Выставки

Ярославский художник Герман Блинов – один из представителей наивного направления, которое занимает достойное место в общей системе визуально-пластического искусства - публика, утомленная решительными высказываниями и жесткими образами, ценит искренность и деликатность наивного творчества.
Творческая биография Германа Блинова типична для наивных мастеров: закончив школу, он работал судовым сборщиком, поваром 6-го разряда, машинистом экскаватора. Знакомиться с изобразительным искусством он начал на трехгодичных курсах в изостудии при Дворце моторостроителей в Ярославле, закончив их в 1973 году. Решающей стала поездка в Ленинград в 1977 году, где он был вольнослушателем в Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина и знакомился с музейными шедеврами. Вернувшись в Ярославль, он усиленно занялся живописью и самообразованием. С 1979 года Г.В.Блинов становится участником областных, республиканских и всесоюзных выставок самодеятельного искусства. Художник интересуется поэзией и философией, с 1990 года пишет стихи.
Н.Воинова, искусствовед, член СХР (газета «Ярославская культура» 1998г.).
«Для Германа Блинова и история искусства – это не нечто, существующее как бы «по ту сторону», а обитаемая среда творческой жизни. Творения великих мастеров прошлого вдохновляют, дают примеры истинного служения добру и красоте. Черты классического искусства найдем мы в его стремлении не просто изображать, отражать, а преображать, создавать духовный образ».

Леонид Виноградов работал, дружил и выставлялся с такими известными мастерами, теперь уже классиками ХХ века, как Арон Бух, Владимир Стожаров, Борис Домашников. Сейчас можно с уверенностью констатировать, что имя художника Леонида Николаевича Виноградова широко известно не только в культурной среде костромского края, но и далеко за ее пределами.
От призвания к признанию художник прошел долгий путь, воспевая своим трудом и талантом вечные нравственные ценности. На выставке представлены работы, созданные автором в течение продолжительного творческого пути. Это в большинстве пейзажи нечерноземного края, выполненные в лучших традициях русской школы живописи, для которых свойственны мажорное настроение, динамичное решение пространства холста, световые эффекты.
Каждая работа художника - богатая, сложная живописная ткань, наполненная воздухом, цветом, передающая все нюансы состояния природы. Его полотна призывают к созерцанию и глубокому размышлению, возвращая нас к первооснове всего сущего, к гармонии человека с природой и ее бесконечной красотой.
«Для меня родная природа является основным источником вдохновения. Даже зимой, в лютую стужу, заставляю себя работать «на натуре». И, как часто бывает, этот процесс начинает меня согревать, а иногда становится даже жарко. Надеюсь, что мои работы также способны согреть душу зрителя. Во всяком случае, я всегда старался работать честно, и за свой многолетний труд мне не стыдно», - говорит о своей работе художник.
Живописные работы Леонида Виноградова не требуют особой расшифровки, поиска смыслов, они очень гармоничны, подкупают своей чуткостью, искренностью и одновременно вдумчивым, пристальным взглядом на окружающий мир.

Выставка талантливого костромского живописца Федора Яковлевича Кораблева посвящена 80-летию со дня рождения художника. Это знак доброй памяти об удивительном человеке, дань его таланту, который в равной степени нашел воплощение, как в творчестве живописца, так и мастерстве педагога. За более чем 20 лет работы на художественно-графическом факультете Костромского педагогического института (1965-1988) он воспитал плеяду художников, интересно и свободно мыслящих в искусстве, для кого он навсегда останется Учителем, которого вспоминают с восторгом и благодарностью.
Выставка позволит встретиться с произведениями автора из коллекции муниципальной художественной галереи и частных собраний. В экспозиции представлено более 40 работ. Это ранние вещи 1960-1970-х годов - портреты, пейзажи, натюрморты, этюды из цикла «Озеро Неро. Ростов Великий», многочисленные пейзажи Кологрива. Многие работы из частных коллекций экспонируются впервые.
Федор Кораблев был человеком пронзительно тонко и чутко воспринимавшим окружающий мир, остро переживающим боль и несправедливость этого мира и в то же время умеющим ценить и радоваться его красоте и богатству. Его произведения – живописные воплощения эмоциональных переживаний автора, его глубоких раздумий о жизни, его эстетических пристрастий и убеждений.
Ф.Я. Кораблев: «Живопись – это чувственный мир. <…> Живопись вмещает весь мир – мир горний, мир дольний, все прегрешения человеческие, жизнь человеческую. Когда человек идет по жизни как художник, он выражает идею Бога. Художник – это всегда промежуточное звено, он провозвестник, глашатай этой истины и красоты мира и гармонии, музыки души».
Он навсегда остался верен этому высокому назначению художника. Страстная, темпераментная музыка его живописи продолжает звучать, она восхищает искренностью и глубиной переживаний, мастерством автора, наполнившего ее светлой и сильной энергией духа.
Встретиться с самим автором, узнать о его судьбе, услышать его голос, его размышления об искусстве позволяет фильм, снятый при жизни художника в 1995 году, который демонстрируется на выставке.

Впервые в Муниципальной художественной галерее г. Костромы проходит выставка «Чудо хорватского наива», которая знакомит зрителей с творчеством хорватских наивных художников, снискавших мировую известность во второй половине ХХ столетия. В экспозицию вошли более 60 работ из коллекции Владимира Темкина, принадлежащих кисти нескольких поколений крестьянских художников-самоучек Хлебинской школы – классиков и признанных мастеров наивного искусства. Работы выполнены в редчайшей технике реверсной живописи на стекле.
Выставка «Чудо харватского наива», которая для многих наверняка станет открытием, - замечательная возможность познакомиться с одним из самых ярких образцов мирового наива, его хорватским вариантом, и проникнуть в удивительный мир крестьянских художников, хранящий в работах и теплый уют балканской деревни, и мудрость крестьянского быта, и завораживающую красоту природы. Мир этот – зачастую идиллический, своеобразный, даже утопический, между тем очень трогательный и гармоничный - словно приглашает зрителя совершить небольшое виртуальное путешествие.
Выражаем благодарность Владимиру Анатольевичу Темкину за предоставленные из его коллекции работы, помощь и поддержку в организации и проведении выставки «Чудо хорватского наива».

 

 

В зале «Сад Поэта» - весеннее обновление. Его обитатели – скульптурные образы Владимира Смирнова - оказались «В ритмах цвета и пластики» живописи Анатолия Жукова. Свойственное автору ассоциативное мышление, склонность к цветовому обобщению привели к абстракции. «Работая только с натурой, не всегда можно выразить то, что сидит в подсознании», - признается художник. Анатолия Жукова волнуют проблемы пластического формообразования, живописной архитектоники. Знакомые и привычные для глаза формы окружающего мира, мира вещей, состояний природы, собственных ощущений художник осмысляет пластически: цветовые пятна, линеарные структуры, их ритмические вибрации рождают композиции, обладающие самоценной красотой и гармонией.
В экспозиции более 30 живописных работ, отобранных из разных периодов творчества, с тем, чтобы показать, как развивался живописно-пластический язык художника, обладающего удивительной способностью чувствовать цвет, его глубину, звучность, энергетику, экспрессивные возможности. Натюрморты и абстрактные композиции 1990-х годов, где автор ставит свои эксперименты. Картины-импровизации ассоциативного характера последнего десятилетия - «Вечерний свет» (2000), «Осенний лист» (2013), «Последний снег» (2013) и др. Работы и эскизы, созданные в нынешнем году. Все они дают представление, о том, как рождался язык художника, его собственная интонация, его «музыка живописи».

 

Екатерина Соловей-Говорливых увлеклась рисованием еще в раннем детстве: «Сколько себя помню, я всегда хотела рисовать. И меня никогда не покидала мысль, что я художник, и что в этом и есть смысл моей жизни». В 2014 году она окончила Ивановское художественное училище им. М.И. Милютина и начала преподавать в учреждениях дополнительного образования. Работу она совмещает с выставочной деятельностью, участием в пленэрах.
В 2017 году Екатерина стала призером выставки-конкурса молодых художников «АртСтарт», которую организовала Художественная галерея г. Костромы. Жюри конкурса отметило ее живописную работу «Путь» и присудило ей 3 место. Одной из задач проекта «АртСтарт» было открыть новые имена, дать возможность молодым авторам представить свои работы зрителю. Нынешняя выставка Екатерины Соловей-Говорливых продолжает эту важную для Художественной галереи миссию.
На выставке «Подсознание» художница представит живописные произведения. Особенно ее увлекает работа над портретом: «интересно всматриваться в особенности лица, в неровности, в синевато-красные оттенки кожи». В экспозиции можно будет увидеть два автопортрета Екатерины.
Название своей персональной выставки - «Подсознание» художница объясняет следующим: «Я сублимирую в творчестве, вкладываю скопившуюся энергию в работы. Нередко это происходит неосознанно, под впечатлением от случившихся событий.». Работы Екатерины являются отражением ее внутренних переживаний: «Мои картины как зеркало – ты никогда не увидишь в них то, чего нет внутри».

Борис Марковников – художник из числа главных героев молодежного искусства Перестройки, в последние годы он получил известность как один из ведущих отечественных авторов, работающих на стыке беспредметной живописи и объекта. Его персональные и групповые проекты были представлены на главных выставочных площадках нашей страны - в Третьяковской галерее, Русском музее, ЦВЗ «Манеж» и др. В 2002 году Борис Марковников был награжден Серебряной медалью Российской Академии художеств.
В Костроме художник представит живописные, графические работы и объекты последних лет: «от самых последних работ – назад вглубь, насколько позволяет пространство галереи». Название выставки «19.19» не случайно – это 19-я по счёту персональная выставка Бориса Марковникова, а второе число указывает на год ее проведения.
Каждое абстрактное произведение Бориса Марковникова своего рода рассказ: «Мои нефигуративные работы – это закодированные поля, несущие в себе информацию: цветовую, ритмическую, пространственную, температурную и даже музыкальную». Он долго работает с монохромным цветовым фоном каждого полотна, последовательно покрывая его поверхность сетью прочерков-царапин. Художник использует все цвета спектра, порой в сочетании с графичными черными или цветными линиями. В ряд работ он «впечатывает» текстиль, что придает им объем и особую фактуру.
Экспозиция выставки Бориса Марковникова воспринимается как масштабная инсталляция. Живописные и графические работы в сочетании с минималистичными объектами представляют собой единую композицию, в которой зритель активно включается в работу по интенсивному проживанию пространства, материи, цвета.

Выставка «Два крыла семейной музы» продолжает знакомить костромского зрителя с творчеством известных московских мастеров - народного художника РФ, члена-корреспондента Российской академии художеств Аллы Шмаковой и заслуженного художника РФ Вячеслава Павлова. В их работах общие сквозные темы воплощены в разных видах творчества, но тесно связаны между собой. Сюжетный мотив, предложенный графиком В.Павловым, развивается и перерастает в монументальное произведение декоративно-прикладного искусства – гобелен, созданный А.Шмаковой.
В 2015 году в галерее была показаны их выставка «Уроки истории. Наполеон. Сталинград», на этот раз зритель увидит серию офортов «Одиссея», литографии из серии «Видения Святителя Николая», рисунки из серий «Моисей и Египетские боги», «Фрески вольного воздуха», в которых реализованы авторские пластические искания Вячеслава Ивановича Павлова. Осмысление исторических событий, библейских сюжетов, впечатления от поездок, изобразительные интерпретации литературной классики определили широту тематического диапазона его произведений. Им свойственна высокая профессиональная культура, чувство стиля, фактуры, ритмическая и композиционная выразительность и разнообразие, богатая графическая нюансировка.
В экспозиции представлено более 50 произведений графики 1970-х - 2003 гг. и 3 гобелена, созданных Аллой Алексеевной Шмаковой в редко используемой сегодня технике - гладкое ткачество. Уникальность гобеленов и в том, что основой для них служат произведения В.И. Павлова - черно-белые графические листы с очень сложной фактурой, передача которой является архисложной задачей, и А.А. Шмакова ее блестяще выполняет. Гобелены никоим образом не повторяют станковое произведение, они как бы являют новые свойства графики, ее потаенные возможности. Л.Н. Макарова, сотрудник Ярославского художественного музея: "Эти великолепные монохромные шпалеры вступают в разговор с графикой, и этот диалог наполняет реальное пространство многоголосием, складывающимся из приглушенных звуков прошлого и сегодняшнего дня".
Их творчество дает пример тесного взаимодействия различных видов искусств, взаимного обмена идеями.

24 февраля исполнилось 175 лет со дня рождения Елизаветы Бём, самобытной художницы рубежа XIX-XX вв. Основу её творчества составляет детская тема. Жанровые детские сценки, ставшие сюжетами её акварелей, литографий, эскизов для росписи хрусталя и фарфора придавали её работам особое очарование, а рисовальщице принесли всемирную славу и заслуженные награды. Елизавета Меркурьевна Бём получила специальное образование, добилась успеха как иллюстратор книг, журналов. Созданные художницей тончайшие, душевные, живые силуэты навсегда остались в истории русской иллюстрированной книги. Елизавета Бём признана непревзойдённым мастером художественного оформления открытого письма. По рисункам Елизаветы Меркурьевны Бём было выпущено более трёхсот открыток. В советское время её имя было забыто, а работы Бём использовались без упоминания автора. В наши дни память о творчестве этой прославленной русской художницы возрождается.

Выставка представлена винтажными открытками, иллюстрациями из книг, выпущенными в конце XIX-начале XX веков в Париже, Санкт-Петербурге, Нью-Йорке; раритетным изданием книги-альбома «Типы из записок охотника И.С. Тургенева в силуэтах Е. Бём» 1883 г выпуска, экземплярами из альбома не почтовых открыток, легендарной азбукой.

Удивительный фототограф, о котором мы мало знаем.
Михаила Марковича Смодора называли «светохудожником Озерного края». Он приехал в город Галич Костромской губернии в 1906 году после многолетнего обучение фотографическому делу в Варшаве и за годы своей жизни стал самым известным фотолетописцем Галича и Рыбной слободы. Город Галич был широко известен в России своей древней историей (как ровесник Москвы и Ярославля) и красотой православных храмов, своеобразным бытом горожан: знаменитыми огуречниками, народным костюмом, промыслами рыбаков Рыбной слободы. О жизни и судьбе этого уникального заповедного места на берегу Галичского озера и рассказывают фотографии Михаила Смодора. Михаил Маркович запечатлел в фотографиях многие бытовые и жанровые сцены из жизни галичан. По его фотографиям можно составить полную картину жизни города Галича в начале ХХ-го века в царской Российской империи и в годы революционного лихолетья, в годы НЭПа и первых пятилеток, увидеть, что носили наши предки, какие делали прически, увидеть прекрасные пейзажи и панорамы Галича. Такая полная фотолетописная картина жизни провинциального города в достаточно большой 30-ти летний промежуток времени начала прошлого века является редкостью в центральной части России   0+

Страница 2 из 16