Выставки

Жизненный и творческий путь художника связан с Костромой, его родным городом, где он получил профессиональное образование на художественно-графическом факультете Костромского пединститута, вступил в члены Союза художников России (1987), где активно работает творчески, участвуя в многочисленных выставках – областных, зональных, всероссийских, всегда находится в центре событий культуры и искусства.

А.П.Мухин – художник большого таланта и глубины. За долгие годы творческой деятельности его профессиональный потенциал реализовался во многих видах искусства – живописи, различных видах графики (плакат, журнальная, станковая), искусстве фотографии. Вместе с тем, следует признать первенство графического искусства, а точнее тех художественных техник, где его по праву следует отнести к серьезным Мастерам, имеющим яркую индивидуальную художественную манеру. Это акварель и пастель.  Именно в этих техниках, где органично сочетаются строгость и конструктивизм, свойственные графике, и свобода колористического решения, автор достиг значительных успехов. Пейзажи Костромы, навсегда запечатлевшие тишину улочек старого города, красоту и величие его храмов и архитектурных ансамблей, многочисленные листы цикла «Где-то в России…», отразившие разнообразие впечатлений от путешествий по Российской глубинке (Солигалич, Галич, Мышкин), всегда отличаются высоким художественным уровнем, вкусом и составляют значительный вклад в российскую художественную культуру.

А.П.Мухин находится в постоянном развитии, поиске новых пластических идей, смело идет на эксперимент. Свидетельством тому и юбилейная выставка, которая открывает новую страницу в творчестве художника и подтверждает большой творческий потенциал автора.

С 20 декабря по 31 января в муниципальной художественной галерее пространство  двух больших залов заполнено «Волшебным искусством» 12 ярославских художников:  горячая эмаль  и стекло, керамика и текстиль, живопись и графика  - все разнообразие техник и жанров смогут увидеть зрители не только в новогодние каникулы, но и в   «Ночь искусств» 8 января.

Идея объединить в экспозиции выставки двенадцать совершенно самостоятельных и самодостаточных творческих индивидуальностей  принадлежит художнику Михаилу Бекетову. Являясь организатором и руководителем творческой группы «Арт-студия 204», Михаил Петрович  не впервые создает проекты (как правило, многочисленные «ART-Матрица», «Прогулки PRO Голландию» 2013-2014, «Зазеркалье, игра с зеркалами», 2014), в которых участвуют его коллеги – художники декоративно-прикладного искусства, живописцы и графики. Несомненно, творчество Михаила Бекетова – прежде всего,  мистическая практика создания пластических форм, поскольку, как утверждал Честертон, «истинные мистики не прячут тайн, а открывают их». В  этом могли убедиться зрители галереи год назад, рассматривая работы художника, представленные  на совместной с Владимиром Горячевым  выставке «Мистика формы и цвета».

Безусловно, в этом году основой проекта «Волшебное искусство»  - своеобразной манифестацией прекрасного стали именно выполненные Михаилом Бекетовым панно, инсталляции, витражи, арт-объекты, мелкая пластика. Художник,  сочетая с эмалью стекло, керамику, кожу, дерево  медь, латунь, сталь, алюминий, используя все многообразие технологических приемов, создает такую пластическую форму, в которой сквозь цветовую декоративность открывается тайная сущность предмета, будь то корпус музыкального инструмента (из серии «Тело звука»; «Геном джаза» из серии «Жизнь инструментов») или светильник («Русский сфинкс»), превращенные фантазией автора в арт-объект.

В декоративном искусстве, особенно в работе со стеклом и эмалью, всегда присутствует элемент алхимии: на выставке это волшебство стало решающим фактором, когда технология является «достижением цели сверхъестественным путем». Виртуозно, экспериментируя с материалом и цветом,  создает свои изысканные художественные мистификации – эмали и арт-объекты из  стекла  Елена Евдокимов («Салют», «Полнолуние»). Художник Георгий Бекетов, также входящий в состав творческой группы «Арт-студия 204», зашифровывает  загадочные хтонические образы «Древней земли».  В  технике горячей эмали возможно передать и драматичное  преображение внешнего  мира – как в работе Ольги Александровой «Пустая улица» - и  размышление о сакральном чувстве, своеобычное  осмысление действительности, представленное в панно «Вербное воскресенье» Александром Александровым. Стихия «карнавала утонченных душ» характерна эмалям Альбертины Арискиной – таким  как: панно «Встреча», посвященного  Санкт-Петербургу и  фантастическому знакомству двух персонажей - Коломбины и Льва, и нарочито-декоративным натюрмортам («Кофе по-венски»).

Горы – символ духовного восхождения,

приближения к красоте, к добру.

Николай Рерих

 

Выставка «Лучше гор могут быть только горы»  включает 30 акварелей, созданных художницей по впечатлениям от путешествий в Египет, Турцию, Францию, и посвящена Владимиру Высоцкому. Не только потому, что название выставки - строка из песни поэта, а потому что Марина Николаевна сама пишет стихи, они наряду с живописью помогают ей выразить отношение к миру. Во-вторых, песни В.Высоцкого из фильма «Вертикаль» передают то влечение к горным вершинам, которое испытала сама Марина Николаевна.

М.Н.Михеева не альпинистка, пишет не с натуры, а по памяти и по впечатлениям. В ее работах соединились любовь к горам и мастерство акварелиста. Посетитель из промозглой ноябрьской улицы попадает в удивительный мир горных вершин, покрытых белоснежными шапками снега, освещенных закатными лучами солнца или спрятавшихся за облаками. Прозрачность и трепетность акварели загадочным образом передают немного разряженный горный воздух, изменчивость освещения.

Живопись акварелью, благодаря своей доступности и большому количеству технических приёмов, позволяющих наиболее полно раскрыть художественный замысел, привлекает многих современных художников. Но, надо сказать, что, не смотря на доступность и кажущуюся простоту технического исполнения, акварель –  очень сложная техника, и далеко не каждому удаётся овладеть ею в полной мере.  Эта трудность состоит в том, что акварель не переносит исправлений и переделок,  от которых нарушается верхний слой бумаги.   От художника требуется большая сосредоточенность, совершенно ясное представление о том, что он хочет и как он должен исполнить задуманное. За легкостью акварельных работ стоит большой труд - для каждого мотива М.Н.Михеева делает массу этюдов, пока не добьется именно того ощущения, которое хочет передать зрителю.  Не случайно говорят, что акварелью может работать каждый художник, но не каждый художник может создать акварель. М.Н.Михеева создает акварели, энергетика ее работ уже завоевала сердца многих зрителей, которые после посещения выставки вспомнят стихи В.Высоцкого:

В суету городов и в потоки машин

Возвращаемся мы - просто некуда деться!

И спускаемся вниз с покорённых вершин,

Оставляя в горах, оставляя в горах своё сердце.

Выставка «В поисках гармонии» посвящена 85-летию со дня рождения костромского художника Олега Дмитриевича Шелкова. Представлены работы из собрания семьи художника - живопись, графика разных лет. Одним из лучших произведений раннего периода является «Портрет мамы»(1960). Написан он в сдержанной цветовой гамме, в этюдной манере, живо и непринужденно. Искусствоведы не раз отмечали его художественные достоинства.

Однако жизнь Олега Дмитриевича сложилась таким образом, что большую часть своего времени он вынужден  был посвятить работе в Художественном фонде, на свободное творчество времени оставалось мало, и только выйдя на пенсию в 1990 году, он обрел долгожданную свободу.  К каким высотам, в какие далекие миры устремилась душа его, не скованная никакими догмами и канонами! В его творчестве появляются развернутые серии: «Библейская», «Мифы Древней Греции», серия работ, посвященная музыке, музыкантам и др. Экспонируемые работы из «Библейской серии»: «Тайная вечеря»(1994) и «Кирилл и Мефодий» (1998) были участниками Всероссийской  художественной выставки  «Возрождение», посвященной 2000-летию Христианства, состоявшейся сначала в Москве, а затем в Костроме в 1999 году. «Тайная вечеря»  была репродуцирована в каталоге, посвященном выставке. В этом удивительном произведении подкупает тонко сгармонированная теплая, коричневых тонов  гамма. Фигуры апостолов вокруг стола, Иисус Христос – в центре, с едва заметным  нимбом над главой – все так просто, что, кажется, происходило вчера. И в этом особенный,  проникновенный  подход к изображению Великого события. Другие произведения из этой серии так же отличаются свободой в трактовке тем и образов. Они интересны, прежде всего, живописными исканиями. Вот Дева Мария  в сопровождении  Иосифа отправляется на ослике в Египет («Бегство в Египет»,1991). Палитра здесь более светлая и многоцветная. У Шелкова утверждается свой особенный стиль письма – плотные, короткие  мазки художник накладывает  друг на друга так, что  просвечивая, они  создают  эффект мерцания, ощущение игры цвета и света.  Мелкий рельеф,  из которого как бы соткана композиция,  привносит в произведение уютную декоративность. В такой же манере решена   серия работ «Мифы Древней Греции» (1998-2003). Они камерны и возвышенны одновременно.

Этим отличаются и другие произведения Шелкова. Он предпочитал средний формат,  добиваясь в пределах его емкости создаваемого образа. Вот перед нами «Северные просторы» (2003) - работа, ставшая лейтмотивом сегодняшней выставки. Тема проселочной дороги вошла в русское искусство со времен передвижничества.  Это и образ России с вечным бездорожьем,  и раздумье о судьбе ее, а, может быть,  это дорога «дождями размытая», которую проходит  каждый из нас?  Опираясь на натурные впечатления, автор стремится в некоторых произведениях  к обобщенности и даже сочиненности, что позволяет  ярче выразить художнику свою идею.   Будучи романтиком в душе, он видит мир преображенным.  И Шаговский пруд  уже не кажется нам таким знакомым. И фрукты в белой вазе и цветы у Шелкова -   особенные.  Они только его. И к этому удивительному, роскошному  миру фантазии  художника  мы имеем  возможность прикоснуться.

Куратор выставки Варкова Л.В.

1957    Родился в г. Мариуполе Донецкой области.

1981   Окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и

архитектуры  им. И.Е. Репина Академии художеств СССР

по специальности “ архитектор - художник ”.

Член Союза архитекторов России с 1986 года.

Председатель Костромской организации Союза архитекторов России

с 2003 года.

Профессор. Почетный архитектор России.

 

ОСНОВНЫЕ ВЫСТАВКИ

1987  выставка произведений молодых художников Костромы

(Музей изобразительных искусств

2015 - выставка творческих работ архитекторов - членов Союза

архитекторов России

(выставочный зал Союза художников России)

Имя архитектора Александра Серобабы  известно костромичам и профессиональному сообществу. Свою трудовую и творческую деятельность он начал в институте “Костромагражданпроект” в 1981 году. Годы работы в институте явились периодом становления Александра Серобабы как архитектора и руководителя творческого коллектива проектировщиков. С участием Александра Ильича и под его руководством разработан проектов жилых и общественных зданий для сельских населенных пунктов и поселка Костромской атомной электростанции. Наиболее значимыми объектами этого периода являются проекты центров пос. Сухоногово, с. Матвеево Парфеньевского района, пос. Боровиково и других городов Костромской области.

Творческая мастерская «Догоны» существует в Костроме с 2002 года. Возникшая изначально как мастерская жестяных работ, она со временем превратилась в творческое сообщество, объединяющее художников, дизайнеров, кузнецов. В основе принципа плодотворного сотрудничества лежит синтез возможностей нескольких участвующих сторон. Мастерская занимается продвижением художественных идей в сфере строительства и дизайна, является участницей экспо-выставок и различных профильных проектов. Творческий актив мастерской: Жукаев Андрей, Кузьмин Алексей, Ухарцев Валерий, Меньков Владимир, Дубинова Екатерина. Руководитель – художник Дмитриев Дмитрий. Художественная обработка металла методом чеканки известна с древних времен. Мастера Средневековья в совершенстве владели искусством "выколачивания" изображений на тонком листе мягкого металла, а свое умение создавать рисунки с помощью молотка и специального ударника, который называется "чекан", передавали из поколения в поколение. В настоящее время рельефные художественные изображения, как и раньше, изготавливаются вручную, поэтому каждая работа уникальна и неповторима. Материал используется разный, но он должен обязательно быть пластичным и поддаваться растяжке. Лучше всего для чеканки подходят листовые металлы: латунь, алюминий и медь. Металл – один из наиболее прочных материалов – в их руках как будто оживает и приобретает изящные формы, следуя за полётом фантазии автора. На выставке «УМАКАКУМЕДИУМА» представлено 47 работ, созданных за последние девять лет (2007-2015), которые выполнены из металла в технике чеканки, художественной ковки, выколотки, обколотки с применением различных материалов (дерево, зеркало, стекло), а также с использованием таких техник, как холодная эмаль, акрил. Привлекают внимание причудливые, креативные арт-объекты, вызывающие различные эмоции, призывающие зрителя задуматься, под новым углом взглянуть на что-то обыденное. Необычные панно, изображающие привычные предметы, фрукты, маски, цветы, которые, воплощенные в металле, получают какие-то неожиданные характеристики. Арт-объекты, панно из металла находят применение в городской среде, в архитектурных композициях, они вошли в жилые и общественные интерьеры и гармонично взаимодействуют с любым стилем, особенно, например, со стилем hi-tech, в котором сегодня выполняются многие дизайнерские решения. Изделия художественной ковки – это сочетание мастерства и искусства. Только настоящий мастер кузнечного дела способен придать холодному безжизненному металлу живость формы, изящество, визуальную гибкость и мягкость. Арт-объекты, в отличие от других художественных форм, не подчиняются никаким точным правилам. Спонтанность, импульсивность, свобода являются их основой. Сами мастера так определяют свою роль в художественном процессе: «Утопая в мечтах о карнавализации всего пространства Среднерусской возвышенности, ТМ "Догоны" деятельно претворяет в жизнь собственные принципы вольного художества. Из года в год мы беспечно стираем границы личного авторства и меняем эстетические предпочтения в интересах сохранения духа товарищеского сотрудничества. Когда наше внимание сконцентрировано в области "простого стечения обстоятельств", сама судьба начинает орудовать инструментами повышенной мощности, с корнем выворачивая представления о заурядности и чудесах, на ходу переиначивая значение всякой роли в игре по тайному ее произволу или промыслу». Что же означает само название «Догоны», откуда оно взялось? «Язык улицы знает, как выразить смысл взаимоисключающих понятий одним словом. Самые яркие примеры такого словоупотребления в крайней степени уныния и восторга, радости или угрозы хорошо всем известны, но привести их здесь, к сожалению, нам не позволяет простое воспитание. Однако составить некое представление о сущностном наполнении образа «догона», не опасаясь душевных травм и моральных увечий, вполне возможно, если знаешь, что «догонять» - то же, что «понимать», а «догоняться» - значит, наслаждаясь, доходить до точки полного удовлетворения. Когда как «догон» - глупый, тупой, несообразительный человек, одновременно – пьяный бред, умствования и страх на пустом месте, а на слух - божок из пантеона Ктулху, и злак, и облачный человек-рыба, то делается яснее ясного, что лучше бы нам сразу выбросить всё похожее на корневую систему, генеалогию и созвучия сильных слов и выражений, слезть с бочки, да и катиться лесом, стиснув зубы, по своим делам», - объясняют художники творческой мастерской «Догоны».

 

Выставка знакомит с творчеством костромского художника-дизайнера Алексея Чернова, чья жизнь оборвалась трагически рано – в 34 года, тем не менее, за 17 лет работы в области графики и графического дизайна ему удалось сделать не мало.

Алексей родился в 1980 г. в Костроме в семье художников - скульптора Сергея Чернова (1953-2002) и преподавателя изобразительного искусства Марины Черновой.

С 1997 по 2002  учился на художественно-графическом факультете КГУ им. Н.А. Некрасова, где и определился его интерес к искусству графики. Во время учебы он активно участвует в российских и международных выставках, занимается иллюстрацией. В 1998 г. становится лауреатом городской выставки-конкурса «Дизайн-98» (Кострома), участвует в международной биеннале в Толентино (Италия). В 1999 г. получает Гран-при Всероссийского конкурса «Золотой карандаш» за иллюстрации к «Преступлению и наказанию» Ф.М.Достоевского и «Мастеру и Маргарите» М.А.Булгакова. Дипломная работа - иллюстрации к роману Стругацких «Трудно быть богом». В работе над образами художник отказывается от натурализма, отдавая предпочтение поиску собственных средств выразительности, формы, способной передать через пластику линии характеры персонажей.

В 2002 г. Алексей начал работу в дизайн-студии “StandART”. С этого времени он практически полностью переключается на графический дизайн, занимается рекламным плакатом, фирменным стилем. Сотрудничает со многими костромскими предприятиями и организациями. Жителям Костромы хорошо знакомы такие бренды как «Мануфактура», «Дудки-бар», «COMMUN-CAFE», «Бегемот», вода «Светлояр», плакаты к конкурсу «Мисс Русское радио-Кострома» и многие другие.

С 2006 по 2013 гг. он работает в популярном в среде молодежи информационно-рекламном журнале «Номер#», формирует его образ, разрабатывает рекламные блоки. Страницы журнала заполняются оригинальными графическими символами, знаками, образами, рожденными фантазией молодого автора. У художника вырабатывается собственный язык, близкий по стилистике комиксам.

После скоропостижной смерти осталось огромное количество работ, эскизов, неопубликованных материалов. На выставке в галерее представлена лишь малая часть наследия автора, которая, тем не менее, говорит об интересных находках, мастерстве, вкусе, большом творческом потенциале молодого художника. Все это позволяет надеяться, что имя Алексея Чернова останется в истории художественной культуры нашего города.

Проект «Непричастность» объединил двух московских художников Виталия Копачева и Андрея Волкова. Первая выставка состоялась в Москве в центре ARTPLAY в 2013 г. Продолжение проекта, названное «Контрапост», можно видеть в муниципальной художественной галерее.

Виталий Копачев родился в 1963 г. В 1983 г. окончил Донецкое художественное училище по классу монументальной живописи, в 1988 – художественно-технологический факультет Московского технологического института. С 1996 г. член МОСХ. С 1989 директор московского выставочного зала «Галерея А3». Участник многочисленных московских, всесоюзных, международных и зарубежных выставок. Номинант Премии Кандинского (2007). Сотни работ находятся в государственных, частных и корпоративных коллекциях.

Андрей Волков родился в 1968 г. В 1993 г. окончил МХПИ им. Строганова. С 1995 член МОСХ. Работает зав. отделом выставок «Галереи А3», председатель ее художественного совета. Выставляется с 1986 г. Работы находятся в Государственном Русском музее (С-Петербург), музее «Новый Иерусалим» (г. Истра) и других корпоративных и частных коллекциях России и за рубежом.

Это два абсолютно разных художника-абстракциониста. Однако принципиальная несхожесть формальных методов в данном случае является отличительной и главной интригой проекта. При всей внешней несхожести оба автора солидарны в понимании художественных задач. Обращаясь к «живописи в открытом виде», они стремятся достичь надличностных обобщений, основываясь на глубине и содержательности абсолютного творческого опыта. Именно отношение к сути процесса так сближает Виталия и Андрея. Более того, именно противоположность (не отрицание, но полярность) позволяет более остро почувствовать индивидуальность каждого автора.

Противопоставление (контрапост) большого и малого, яркого и сдержанного, яростного и сосредоточенного создает пульсацию, то состояние вдоха-выдоха, которое приглашает зрителя к опыту свободного восприятия искусства.

 

*Контрапост (от итал. contrapposto - противоположность), в изобразительном искусстве приём изображения, при котором положение одной части тела контрастно противопоставлено положению другой части. Контрапост динамизирует ритм фигуры, не нарушая общего равновесия форм, усиливает трёхмерность изображения.

Вот однажды один человек пошел на службу,

да по дороге встретил другого человека, который,

купив польский батон, направлялся к себе восвояси.

Вот, собственно, и всё.

Д. Хармс

 

 

 

Встреча или невстреча? Вот и у нас невозможно разобрать. Кто-то с кем-то встречается, беседует, сидя за столом, обменивается новостями. А кто-то, вероятно, уже повстречавшись, вернулся домой и сидит в раздумье… Кто-то один проводит день, никого не встретив, а кто-то собирается на встречу с кем-то или навстречу чему-то...

Но встречи определяют нашу жизнь. Каждый день – новая встреча и не обязательно с себе подобным. Вы можете себе представить, что можно, например, повстречать дерево, или конную статую в парке или даже кентавра?..

Художники могут себе это представить. Наверное, потому они и художники, что им дорого это умение представлять невероятное. Разыгрывать каждый раз на своём холсте новые истории, изображать небывалые миры и переживать наедине с героями картин их встречи, их одиночество, их жизнь.

Вот, собственно, и всё.

 

Михаил Пивоваров

Родился в 1971 году в городе Болгар.

В 1994 году закончил Казанский Государственный Университет. С 2007 года занимается также анимацией. В 2009 году работал на проекте «Колыбельные мира», Москва.

В 2011 году работал на студии «Татармультфильм», Казань. Сделал анимацию для коллективных выставок «Мухи»,»Удар».

С 1998 года участвует в групповых, региональных, всероссийских выставках в России (Казань, Москва, Санкт-Петербург, Самара, Саратов, Нижний Новгород,

Великий Новгород, Ярославль, Йошкар-Ола, Чебоксары) и за рубежом (Нидерланды). Проводит персональные выставки (Казань, Москва, Санкт-Петербург, Дрезден, Берлин).

Работы в частных коллекциях России, США, Канады, Греции, Германии, Нидерландов, в Казанском музее изобразительных искусств, в государственной художественной галерее

города Зеленодольск.

 

 

 

 

 

Ольга Сушкова

 

Родилась 9 октября 1982 года

В 2005 году  окончила с отличием Казанское художественное училище по специальность живопись.да в Казани.

В 2007 году стажировалась в Дрезденской Высшей Школе Искусств, класс профессора Ральфа Кербаха, Германия.

В 2010 году вступила в Союз Художников России.

В 2013 году получила стипендию Министерства Культуры РФ в поддержку молодых художников.

С 2006 года участвует в групповых, региональных, всероссийских выставках в России (Казань, Москва, Санкт-Петербург, Самара, Саратов, Нижний Новгород, Йошкар-Ола, Чебоксары) и за рубежом (Дрезден, Базель). Проводит персональные выставки (Казань, Москва, Санкт-Петербург, Дрезден, Берлин).

Работы находятся в частных коллекциях России, Украины, Белоруссии, Германии, Швейцарии, Франции, Австралии, Эстонии, Канады и США.

 

«Все, что мило, зримо, живо,

Повторяет свой полет,

Если ангел объектива

Под крыло свое берет….»

(Арсений Тарковский «Фотография»)

 

«Мир, в котором я живу» назвала свою первую персональную  выставку Елена Погодина.

Автором движет интерес не только к конкретному объекту, но и  к окружающему миру в целом.

Вдохновляясь тем, что фотографирует, Елена Погодина создает в своих работах пространство, наполненное,

прежде всего, красотой и естественностью. Путешествуя и много фотографируя, автор определила для себя любимый жанр – пейзаж.

«Останавливая мгновение в фотоснимке, я стараюсь запечатлеть моё собственное видение мира и стараюсь

донести  его людям».

 

Погодина Елена Валерьевна родилась в 1966 году  в Мурманске.  В 1984 году окончила Владимирское художественное училище,

а в 2006 году -  художественно-графический  факультет Костромского государственного  университета им.Н.А. Некрасова.

Работала художником-оформителем, педагогом детской студии изобразительных искусств.

Страница 5 из 11