Выставки

Лебедев Анатолий Федорович

1940   родился в деревне Подрамки Судиславского района Костромской области

1962   окончил Красносельское училище художественной обработки металлов, отделение

чеканки и литья

1972   окончил Львовский полиграфический институт им. И.Федорова по специальности «художник-график художественного оформления книги»

1972-2004   работал преподавателем рисунка, живописи и композиции в Костромской

детской художественной школе №1 им. Н.П. Шлеина С 1972   участник областных, зональных, республиканских и зарубежных выставок

С 1995  член Союза художников России

 

Новая выставка костромского художника Анатолия Лебедева  в художественной галерее знакомит зрителей с живописными и графическими работами, созданными в последние несколько лет. Одна из сквозных тем Анатолия Федоровича – воспоминание о прошлом. Анатолий Лебедев летом живет  в  деревне Горки Островского района  – неслучайно, тематика работ художника связана  с деревенской жизнью:  в жанровых картинах запечатлены бабушки с козами, в пейзажах живописные виды вокруг Горок, а также  туманы и вдали «плывущие» в них деревни. Произведения автора, которому свойственно особое чувство гармонии колорита и композиции, выполнены в широком жанровом диапазоне, для создания образа художник использует множество техник и стилистических приемов – от натурных пейзажей с осенним угасанием природы или постановочных натюрмортов до условно-декоративной живописи. Такое многообразие свидетельствует о высоком мастерстве художника, произведения  которого находятся в собрании Костромского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника,  а также в частных коллекциях в  России и за рубежом.

Куратор Надия Битколова

Впервые в художественной галерее на выставке «Поэзия цветов» будут демонстрироваться работы, позволяющие увидеть, как рождаются из природных материалов (засушенных листьев, цветков, стеблей и лепестков) произведения, в которых проявляется «гармония поверхностей и объемов». В экспозиции выставки Ирины Часовниковой представлены флористические коллажи, созданные  за последние три года, а также композиции, фотографически воспроизведенные в более крупном, чем оригинал  формате. Ирина Александровна – профессиональный музыкант. Ее творческие искания в разные периоды жизни нашли реализацию  в самых разных сферах: это сочинение и исполнение  музыки, написание стихов, создание живописных произведений, которые  были показаны в Костроме  на персональной выставке.

Для автора, обладающего тонким чувством красоты,   в работе над коллажами   необходимыми элементами являются импровизация и флористическая структура, в которой цветы и лепестки заменяют краски. Образ создается путем наложения и сопоставления: у роз богатая палитра, но они  плохо держат цвет; наиболее хорошо применимы бархатцы разного вида. У них разнообразная цветовая гамма: от желтого до глубокого вишневого. Формы бархатцев при засушивании получаются гибкими, их сочетания с фоном дают живописный эффект. Полевые цветы, нежные и хрупкие,  создают женственное настроение. Но Ирине Часовниковой особенно интересно работать над абстрактными композициями, в которых есть драматизм, определенно выраженное состояние,  поэтический состав. Флористический коллаж, в данном случае,  не столько модное направление флористики, сколько способ мышления автора  и выражения его ощущений, эмоций, то есть  искусство, решающее пластические и изобразительные задачи.

 

"Костромские нонконформисты"

Николай Шувалов

Владимир Муравьев

Живопись, графика

из собрания Костромского музея-заповедника,

Художественной галереи города Костромы, частных коллекций.

2 августа – 7 сентября 2014

 

 

 

 

Выставка, посвященная 70-летию Костромской области, знакомит с произведениями двух выдающихся художников 2 половины ХХ века Николая Васильевича Шувалова (1929 – 1984) и Владимира Пантелеймоновича Муравьева (1924 – 2006), тесными узами связанных с Костромой, их родным городом. Судьба свела близких по духу и творческим устремлениям людей в стенах Костромского художественного училища в конце 1940-х начале 1950-х годов. Их творческое становление пришлось на период 1960-х годов, получивший название «оттепели» - времени прорыва сквозь идеологический прессинг, когда забрезжила надежда на восстановление духовных ценностей, времени, давшему толчок для свободного развития творческой мысли. И хотя их судьбы и творческий путь сложились по-разному, всю жизнь их связывала настоящая большая дружба, обоим были свойственны высочайший профессионализм, абсолютная преданность искусству, дух свободомыслия, интерес к Человеку и Мирозданию.

Николай Шувалов всю жизнь прожил в Костроме, преподавал в Костромском художественном училище, работал в художественном фонде, в 1968 году стал членом Союза художников. Принимал участие в выставках, был лидером в художественной среде города. Его многогранный талант гармонично вмещал широкий спектр исканий. Это был мастер притчи, интеллектуальной метафоры. Человек, его внутренний мир и мир природы раскрывались для художника через призму эстетических соответствий, исторических и мифологических образов. Его лучшие произведения – сгустки необычайно сконцентрированной духовной и эмоциональной энергии.

Владимир Муравьев родился в Костроме в 1924 году.  В 1941 году после окончания 1 курса художественного училища ушел на фронт. После войны продолжил учебу в училище (1947-1954), затем преподавал рисование и черчение в «глубинке» - в школе села Палкино Костромской области, работал в художественном фонде. В конце 1950-х гг. навсегда уехал в Москву, работал художником в издательстве «Советский писатель», в 1971 году вступил в Союз художников, но не выставлялся. Первый большой показ его работ в Костроме состоялся только в 1998 году на выставке «Любить! Ненавидеть! Что еще?» вместе с работами уже ушедших из жизни друзей Н.Шувалова и А.Козлова.

Творчество художника развивалось в культурном пространстве неофициальной художественной Москвы. Его образной системе свойственны гротеск, повышенная экспрессия, гипертрофия формы, аллегорически-иносказательные сюжеты, фантастические персонажи. Художник утверждает собственное видение мира, который воспринимается им как постоянно меняющийся Универсум, каждая форма которого имеет свой смысл и обладает только ей присущей гармонией.

Экспозиция выставки «Костромские нонконформисты» знакомит с лучшими произведениями художников из собрания Костромского музея-заповедника, Художественной галереи города Костромы, частных коллекций и позволяет увидеть то, что сближает разных, но в чем-то очень близких представителей поколения «шестидесятников».

Вера Прямикова, куратор выставки.

Владимир Анисимов считает фотографию своим творческим увлечением. Заядлый путешественник, он с большим интересом снимает природные мотивы, жанровые сцены. Его серьезным дебютом стала выставка «Другие миры», прошедшая в муниципальной художественной галерее в 2005 году, а в 2006-2007 гг. в других городах  Костромской области.

Новая выставка представляет серии фотографий, запечатлевших уникальные места нашей планеты. Автор совершил восхождение на вершину Килиманджаро и фотофиксировал самые разные состояния фантастической природы  Африки.

А  проявление «волнующей  красоты родного края, необъятной России» можно видеть в сериях фотографий, сделанных в Крыму, где воображение автора потрясло «смешение русской истории, культуры с лучами южного солнца и бескрайним Черным морем».

 

подробнее WWW.АНИСИМОВ.РФ

В экспозиции представлены работы   шестнадцати выдающихся театральных художников XIX-XXI веков. Эти авторы, каждый из которых  обладает уникальным художественным стилем, наиболее ярко воплотили в своих работах образы великого русского драматурга Александра Николаевича Островского.

На выставке представлен прижизненный  портрет Александра Николаевича Островского, написанный  в 1884 году  Александром Ленским, внесшим  большой вклад в развитие реализма на русской сцене.

А.Ленский - первый из театральных художников, кто определил для себя, что «сцена – это пространство для игры актеров, пространство, наполненное своими эмоциями, имеющее свою выразительную силу. И прежде чем оформлять реальное пространство сцены, художник театра должен сделать макет декорации, предельно точно изображая в компактном масштабе все детали будущего решения сцены». Стоит отметить, что  в XIX веке к оформлению спектаклей подходили весьма утилитарно. Обычно использовали набор декораций и реквизита со склада театра. Постановки по пьесам Островского не были исключением, только редкие спектакли по его пьесам могли «похвастаться» авторским оформлением. К этому времени относятся макеты декораций к спектаклям «Бешеные деньги» (1870) художника М.А.Шишкова и «Воевода» (1886) А.Ф.Гельцера.

Совсем иное отношение к «одеждам спектакля» сформировалось в ХХ веке. Макеты, эскизы костюмов и декораций, выполненные Александром Осмеркиным, Владимиром Стенбергом или Эдуардом Кочергиным,  для спектаклей, поставленных в разное время в знаменитых театрах Москвы, Санкт-Петербурга, Казани, дают возможность познакомиться с развитием театрального искусства  в XX веке.

К любопытным экспонатам относится и эскиз к неосуществленной кинопостановке Андрея Тарковского по   пьесе  «Поздняя любовь» художника М.Ромадина, талант которого высоко ценил режиссер.

Необычный проект объединил двух московских художников-экспериментаторов.

Клара Голицына родилась в 1925 году. В 1949 окончила Московский полиграфический институт. Затем работала художником Таджик Госиздата (Душанбе). Потом 20 лет делала плакаты для коллегий министерства на космические темы. С 1982 года - свободный художник. Ее работы находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, других российских и зарубежных музеях.

Анатолий Пурлик - художник, родился в 1956 в Тайшете (Восточная Сибирь). Живет и работает в Москве.

Согласно концепции серии «Нарисуй мне это» (2013) К.Голицына создала живописные версии фотоснимков А.Пурлика. Цветные фотографии выступили в роли отправного пункта для масштабных живописных работ, в которых легко угадывается сюжетная основа. Творческий тандем наглядно показывает, что в современном искусстве станковая живопись и фотография комфортно существуют друг с другом, границ между техниками изобразительного искусства стираются, а важной остается суть художественного произведения.

Фотосерия представляет различные жанры. От концептуальных натюрмортов с классическим сюжетом до аскетических натюрмортов с консервными банками, раскрывающими бытие художника. В ряде работ раскрыта тема портрета. Не менее важна пейзажная линия. Урбанистические фотографии запечатлели виды Москвы и тосканской провинции (Италия).

Названия работ метафоричны, поэтичны и афористичны, по сути своей представляют отдельные литературные зарисовки - «Раскладушка Белого Человека», «Мой большой субботний стол Lucca», « ...бычки ушли самоходом в миноборонсервис!». Сюжеты обладают многослойной семантикой, их выбор говорит об изяществе и глубине мысли А.Пурлика.

Работы Клары Голицыной отличает свобода и предельная выразительность, ясность ума и твердость духа. Энергия света, любви и оптимизма. Удивительное совмещение конкретики и абстракции, линеарности и открытой чистоты цвета, декоративности и конструктивизма. Созданные на языке абстрактного искусства образы не менее убедительны и доступны для зрителя.

Работы Клары Голицыной давно стали классикой. По сей день художник, оказывает заметное влияние на российскую школу абстракции, на живописное искусство, представляя свое, ни на кого не похожее направление, изобилующее находками и открытиями.

Галерея приглашает зрителя заглянуть в импровизированную «избу-читальню»,  открывшуюся в малом зале галереи. Здесь разместилась выставка, объединившая четырех художников, для которых книга не только произведение печатной продукции, в создании которой художник принимает участие на паритетных началах с автором текста, но и плод их собственного воображения, метод самовыражения, объект, где переплетаются различные художественные практики и концепты. Это костромичи Александр Аханов и Ольга Швейцер и гости Виктор Шлюндин (Кинешма), Кузя Зверев (Нарва, Эстония).

В современном искусстве книга привлекает художников, как способ самодостаточного высказывания в форме книги, где на первый план выходит уникальность автора и созданного им объекта. Каждый из представленных на выставке художников вступает в свой диалог с «книгой», позволяющий определить их взаимо- и со-отношения.

Гость из Нарвы, в прошлом костромич Владислав Кузнецов, известный в художественном сообществе как Кузя Зверев, выступил в неожиданной роли иллюстратора учебного пособия - «Самоучитель эстонского языка или скорая грамматическая помощь». Заказчики из министерства просвещения Эстонии, пожелавшие уйти от скучной нарочитости, не случайно обратились к автору, обладающему даром неиссякаемой иронии. Рисунки, соединившие цветовой лаконизм плаката, юмор и гротеск, свойственный комиксам, не могут не вызвать улыбку.

Ольга Швейцер прекрасно работает в области традиционной иллюстрации. Однако, целому ряду ее работ присущи черты «книжности». Здесь в создании композиции и образа в целом на равных участвую собственно изобразительные элементы и текстовые фрагменты (часто на немецком языке), превращая лист в самодостаточный визуальный текст, как, например, в рисунках из цикла «Ненаписанные сказки».

Свои «книжные опусы» Виктор Шлюндин называет «арт-буками». Внешне они отвечают традиционному облику и назначению книги, вместе с тем находятся на стыке собственно книги и произведения искусства. Художник давно и успешно работает в этом жанре, всякий раз проявляя поразительную фантазию, применяя широкий спектр техник, приемов и материалов, определяющих пластический образ книги. Его привлекают тексты, где немалую роль играют многозначность, неопределенность, метафоричность. Особенно близок художнику Даниил Хармс, кому он посвятил свой последний «арт-прикол» - инсталляцию «Мысли Хармса».

Но, пожалуй, один из наиболее изощренных изобретателей «книги» Александр Аханов. Зрителю придется поломать голову над его графическими «трактатами» из серии «Графомания» и оценить юмор и ассоциативную игру, пронизывающие арт-обекты – «Книга света», «Книга сигнатур», «Повесть о сбежавшем кофе», «История Афродиты, рассказанная ей самой».

 

Новая выставка костромского фотохудожника Игоря Груздева «Траектория души» – это интерпретация автором  пространства, которое наполнено мистикой, это поиск фактурной, чувственной, эмоциональной выразительности образов.

Экспозицию выставки, представленной в двух больших залах художественной галереи, составили 49 фотографий, напечатанных на холсте или пластике. Жанры, в которых экспериментирует фотохудожник, - это городской пейзаж, пейзаж и  натюрморт. Необычность проекта «Траектория души»  в том, что автор, отделив фотографии монохромные от тех, в которых цвет становится самодостаточным элементом организации пространства, намеренно отказался от сопровождения своих работ названиями, не желая ограничивать свободу зрительского восприятия.

В своих работах Игорь Груздев композиционную динамику строит соотнесением света и тени, света и цвета. В этом зыбком пространстве человек никогда не является главным героем, а существует как «деталь бытия»: в одной из работ помещенный в этот мир, он следует по пешеходному переходу, в другой – это рыбак, плывущий в лодке,  или художник, разложивший свой этюдник около ворот храма.

Игорь Груздев фиксирует проявления  красоты. Трансформированы в фотографиях творческим воображением и волей автора не только природа и предметный мир, но и  знакомые виды Костромы: река, набережная, пароходы, старые дома, храмы, деревья, как будто, отражаются в патине старого зеркала, приобретая тем самым вневременные свойства. Образная метафорика  автора изысканна и понятна: тени, водосточные трубы, «обнявшие» друг друга, ветки деревьев, устремленных ввысь, дорога, уходящая к линии горизонта, упавший кленовый лист, кирпичная стена, залитая красным цветом, заполненный водой машинный след, в котором отражается небо,  – каждый рассматриваемый фотохудожником объект в фотографии приобретает символическое значение.

Представленные на выставке фотографии дают  возможность проследить траекторию  душевного постижения  автором реальности, поскольку для Игоря Груздева фотография –  «самый выразительный способ передать вечное в моменте».

Костромские зрители смогут увидеть третью персональную выставку акварелей художницы Ирины Ломановой, единственного постсоветского автора, чье творчество представлено  в коллекции Александра Гремитских.
С Костромой Ирину Ломанову, кроме прошедшей в 2012 году на арт –площадке «Станция» выставки, связывает неординарное творческое проявление: двадцатью ее  работами оформлен Центр Матери и Ребёнка, в конце апреля 2013 года Ирина Витальевна приняла активное участие в акции "Художники Москвы детям Костромы" и подарила  четыре акварели из серии "Игрушки" Первомайскому детскому дому-интернату.
Ирина Витальевна Ломанова родилась в 1962 году в Херсоне. В 1990 году с отличием окончила Центр подготовки художников-оформителей "Росмаркетинг" по специальности "Художник-оформитель в рекламе". Длительное время работала искусствоведом в Художественном Фонде СССР. Окончила Школу акварели Сергея Андрияки (преподаватель Каргина А.И.).  Ирина Ломанова пишет в технике многослойной акварели. Живёт и работает в Подмосковье. Некоторые из работы Ирины Ломановой, которые зрители Костромы увидят на выставке,  репродуцированы в российских и зарубежных изданиях.
Акварели Ирины Ломановой находятся в собраниях Фонда Областного Центра пропаганды изобразительного искусства Департамента по культуре Владимирской области, Костромского Государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, в частных коллекциях России.

Выставка «Проникновение цвета» вновь объединила  известных костромских художников Владислава Грачева, Анатолия Жукова, Виктора Каткова, Алексея Мухина, Сергея Пшизова и Марии Тепловой. Творческое сотрудничество этих художников продолжается не первый год, и на выставочной площадке художественной галереи они не раз были представлены как в совместных, так и индивидуальных проектах.
Название - «Проникновение цвета», которое дали авторы своей групповой выставке свидетельствует о том, что основное внимание художники уделили  культуре цвета, принципиальному стремлению  формировать  пространство именно  цветом и также пониманию архитектуры этого пространства.
По словам  художника и инициатора проекта «Проникновение цвета» Владислава Грачева, «… в  определенном смысле, проникновение цветом на плоскости –  это  общая философия для всех авторов, объединенных в выставке. Это понимание цвета, его значения и функции нас объединяет, но каждый из художников по-своему реализует эту художественную концепцию  в творчестве». 
Каждый из художников представит зрителям свои новые живописные и графические работы: зачастую, именно в этих абстрактных композициях авторам удалось вскрыть культурный код времени, передать его с помощью индивидуального образного строя, колористического чутья и  умения изобразительными  средствами создать внутреннюю напряженность поверхности холста или листа,  или керамического панно и витража.

Страница 10 из 14