Выставки

Павел Беляев принадлежит к поколению художников, чье становление пришлось на середину 1980-х гг. – десятилетие, вторая половина которого стала периодом прорыва через многолетнее идеологическое давление к свободе духа и творчества. Первые появления его работ на арт-сцене связаны с молодежными выставками-экспериментами (1987, 1988), когда молодая генерация костромских художников впервые дерзнула «заговорить»  на языке цвета, пластики, свободного формотворчества. В дальнейшем художник вместе со своими друзьями-единомышленниками принимает участие в выставках, ставших значительными событиями в культурной жизни Костромы  - групповая выставка в селе Красное на Волге (1986), «Синтез» (1989), «Поиск и эксперимент. 1960-1990-е гг.» (1994), «Синтез’99» (1999) и др.

Творческая судьба художника связана с муниципальной художественной галереей г. Костромы, в чьих проектах он принимает участие, как на площадке галереи, так и в других городах и за рубежом. В галереи прошли его персональные выставки, которые пользовались неизменным успехом  – 1999 г., 2007 («В поле покоя поверхности»), 2011 («Возле белого»). С 2008 года творчество П.Беляева оказалось в поле зрения музея современного искусства Эрарта (С-Петербург), который приобрел картины художника в свою коллекцию. В настоящее время произведения  П.Беляева представлены в постоянной экспозиции музея, выставляются в филиалах музея Эрарта в Нью-Йорке, Лондоне.

Павел Беляев – художник удивительно цельный, глубокий, обладающий развитой интуицией, редким даром некоего мистического чувствования мироздания. В основе его пластического мышления – стремление к максимальному обобщению, вырастающему до символа. В своей полуабстрактной живописи художник опираясь на натурные впечатления, на природные формы и цвета, создает свое неповторимое эстетическое пространство, превращая живописную поверхность во вместилище сложных понятий и тончайших ощущений. Его работы притягивают, вовлекают в пространство, полное покоя, умиротворения, изысканных цветовых гармоний – утонченных и благородных.

Экспозиция выставки «Оттенки дня» (более 80 работ) знакомит с новыми произведениями автора, созданными за последние  четыре года. В них художник продолжает свои пластические исследования, сопоставляя реальный мир природы с ландшафтом своего внутреннего состояния. Отталкиваясь от природного мотива, он отказывается от деталей, подробностей, выявляя главное, существенное, превращая объекты внимания (будь то дерево, куст, прогалина снега, дом) в символы, знаки Макрокосма – многослойного, многомерного, бесконечного.

В целом ряде работ варьируется мотив «окна», как прорыва в другое пространство, дающего возможность сопоставления разных миров – малого и большого, ближнего и дальнего. Это может быть прорыв неких покровов к свету реального мира или выход в иносферу, живущую по законам иного порядка, где непрерывно происходят трансформации материй, структур, энергий.

Значительное место в творчестве занимают композиции, где появляются мистические образы, линеарные абрисы и силуэты которых подобны сотканным из ощущений видениям, возникающим в глубинах сознания. Их облик неизменно отсылает к духовным истокам – образам древних икон.

Образы П.Беляева магически привлекательны и не поддаются словесным интерпретациям, а постигаются лишь путем сосредоточенного созерцания, установления собственных духовных контактов.

Вера Прямикова

 

Выставка включает 57 работ самых известных художников, совершивших революцию в искусстве, определивших их облик и основные течения модернизма.

Это Анри Матисс, Марк Шагал, Сальвадор Дали.

Без них не было бы фовизма, кубизма, абстракционизма, сюрреализма. Они верили, что искусство может изменить жизнь. И действительно, модернизм

вырвался из галерейных залов, повлиял на архитектуру,

дизайн, музыку, моду, телевидение – стал целой эпохой, еще до конца не пережитой. Настоящей лабораторией модернизма были живопись и, особенно, графика.

В творчестве отдельных художников зарождались

целые направления и стили. И именно из графических работ этих художников сформирована выставка.

Работы были приобретены за рубежом  группой красноярских инвесторов для показа в России и прежде всего в Сибири.  Этот жест трудно переоценить.

Организация выставки живописи этих художников пока за рамками

возможностей частной сибирской инициативы. К счастью, все эти художники работали с разными видами и техниками искусства, занимались не только живописью,

но и графикой, в частности литографией.

Иногда литографии повторяли живописные композиции,  иногда – создавались как  отдельные произведения, иногда – как книжные иллюстрации.

Например, цикл иллюстраций Шагала к «Мертвым душам»  Гоголя,

выполненный еще в 20-е гг. Литографии имеют определенный тираж и потому более доступны. Но при этом они не менее интересны,

они сохраняют ту же стилистику и образность, их делала та же рука.

Техника литографии сделала возможным собирать и показывать выставки.

В течение почти всего ХХ века Россия не приобретала, а только теряла произведения искусства, они гибли в смутах и войнах,

большевики за бесценок распродавали сокровища Эрмитажа,

отдельная борьба велась с современным искусством. В результате, за исключением Москвы и Петербурга,

население страны видело классиков ХХ века только в репродукциях.

Данная выставка восполняет эту лакуну,  предоставляет редкую возможность видеть работы

легендарных художников – основоположников искусства ХХ века.

Хронология представленных работ охватывает значительную часть ХХ века от начала 10-х годов вплоть  до 70-х,

когда еще авторы были живы и продолжали работать.

Выставка дает целый спектр стилевых поисков,  включает и фигуративные и абстрактные работы.

Выставка имеет и художественное и образовательное значение.

Она представляет те базовые художественные ценности современной эпохи, которые изучают теперь и в школах, и в вузах по всему миру.


История кукол неразрывно связана с историей моды. В разные эпохи в разных странах куклы выступали глашатаями и законодателями мод, прежде, чем появились модные журналы. Новинки сезона шились на куклу с такой точностью в деталях (кружева, многослойные юбки и так вплоть до нижнего белья), что опытной портнихе не составляло труда скопировать с кукольной одежды и крой, и отделку, и силуэт. Для кукол делались те же аксессуары, что и для модных дам – шляпки, перчатки, зонтики, сумки и даже миниатюрные ювелирные украшения. Это делает кукольные наряды бесценным материалом для историков моды.

До периода развития промышленного производства в последней трети 19 в. куклы делась вручную и были весьма дороги, являясь предметом роскоши и гордости своих хозяек.

Небольшая часть кукол вводит зрителя в исторический контекст кукольного производства. Будут представлены самые ранние экспонаты – куклы 18 в. из разных материалов – дерево, папье-маше, воск, фарфор.

Расцвет кукольного производства приходится на 19 столетие, поэтому большая часть экспонатов выставки относится к этому периоду. В основном, экспозиция будет строиться не по хронологическому, а по тематическому принципу.

- Особую роль в кукольных нарядах занимает нижнее белье. В магазинах, в основном, куклы продавались именно в нижнем белье, а наряды и туалеты предлагалось покупать дополнительно. Кукольное нижнее белье состоит из тех же самых деталей, что и дамское -обильно украшенные кружевом и шитьем: панталоны, рубашки, сорочки, подъюбники, накорсетники. Вошедший в моду в конце 19 в. «бельевой стиль» нашел свое отражение и в кукольной одежде.

Кукольный мир повторял все аспекты мира реального, и все основные события жизни нашли в нем свое отражение – появились куклы-невесты, куклы в одежде для конфирмации.

С конца 19 в. стали появляться куклы-дети и куклы-младенцы, кукол облачают в крестильные рубашки,

Кукольная мода чутко следовала последним веяниям и тенденциям. Для кукол издавались свои журналы мод, у кукол были свои ателье и модистки. В зале экспозиции будут представлены все атрибуты кукольного модного дома с точными и работающими копиями швейных машинок, манекенами, кружевами, пуговицами и миниатюрными ножницами.

Особый жанр в кукольном мире – это кукла-модница, дама с приданным. К такой кукле прилагался сундук со всеми аксессуарами и атрибутами реальной жизни. Такая кукла перестает быть просто игрушкой, а становится статусной вещью, частью интерьера роскошного и модно обставленного дома. Сюда же можно отнести будуарную куклу, появившуюся на рубеже 19 и 20 вв. модную и любимую настолько, что даже могла сопровождать свою хозяйку на светских раутах.

27 февраля по 22 марта художественная галерея вместе с Александром Ахановым сделает попытку «Объять необъятное». Так назвал свой проект А.Аханов, который еще раз демонстрирует неиссякаемую фантазию  и огромный творческий потенциал.

А. Аханов давно и успешно сотрудничает с галереей. Художник широкого творческого диапазона, он работает во многих практиках современного искусства. Это живопись, графика, иллюстрация, арт-объект, фотография, коллаж, бук-арт, видео. Он неизменный участник проводимых галереей  выставок современной графики, автор оригинальных проектов, вызвавших огромный интерес зрителей - «Тексты и не только…» (2000), «Между стульев» (2005), «Графомания» (2006), «Письма блудного сына» (2008), «Паломничество в «Сад Поэта» (2013), «Окно на солнечной стороне»  (2014) и др.

Выставка включает графические работы, созданные художником за последние два  года.  Как всегда  автор экспериментирует, пробует свои силы в  самых  разных техниках:  это и удивительно тонкие, ювелирно выполненные рисунки  карандашом, и яркие коллажи с использованием гуаши и  акрила, и  компьютерная графика в сочетании с  пастелью.

Фантазия автора уносит зрителя в мир грёз и сновидений с изысканными дамами («Неторопливые движения») и трогательными игрушками из детства («Падающие кубики», «Кукла наследника Тутти»), погружает в кошмары и заставляет задуматься о будущем («Всадник бледный»). Сюрреалистические произведения Аханова вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера — эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях художника, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение. Теоретик направления сюрреализма Андре Бретон утверждал, что сюрреализм способен разрешить противоречие между мечтой и реальностью, выразить истинную функцию мысли, которая не ограничена и не контролируется разумом и морально-этическими ограничениями. Основывается на вере в высшую реальность, на могуществе сна, на нецеленаправленной игре мышления.

Для искусства ХХ века характерно разомкнутое, открытое, неклассическое восприятие мира, поиск новых путей развития, перенасыщенность разнообразием художественных форм, обращение не только к опыту, но и к языку предыдущих эпох, введение прямых цитат, их вариаций и интерпретаций, сложных культурно-исторических ассоциаций. В начале 1980-х вошел в оборот термин «апроприационизм» (или Appropriation Art), когда получили известность такие художники, как Ричард Принс и Шерри Ливайн. Любители вводить в свои произведения элементы, созданные другими авторами, существовали, конечно, и раньше, но именно в их творчестве апроприация вышла на первый план. Появление «искусства заимствования» связывают прежде всего с распространением техники коллажа. Александр Аханов пробует себя и в этом направлении. Художник вступает в диалог с «великими»: используя их образы, цитируя, спорит с ними, иронизирует, порой саркастически улыбается («Питер Пабло. Рубенсо», «Неизвестный портрет. Публикуется впервые»). Художник сознательно дразнит публику. Шокирующими выглядят образы, знакомые с детства и «обработанные» автором. Подобное амикошонство направлено против создания кумиров в живописи, «неприкасаемых» в искусстве. Смелость художника оправдана мастерским владением материала, умением быть со всеми «измами» на ТЫ.

из собрания Ю.М.Петухова (Москва)

и коллекции муниципальной художественной галереи г. Костромы

 

Эта выставка об обычном человеке из нашего окружения: соседе, коллеге, прохожем с улицы. Собственно, тип – образ, аккумулирующий характерные обобщенные черты некоей группы людей. Речь идет не о психологическом портрете, предполагающем углубление и анализ. Это скорее творческий синтез на основе аналитического наблюдения, поиск и выявление типичных черт по разным критериям: полу, возрасту, психологии, физическим данным, профессии, образу жизни, месту жительства. Результат этого направления творчества высоко оценивается в искусстве, поскольку соединяет частное и общее, затрагивая любого из нас, становится общезначимым.

Идея выставки принадлежит известному московскому коллекционеру, куратору выставочных и издательских проектов Юрию Петухову: «Талантливый художник способен подметить характерные черты не только отдельного человека, но и качества, присущие целому поколению, конкретному историческому моменту или определенной группе людей. Безусловно, социально-политические изменения и катаклизмы ушедшего столетия не могли не отразиться на внешнем облике современников и участников происходивших событий. Поэтому нам, интересны люди, ставшие объектом пристального внимания и изучения для художников. Именно они и являются главными действующими лицами данного выставочного проекта. Они были разделены на три группы, имеющие некие общие, характерные признаки. Условные обозначения этих групп и стали титулом проекта «Типы – типчики – типажи».

Впервые выставка с таким названием была показана в Ярославском художественном музее в октябре 2014 года. Произведения известных российских мастеров, начиная с 1920-х годов до нашего времени, из коллекции Юрия Петухова и собрания Ярославского музея позволили совершить увлекательный экскурс в историю нашей страны, отразившуюся в лицах, одеждах, деталях интерьера и быта, видимых и едва ощущаемых приметах жизни общества в целом. В Костроме выставка обрела новое «лицо». Произведения из коллекции Ю.М.Петухова дополнили «типажи» из собрания муниципальной художественной галереи г. Костромы.

«МИСТИКА ФОРМЫ И ЦВЕТА»

Живопись, графика, эмаль, арт-объект

Выставка ярославских художников Владимира Горячева и Михаила Бекетова «Мистика формы и цвета» погружает  в скрытый, таинственный  мир игры демиургов, когда каждый из авторов по-своему материализует, выстраивает изобразительное или пластическое послание зрителю.

В своих живописных и графических произведениях  (в основном, это  работы последних трех лет) заслуженный  художник России Владимир Горячев стремится усматривать, «прорицать»  непосредственно явления, которые находятся вне нашего пространственно-временного кругозора, используя  цветосветовые отношения  как инструмент создания сложного  композиционного решения. Так проявляется на холсте или бумаге мистический мир карнавала (музыкантов, карточных домиков, замков, построенных на шахматной доске, древних городов)  или драматичные  сюжеты древне-греческой мифологии и библейские истории.

Гармонично в одном проекте сосуществуют с произведениями Владимира Горячева работы в технике эмали  Михаила Бекетова, которые представлены в разнообразных видах - панно, скульптура, инсталляция, объекты, мелкая пластика.  Одна из ведущих тем Михаила Бекетова - Мир Востока, его древняя культура и многокрасочность. Автор, сочетая  с эмалью стекло, керамику, металл, используя все  многообразие технологических приемов, создает такую пластическую форму, в которой  сквозь цветовую декоративность открывается тайная сущность  предмета, будь то корпус музыкального инструмента или светильник, превращенные властным решением и фантазией художника в арт-объект.

Надия Битколова, куратор

 

 

Горячев Владимир Сергеевич родился в 1953 году в Рыбинске, Ярославской области.  В 1972 году окончил Ярославское художественное училище. В 1980 году окончил Московский художественный институт им. Сурикова. Участник областных, региональных, республиканских, всесоюзных, российских и зарубежных выставок.

С 1982 г. член Союза художников России. В 2006 г. присвоено звание «Заслуженный художник России». Работы находятся в музеях Ярославля, Переславля-Залесского, Рыбинска, в частных коллекциях России, Финляндии, Германии, Италии, Японии, США. Художник создает абстрактные картины в сложной смешанной технике.

Бекетов Михаил Петрович родился 1953 году в Казахстане. В 1974 году окончил Алма-Атинское (Казахстан) художественное училище  им. Н.В. Гоголя, в 1982 году – московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). С 1985 года член Союза художников России, Союза дизайнеров России. Организатор и руководитель творческой группы художников «Арт-студия 204». Автор проекта «Арт-матрица». Живет в Ярославле с 1999 году. Участник областных, региональных, республиканских, всесоюзных, зарубежных и международных (Франция, Италия, Германия, Люксембург, Финляндия) выставок. Произведения находятся в музейных собраниях Казахстана, Узбекистана, Музее янтаря (Паланга, Литва), ЯХМ, в Галерее Ричарда Спунера (США), в частных коллекциях. Лауреат областных премий им. А.М. Опекушина (2003). Награжден дипломом и Ш-й премией на конкурсе ювелиров «Зергер-99», Алматы (Казахстан). Дипломант СХ России (2008). Монументалист. Скульптор. Эмальер.

 

 

 

Выставка трех поколений семьи Волковых представляет четырех художников – основателя династии Александра Николаевича, получившего мировую известность как «Мастер «Гранатовой чайханы» (1886-1957), его сыновей Валерия (р.1928), Александра (р.1937), и внука Андрея (р.1968).

Как правило, когда заходит речь о художественной традиции, прежде всего, ищут формальное сходство, то есть набор внешних признаков, позволяющих безошибочно классифицировать автора, но такая схема плохо применима к явлению «Школа Волкова».

Дневники Александра Николаевича дают лаконичные и точные определения, помогающие понять его художественный метод: «Движение – жизнь. Остановка – смерть». Проходя через различные течения в изобразительном искусстве, он в каждом добивался предельной выразительности. Будь то символистские поиски начала ХХ века, футуризм или кубизм, обращение к новой фигуративности или живописи старых мастеров, Волков, прежде всего – неповторимая личность. В этом заключена главная отличительная особенность его школы, - это непрерывное становление, «осуществление» художника на протяжении всей его жизни, при непременном сохранении внутренней независимости. Об этом говорит еще одна, принципиально важная  автобиографическая запись - «Рабом никаких направлений не был».

Волковский подход в обучении заключается, прежде всего, в работе над умением видеть, чувствовать, и строить пластическое высказывание, а не в безлично-универсальном указании что, и как изображать “грамотно”. В своем роде, его метод был антитезой к негласному установлению, сохранившему в профессиональной среде живучесть и по сей день – «Сначала научись, а потом занимайся творчеством». Будучи органически свободным человеком, Волков строил профессиональные отношения с учениками, раскрывая их способности, выявляя сильные стороны, поддерживая индивидуальность каждого; именно поэтому его школа так многогранна.

Валерий и Александр с детства понимали, что путь художника труден и не приносит особых дивидендов. Им, вместе с мамой, Еленой Семеновной Волковой пришлось стать опорой для отца в трудные годы, когда он, обвиненный в “формализме” оказался в изоляции, лишенный общения, преподавания, практически без средств к существованию.

Сыновья вспоминают, что отец не делал из них вундеркиндов, не приучал с ранних лет к профессиональным занятиям, и только с момента поступления в художественное училище стал давать им профессиональные советы. В дальнейшем, Валерий кроме художественного, получил также  искусствоведческое образование в Ташкентском Государственном Университете, а Александр продолжил начатые в училище занятия скульптурой, и отправился в Москву, где окончил “Строгановку”.

Внук Андрей, сын Александра, в детстве рос так же свободно, посвящая рисованию ровно столько, сколько хотелось; лишь убедившись в серьезности своих намерений, и получив необходимую профессиональную подготовку, поступил и окончил “Строгановку”.

Каждый из этих художников глубоко впитал традиции родоначальника династии, и каждый независимо ищет свой путь, выражая свое понимание картины мира.

Валерий – полностью погруженный в цвет; энергичный, экспрессивный, мастерски владеющий краской. Младший брат любит сравнивать его с тореадором, выходящим на арену искусства – но не в качестве участника кровавого представления, а скорее как оперного героя, маэстро, побеждающего виртуозностью своего исполнения.

Александра принято считать более лиричным. Возможно, это связано с его скульптурной практикой - работа с тяжелыми материалами: камнем, глиной, металлом дает особую уверенность в своих силах. Это позволяет ему в живописи не навязывает зрителю исключительность своего взгляда, предлагая иную, более спокойную, созерцательную интонацию. Он приглашает зрителя в мир тонких переживаний, считает, что живопись в первую очередь должна нести радость бытия.

Aндрей, художник уже ХХI века, в своей работе приводит картину к качеству объекта, сознательно прибегая к максимальной лаконичности. С одной стороны, он редуцирует выразительные средства, с другой – стремится к глубокой разработке живописной поверхности, стараясь создать работы, взаимодействующие с окружающим их пространством и светом.

Выставки Династии проходили в Москве, Ташкенте, Вашингтоне, Нью-Йорке. Работы художников Волковых находятся в крупнейших национальных и зарубежных музеях, значимых частных собраниях.

 

Александр Волков, Андрей Волков

6-я выставка современной графики «Здесь и сейчас» - форум графического искусства, который проводит муниципальная художественная галерея раз в три года. В ней приняли участие 35 авторов из Костромы, Москвы, Кинешмы, Ярославля, Нарвы (Эстония). Среди них хорошо известные зрелые мастера, и начинающие авторы. В экспозиции более 100 работ. Уникальная графика представлена как традиционными техниками – карандаш, тушь-перо, акварель, пастель, гуашь, темпера, так и оригинальными изысками, скрывающимися за термином «смешанная техника», печатная – работами в технике линогравюры, гравюры на картоне, монотипии. Прочно заняла свое место в этом ряду и фотография, возможности которой расширили компьютерные технологии. Не ограниченные какой-либо заданной проблематикой авторы поделились своими пластическими открытиями, исследованиями, предпочтениями последних трех лет. В целом картина довольно разнообразная – множество художественных идей, творческих подходов. У подавляющего большинства превалирует символико-метафорическая образность. Хотя есть и те, кто традиционно предпочитает натурные впечатления – Вадим Березовский («Дорога в Тетеринское», 2014), Сергей Савосин (серия рисунков «Карелия», 2012).

Образы людей населяют работы Александра Аханова, Кузи Зверева, Ольги Швейцер. У первого фантастические герои, легко теряющие маски, лица, головы, живут в эфемерном пространстве, где переплетаются, как в кошмарных снах, символы, метафоры, цитаты, заставляющие поверить, что сюрреализм по сей день не исчерпал свою образно-художественную притягательность. Монументальные, неподвижно застывшие фигуры «мальчика» и «девочка» Кузи Зверева подобны великанам-истуканам из средневековых сказок. Идиллические персонажи О.Швейцер – дети, ангелы, кошки - живут своей умиротворенной, загадочной жизнью-действом, напоминающей порой некую мистерию («Увертюра», 2014).

Вдохновленный изысканной и брутальной эстетикой «кухни» Питера Гринуэя Игорь Ермолаев ставит свои таинственные биопластические опыты. Прибегая к изощренным приемам гротеска и антропоморфизма, он пытается персонифицировать органы чувств человека («Глаз в шубе», «Большой нос», 2014).

Серия работ в технике масляной пастели Сергея Медведева дает возможность многоуровневой интерпретации сюжета, выходящего за рамки натюрморта. Незатейливые предметы аскетичной трапезы – клубни картофеля, рыба, вилка, зависшие в метафизическом пространстве - бездне темного фона, перерастают значение бытового знака, превращаясь в символы Бытия.

Своеобразно трансформирует пейзажный жанр Владимир Тюрин, используя приемы коллажа. Графика леса – деревьев, стволов, ветвей, неожиданно возникает из разноцветных клочков и полосок бумаги, позволяя ощутить в ритмах линий и фактуры пульс жизни природного ландшафта.

Небольшие по формату с незатейливыми сюжетами акварели А.Бекасова «Сенокос – сильный ветер», «Натюрморт. Картошка» (2013) сочетают композиционный и цветовой лаконизм, свойственный фреске. Они обладают поэтикой, таящей романтическую недосказанность. Камерные работы М.Кораблева как всегда выдают тонкий вкус и живописную культуру автора, умеющего создать едва уловимый флер метафоричности.

Ряд художников привлекает абстракция, как способ создания новой формы художественной реальности или трансляции собственных ассоциаций и ощущений. Андрею Киму свойственна импульсивная манера рисования, развитая эстетическая интуиция, свобода пластического высказывания. В новых работах контраст черного-белого, динамичные спонтанные движения кисти, создают напряженную ритмику, передающую то тревожное состояние сумерек, то душевное смятение самого автора («Сумерки», «Я», 2014).


Листы из серии «X-Terra» (2014) Леонида Малафеевского, где автор максимально использует живописные возможности пастели, позволяют заглянуть в мир, сотканный из подвижных, причудливых линеарных и колористических структур, подобных музыкальной стихии.

В ряду черно-белой печатной графики выделяются линогравюры Валерия Бабина, художника-философа, обладающего даром пластического обобщения. В его жанровых сценах, таких безыскусных - «Татарчонок, лошадь и снег», «Пейзаж с руинами» (2011) - все просто и ясно: человек, его бытийный и духовный мир предстают как неотъемлемая часть огромного макрокосма, существующего «здесь и сейчас»… и вечно.

Выразительны предельно лаконичные и довольно резкие по стилистике сцены парижской жизни - «Крыши Парижа», «Париж. Монмартр» (2014), выполненные Александром Мариевым в технике линогравюры.

Попытался увидеть Кострому столетней давности с высоты птичьего полета в насыщенной точными деталями и подробностями работе «Панорама Костромы 1913 года в дни празднования 300-летия Дома Романовых» (2011) Сулейман Кадыбердеев.

Ася Сукманова продолжает вести заманчивые в своей неисчерпаемости «игры» линий и форм, начатые художниками еще в начале ХХ века, в композиции «Диалог линий и форм» (2014).

Ольга Волкова иронизирует на изобразительном и вербальном уровне по поводу демократии в серии работ «Грибы» (2014).

Юрий Галыбин размышляет на темы, предложенные некогда Р.Брэдбери в его знаменитом романе «451 градус по Фаренгейту». Эстетика современной фотопечати, соединенная с техникой монотипии позволяет преодолевать пространственную двухмерность, делая образы необычайно пронзительными.

Метафизической аурой пронизаны фотографии Игоря Груздева «НЛО», «Дерево в цвету» (2014). Еще один из визуальных вариантов трактовки «бесконечности» предложила Надежда Пронина в одноименной фотоработе, где нет ощущения сиюминутности, которое так часто оставляет фотоснимок.

В рамках выставки представлены проекты выдающихся московских художников – «Пластические партитуры» Клары Голицыной и «Визуальные диалоги» Олега Кудряшова из собрания Ю.М.Петухова (Москва).

 

Вера Прямикова

Амонашвили Константин

1954  родился в Тбилиси (Грузинская ССР)

1973  окончил машиностроительный техникум

1975  после службы в армии работал в конструкторском бюро

станкостроительного завода.  Увлечение фотографией,

съемки  на любительский  фотоаппарат «Зенит – Е»

1978- 2001 служба в  войсках Военно-воздушных сил  СССР

С 2001 года живет и работает в Костроме. В качестве фотографа

сотрудничает с Костромским отделением Союза художников

России,  муниципальной художественной галереей

 

Экспозицию выставки «Открытый объектив»  составили фотографии, запечатлевшие моменты общения художников и детей на творческих занятиях. В качестве фотографа Константин Амонашвили принимал участие в благотворительном проекте, который осуществляет Костромское отделение Союза художников  России,  проводя мастер-классы в детских домах, интернатах и школах Костромы и Костромской области.

В определенном смысле, работы, которые представлены на выставке – это  фоторепортаж, который, по словам автора, прежде всего, «подразумевает отображение реальности». Константину Амонашвили  интересна непредсказуемость в общении художников и позирующих им  детей, непосредственность в выражении эмоций и чувств, а также сама необычность ситуации творческого процесса.  Именно эмоциональное восприятие ребенком открытия своих новых возможностей и способностей становится предметом размышления для Константина Борисовича в его фотоработах. Ему важно показать общность интересов, которая проявляется  на мастер-классах у детей и художников.

Избегая компьютерного  редактирования фотографии, Константин Амонашвили решает непростую задачу построения кадра принципиально в естественных условиях происходящего, следуя законам композиции, игры света и тени, динамике движения людей. «Делаешь несколько снимков с одной  точки, полагаешься на свой опыт. Сфокусироваться непросто, но задача не только в том, чтобы поймать движение. Хочется предъявить и психологическое состояние тех, кого снимаешь. Эти моменты открытия ребенком чего-то нового мне интересны» (Константин Амонашвили)

 

Куратор выставки Битколова Н.В.

Антон Репин  и Евгений Морозов окончили в 2006 году Костромской государственный технологический университет. Авторы назвали свой проект «Годы тишины», отобрав для него фотографии, сделанные за период с 2011 по 2014 год.  Все начиналось как туристические походы группы друзей,  которые начали исследовать Костромскую область (в основном, Сусанинский, Парфеньевский, Буйский, Галичский и  Чухломской районы)  и в процессе путешествий анализировать то, что увидели –  брошенные поселения, многие из которых уже не обозначены на современных  картах.

Авторы выставки, пользуясь только компасом и автодорожным атласом, иногда шли не зная конечную точку маршрута, затем реконструировали некогда бывшее  поселение, куда нет дорог, и  кто там жил. В фотографиях  Антона Репина и Евгения Морозова запечатлены горькие наблюдения: «В 30-40 километрах  от города –  бедствие: видны улицы, вернее, их очертания, по крышу в траве стоят дома. Заходишь в них –  там предметы обихода, рубанок, которым никто не пользуется,  дрова в печке, висит одежда на вешалках…Как будто, люди  не собирались уезжать  и вдруг моментально исчезли. Все   осталось на своих местах. Это  завораживающий момент, когда входишь в дом и слышишь звенящую тишину, видишь пыль в солнечном свете.  И никого нет. Или находишься в  заброшенной церкви. Мы видели за все это время только два храма, которые начинают восстанавливать.  В основном, остались руины, со времен советской власти фрески, изуродованные топором».

Большинство деревень население покинуло в трудные 1990-е годы, но даже в брошенных поселениях Антону и Евгению встречались живущие там  люди – одинокие старики.  Есть в Костромской области места, куда добраться можно только на спецтехнике, то есть  единственный способ попасть туда  -  на лодке по реке, а также  дождаться  прилетающего два раза в неделю  вертолета, который  привозит пенсию и  продукты питания.

Антон Репин и Евгений Морозов будут продолжать свои  походы  по Костромской области, поскольку именно в этом «их выбор и душевная потребность». Фотопроект «Годы тишины»  выставка – документальная часть материала книги о человеке, который покинул свою землю.

Куратор выставки Битколова Н.

 

Страница 9 из 14