лишён имени» - сейчас его художественная суть определяет некое метафизическое понятие нашего чувства.

У экспонатов нет привычных этикеток с именами авторов и названиями работ – их названиями стали эмоциональные состояния.

Конечно, у представленных работ не может быть однозначной трактовки. Согласиться или нет – безусловный выбор зрителя. Согласие, спор или отрицание кураторской интерпретации – та искра, от которой зажигается собственная эмоциональность зрителя и превращает его в со-участника выставки.

Название проекта «Сад Поэта» отсылает нас к творчеству самобытного и замечательного костромского скульптора, графика, поэта Владимира Смирнова. Именно он придумал волшебное метафизическое пространство Сада Поэта – уголка душевного мира, где человек познаёт Божественную сущность искусства. Эта выставка о состояниях нашей души – продолжение идеи тайного сада самых сокровенных мыслей и чувств, который есть внутри каждого из нас. Сад образов, воплощённый в красках, гипсе, ткани.

Концепция сада как места, где человек чувствует себя в гармонии с миром и принимает себя, была заложена в Библейском образе сада Райского. А в эпоху Просвещения сад оставался идеальным местом для встреч с природой. Важная часть экспозиции посвящена именно состояниям природы, которые зачастую либо определяют наш душевный настрой, либо окрашиваются нашими чувствами.

На выставке представлены художественные произведения из фондов областного Центра русского искусства, из коллекции современного лоскутного шитья и арт-текстиля Екатерины Архиповой и других частных собраний. Среди авторов – скульптор Владимир Смирнов, художники Алексей Мухин, Клара Голицына, Александр Аханов, Владимир Богачёв, Владимир Тюрин, Владимир Муравьёв, Ирина Соглачаева, Николай Шувалов и др., художники лоскутного искусства Алевтина Шевалдина, Ирина Лебедева, Анна Журавлева, Галина Волова, Любовь Лежанина, Татьяна Фёдорова, Максим Федотов, Ирина Ткачёва и др.

Куратор – коллекционер, научный сотрудник Музея В.А. Тропинина и московских художников его времени Екатерина Архипова.

Экспозиционно-выставочный проект «Костромские художники в коллекции галереи» позволяет перелистать некоторые страницы истории художественной культуры Костромы, познакомиться с 26 авторами, чья жизнь и творческий путь связаны с Костромой. Среди них и ныне здравствующие, и те, чьи работы стали уже наследием. В экспозиции чуть более 50 произведений живописи, графики, скульптуры, арт-объекты. Муниципальная художественная галерея города Костромы была создана в 1996 году. В основу ее коллекции легли произведения российских художников второй половины 20 начала 21 веков. Большую часть коллекции составляют работы костромских художников различных стилистических направлений. Творчество многих из них вошло в круг научно-исследовательских интересов галереи. Это представители разных поколений и периодов художественной жизни Костромы, начиная с 1960-х гг. до сегодняшнего дня. Их объединяет свобода творческого самовыражения, поиск собственного пластического языка, интерес к проблемам эстетики, формотворчества, чуждость какой-либо конъюнктуре. Творчество ряда художников, представленных в экспозиции, развивалось в лоне Союза художников (до середины 1980-х годов единственной организации, дававшей право называться художником). Они принимали активное участие в официальных выставках, получали звания, награды, снискала прижизненную известность. Это заслуженные художники РФ С.С. Румянцев (1928-2013), А.И. Еремин (1938-2021), Е.В. Радченко (1936-2016), а также В.С. Катков (1940-2015). Вместе с тем до середины 1980-х годов произведения многих костромских авторов были недоступно зрителю в силу существования идеологических установок, системы запретов, долгие годы тормозивших развитие художественной мысли, не дававших возможность видеть и исследовать художественный процесс во всем его многообразии.

Загадочные персонажи в колпаках появляются в рисунках, скульптуре Владимира Смирнова на протяжении всей жизни. В ранних рисунках конца 1970-х начала 1980-х годов этот образ связан с темой цирка, ярмарочных игр. В многофигурных жанровых сценах клоуны, фокусники, ярмарочные балагуры веселятся, забавляют публику, дурачатся.

Самый ранний скульптурный образ «Пьеро в колпаке» (1987) молчалив, печален, романтичен, его тонкий отточенный профиль стал символом «Сада Поэта». В пронизанном печалью образе «Человек в колпаке» (1989) угадывается аллегорический автопортрет самого скульптора, для многих долгие годы носившего маску шута-неудачника, скрывавшую тонкую душу поэта и мудрость философа-мечтателя.

В рисунках конца 1990-х – начала 2000-х годов персонажи в колпаках обретают таинственность и многозначность. Они молчаливы и загадочны.

Образ человека в колпаке был чрезвычайно значим для скульптора. Об этом свидетельствуют наброски, эскизы скульптур, которые ежегодно во множестве появлялись в его творческой лаборатории. Замыслы мастера поражают разнообразием, оригинальностью идей и фантазии.