Выставки

Костромская областная газета «Северная правда»,

Борис Коробов и муниципальная художественная галерея

к 70-летию Победы в Великой Отечественной войне

представляют:

фотовыставку «От Победы до самых до окраин...»

Фотолетопись Костромской области середины и конца XX века — в эти несколько слов уместилась вся жизнь и более полувека работы фотокорреспондента «Северной правды»,

фронтовика Игоря Сапова (1924-2002).

Экспонаты предоставлены из архива семьи Игоря Сапова.

Игорь Михайлович, уверены знавшие его, был счастливым человеком: главная, еще с детства, страсть стала любимой работой. Мальчик из маленького городка Гаврилов Ям Ярославской области, фотографией занялся в школьном фотокружке. Кстати, этот кружок после девятого класса он уже вел сам.

Окончить десятилетку помешала война. Его отправили в пулеметно-минометное училище. Но доучиться не дали: перевели в парашютно-десантный полк, который понес большие потери. Так 17-летний пулеметчик Игорь Сапов в 1942-м оказался на фронте.

Он прошел всю войну. Среди многочисленных наград — орден Красной Звезды, орден Отечественной войны II степени, медали «За отвагу» и «За взятие Вены».

Но даже на фронте, уже освобождая Чехословакию, сержант Сапов не забывал о фотографии. Благодаря велосипеду с динамо-машиной по ночам печатал снимки бойцов, которые те отправляли домой, родным.

Демобилизовался он в 1947-м. Вскоре переехал в Кострому, и тут же снимки Игоря Сапова стали появляться на страницах газеты «Северная правда». С 1959-го он официально фотокорреспондент «Северянки».

В газете Игорь Сапов проработал сорок лет, объездив с фотоаппаратом буквально все города и веси нашей области, и запечатлев для истории и простых комбайнеров, и первых лиц региона и страны . Костромская область и стала главной героиней выставки «От Победы до самых до окраин...».

Игорь Михайлович очень хотел сделать персональную выставку, для чего сам отобрал и напечатал фотографии. При жизни не получилось. Именно эти работы, а их более 100, представлены в муниципальной художественной галерее. На фото - много улыбающихся лиц: счастливый человек притягивал счастливых героев фотоочерков.

За дополнительной информацией вы можете обратиться по тел.:  8 (4942)47-00-21 (Шеф-редактор «Северной правды» Шикалова Елена Александровна)

 

ПРИ ПОДДЕРЖКЕ ИНТЕР РАО (Костромская ГРЭС)

Евгений Трейаль родился 21 апреля 1967 г в г. Костроме, в семье учителей. Как и для многих мальчишек в то время, фотоаппарат был заветной мечтой. И вот в 8-м классе родители подарили ему первый « ВилияАвто». Тогда это была скорее модная возможность ощутить себя взрослым, чем истинная страсть. Затем в 1985-87 годах  - армия, ракетные войска - не поснимаешь.

После армии - первая зеркальная камера, «Зенит-е», вот тогда уже снимал все подряд, боясь упустить тот самый «волшебный момент». Архивы фото тех времен до сих пор будоражат память родственников и друзей (конечно, тех, кто допускается к сей священной реликвии)

Но в 1990-х годах юношеский запал фотографа временно угас, уступив место обыденной необходимости зарабатывать на  жизнь. Только спустя несколько лет, с появлением свободного времени и, конечно же, первой цифровой камеры -  НИКОН Д40  возникла неудержимая тяга к самовыражению через фотографию. Тяга прошла быстро, а камера осталась. Хотелось просто путешествовать и снова как когда-то снимать все подряд (ведь камера-то осталась). Вдохновение вернулось внезапно и  уже как хроническое заболевание. Тогда сами странствия по миру превратились в неплохую возможность поснимать.

Евгений Трейаль участвовал в групповых и тематических выставках, в различных фотоконкурсах становился финалистом, публиковался в журналах. Как и многие художники, он не ищет славы, ведь фотография для Евгения - не способ заработка, а единственное, что дает ощущение полета, делает его свободным и не позволяет душе черстветь.

Татьяна Трейаль

24 апреля 2015 года всё человечество отметит столетие одного из самых страшных событий 20 века – геноцида армян в османской Турции. Трагическое это событие, когда в течение короткого отрезка времени были уничтожены более полутора миллионов человек только за то, что армяне всегда тяготели к России, не имеет аналогов по масштабам злодеяния. Цинично не признающие самого факта геноцида, правители Турции стали предтечами появления фашистов, их  людоедской идеологии.

В связи с трагической датой Армянская национально-культурная автономия города Костромы подготовила своеобразный урок истории о полузабытых ее страницах. Эта выставка обращена, в первую очередь, к молодёжи. Подробный рассказ о страшных событиях начала века дополнит всё, что мы знаем о Первой мировой войне, будет актуальной и в связи с сегодняшними попытками в Прибалтике, на Украине, в других странах возрождения фашизма.

Выставка хорошо оснащена документальными материалами. I

Павел Беляев принадлежит к поколению художников, чье становление пришлось на середину 1980-х гг. – десятилетие, вторая половина которого стала периодом прорыва через многолетнее идеологическое давление к свободе духа и творчества. Первые появления его работ на арт-сцене связаны с молодежными выставками-экспериментами (1987, 1988), когда молодая генерация костромских художников впервые дерзнула «заговорить»  на языке цвета, пластики, свободного формотворчества. В дальнейшем художник вместе со своими друзьями-единомышленниками принимает участие в выставках, ставших значительными событиями в культурной жизни Костромы  - групповая выставка в селе Красное на Волге (1986), «Синтез» (1989), «Поиск и эксперимент. 1960-1990-е гг.» (1994), «Синтез’99» (1999) и др.

Творческая судьба художника связана с муниципальной художественной галереей г. Костромы, в чьих проектах он принимает участие, как на площадке галереи, так и в других городах и за рубежом. В галереи прошли его персональные выставки, которые пользовались неизменным успехом  – 1999 г., 2007 («В поле покоя поверхности»), 2011 («Возле белого»). С 2008 года творчество П.Беляева оказалось в поле зрения музея современного искусства Эрарта (С-Петербург), который приобрел картины художника в свою коллекцию. В настоящее время произведения  П.Беляева представлены в постоянной экспозиции музея, выставляются в филиалах музея Эрарта в Нью-Йорке, Лондоне.

Павел Беляев – художник удивительно цельный, глубокий, обладающий развитой интуицией, редким даром некоего мистического чувствования мироздания. В основе его пластического мышления – стремление к максимальному обобщению, вырастающему до символа. В своей полуабстрактной живописи художник опираясь на натурные впечатления, на природные формы и цвета, создает свое неповторимое эстетическое пространство, превращая живописную поверхность во вместилище сложных понятий и тончайших ощущений. Его работы притягивают, вовлекают в пространство, полное покоя, умиротворения, изысканных цветовых гармоний – утонченных и благородных.

Экспозиция выставки «Оттенки дня» (более 80 работ) знакомит с новыми произведениями автора, созданными за последние  четыре года. В них художник продолжает свои пластические исследования, сопоставляя реальный мир природы с ландшафтом своего внутреннего состояния. Отталкиваясь от природного мотива, он отказывается от деталей, подробностей, выявляя главное, существенное, превращая объекты внимания (будь то дерево, куст, прогалина снега, дом) в символы, знаки Макрокосма – многослойного, многомерного, бесконечного.

В целом ряде работ варьируется мотив «окна», как прорыва в другое пространство, дающего возможность сопоставления разных миров – малого и большого, ближнего и дальнего. Это может быть прорыв неких покровов к свету реального мира или выход в иносферу, живущую по законам иного порядка, где непрерывно происходят трансформации материй, структур, энергий.

Значительное место в творчестве занимают композиции, где появляются мистические образы, линеарные абрисы и силуэты которых подобны сотканным из ощущений видениям, возникающим в глубинах сознания. Их облик неизменно отсылает к духовным истокам – образам древних икон.

Образы П.Беляева магически привлекательны и не поддаются словесным интерпретациям, а постигаются лишь путем сосредоточенного созерцания, установления собственных духовных контактов.

Вера Прямикова

 

Выставка включает 57 работ самых известных художников, совершивших революцию в искусстве, определивших их облик и основные течения модернизма.

Это Анри Матисс, Марк Шагал, Сальвадор Дали.

Без них не было бы фовизма, кубизма, абстракционизма, сюрреализма. Они верили, что искусство может изменить жизнь. И действительно, модернизм

вырвался из галерейных залов, повлиял на архитектуру,

дизайн, музыку, моду, телевидение – стал целой эпохой, еще до конца не пережитой. Настоящей лабораторией модернизма были живопись и, особенно, графика.

В творчестве отдельных художников зарождались

целые направления и стили. И именно из графических работ этих художников сформирована выставка.

Работы были приобретены за рубежом  группой красноярских инвесторов для показа в России и прежде всего в Сибири.  Этот жест трудно переоценить.

Организация выставки живописи этих художников пока за рамками

возможностей частной сибирской инициативы. К счастью, все эти художники работали с разными видами и техниками искусства, занимались не только живописью,

но и графикой, в частности литографией.

Иногда литографии повторяли живописные композиции,  иногда – создавались как  отдельные произведения, иногда – как книжные иллюстрации.

Например, цикл иллюстраций Шагала к «Мертвым душам»  Гоголя,

выполненный еще в 20-е гг. Литографии имеют определенный тираж и потому более доступны. Но при этом они не менее интересны,

они сохраняют ту же стилистику и образность, их делала та же рука.

Техника литографии сделала возможным собирать и показывать выставки.

В течение почти всего ХХ века Россия не приобретала, а только теряла произведения искусства, они гибли в смутах и войнах,

большевики за бесценок распродавали сокровища Эрмитажа,

отдельная борьба велась с современным искусством. В результате, за исключением Москвы и Петербурга,

население страны видело классиков ХХ века только в репродукциях.

Данная выставка восполняет эту лакуну,  предоставляет редкую возможность видеть работы

легендарных художников – основоположников искусства ХХ века.

Хронология представленных работ охватывает значительную часть ХХ века от начала 10-х годов вплоть  до 70-х,

когда еще авторы были живы и продолжали работать.

Выставка дает целый спектр стилевых поисков,  включает и фигуративные и абстрактные работы.

Выставка имеет и художественное и образовательное значение.

Она представляет те базовые художественные ценности современной эпохи, которые изучают теперь и в школах, и в вузах по всему миру.


История кукол неразрывно связана с историей моды. В разные эпохи в разных странах куклы выступали глашатаями и законодателями мод, прежде, чем появились модные журналы. Новинки сезона шились на куклу с такой точностью в деталях (кружева, многослойные юбки и так вплоть до нижнего белья), что опытной портнихе не составляло труда скопировать с кукольной одежды и крой, и отделку, и силуэт. Для кукол делались те же аксессуары, что и для модных дам – шляпки, перчатки, зонтики, сумки и даже миниатюрные ювелирные украшения. Это делает кукольные наряды бесценным материалом для историков моды.

До периода развития промышленного производства в последней трети 19 в. куклы делась вручную и были весьма дороги, являясь предметом роскоши и гордости своих хозяек.

Небольшая часть кукол вводит зрителя в исторический контекст кукольного производства. Будут представлены самые ранние экспонаты – куклы 18 в. из разных материалов – дерево, папье-маше, воск, фарфор.

Расцвет кукольного производства приходится на 19 столетие, поэтому большая часть экспонатов выставки относится к этому периоду. В основном, экспозиция будет строиться не по хронологическому, а по тематическому принципу.

- Особую роль в кукольных нарядах занимает нижнее белье. В магазинах, в основном, куклы продавались именно в нижнем белье, а наряды и туалеты предлагалось покупать дополнительно. Кукольное нижнее белье состоит из тех же самых деталей, что и дамское -обильно украшенные кружевом и шитьем: панталоны, рубашки, сорочки, подъюбники, накорсетники. Вошедший в моду в конце 19 в. «бельевой стиль» нашел свое отражение и в кукольной одежде.

Кукольный мир повторял все аспекты мира реального, и все основные события жизни нашли в нем свое отражение – появились куклы-невесты, куклы в одежде для конфирмации.

С конца 19 в. стали появляться куклы-дети и куклы-младенцы, кукол облачают в крестильные рубашки,

Кукольная мода чутко следовала последним веяниям и тенденциям. Для кукол издавались свои журналы мод, у кукол были свои ателье и модистки. В зале экспозиции будут представлены все атрибуты кукольного модного дома с точными и работающими копиями швейных машинок, манекенами, кружевами, пуговицами и миниатюрными ножницами.

Особый жанр в кукольном мире – это кукла-модница, дама с приданным. К такой кукле прилагался сундук со всеми аксессуарами и атрибутами реальной жизни. Такая кукла перестает быть просто игрушкой, а становится статусной вещью, частью интерьера роскошного и модно обставленного дома. Сюда же можно отнести будуарную куклу, появившуюся на рубеже 19 и 20 вв. модную и любимую настолько, что даже могла сопровождать свою хозяйку на светских раутах.

27 февраля по 22 марта художественная галерея вместе с Александром Ахановым сделает попытку «Объять необъятное». Так назвал свой проект А.Аханов, который еще раз демонстрирует неиссякаемую фантазию  и огромный творческий потенциал.

А. Аханов давно и успешно сотрудничает с галереей. Художник широкого творческого диапазона, он работает во многих практиках современного искусства. Это живопись, графика, иллюстрация, арт-объект, фотография, коллаж, бук-арт, видео. Он неизменный участник проводимых галереей  выставок современной графики, автор оригинальных проектов, вызвавших огромный интерес зрителей - «Тексты и не только…» (2000), «Между стульев» (2005), «Графомания» (2006), «Письма блудного сына» (2008), «Паломничество в «Сад Поэта» (2013), «Окно на солнечной стороне»  (2014) и др.

Выставка включает графические работы, созданные художником за последние два  года.  Как всегда  автор экспериментирует, пробует свои силы в  самых  разных техниках:  это и удивительно тонкие, ювелирно выполненные рисунки  карандашом, и яркие коллажи с использованием гуаши и  акрила, и  компьютерная графика в сочетании с  пастелью.

Фантазия автора уносит зрителя в мир грёз и сновидений с изысканными дамами («Неторопливые движения») и трогательными игрушками из детства («Падающие кубики», «Кукла наследника Тутти»), погружает в кошмары и заставляет задуматься о будущем («Всадник бледный»). Сюрреалистические произведения Аханова вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера — эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях художника, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение. Теоретик направления сюрреализма Андре Бретон утверждал, что сюрреализм способен разрешить противоречие между мечтой и реальностью, выразить истинную функцию мысли, которая не ограничена и не контролируется разумом и морально-этическими ограничениями. Основывается на вере в высшую реальность, на могуществе сна, на нецеленаправленной игре мышления.

Для искусства ХХ века характерно разомкнутое, открытое, неклассическое восприятие мира, поиск новых путей развития, перенасыщенность разнообразием художественных форм, обращение не только к опыту, но и к языку предыдущих эпох, введение прямых цитат, их вариаций и интерпретаций, сложных культурно-исторических ассоциаций. В начале 1980-х вошел в оборот термин «апроприационизм» (или Appropriation Art), когда получили известность такие художники, как Ричард Принс и Шерри Ливайн. Любители вводить в свои произведения элементы, созданные другими авторами, существовали, конечно, и раньше, но именно в их творчестве апроприация вышла на первый план. Появление «искусства заимствования» связывают прежде всего с распространением техники коллажа. Александр Аханов пробует себя и в этом направлении. Художник вступает в диалог с «великими»: используя их образы, цитируя, спорит с ними, иронизирует, порой саркастически улыбается («Питер Пабло. Рубенсо», «Неизвестный портрет. Публикуется впервые»). Художник сознательно дразнит публику. Шокирующими выглядят образы, знакомые с детства и «обработанные» автором. Подобное амикошонство направлено против создания кумиров в живописи, «неприкасаемых» в искусстве. Смелость художника оправдана мастерским владением материала, умением быть со всеми «измами» на ТЫ.

из собрания Ю.М.Петухова (Москва)

и коллекции муниципальной художественной галереи г. Костромы

 

Эта выставка об обычном человеке из нашего окружения: соседе, коллеге, прохожем с улицы. Собственно, тип – образ, аккумулирующий характерные обобщенные черты некоей группы людей. Речь идет не о психологическом портрете, предполагающем углубление и анализ. Это скорее творческий синтез на основе аналитического наблюдения, поиск и выявление типичных черт по разным критериям: полу, возрасту, психологии, физическим данным, профессии, образу жизни, месту жительства. Результат этого направления творчества высоко оценивается в искусстве, поскольку соединяет частное и общее, затрагивая любого из нас, становится общезначимым.

Идея выставки принадлежит известному московскому коллекционеру, куратору выставочных и издательских проектов Юрию Петухову: «Талантливый художник способен подметить характерные черты не только отдельного человека, но и качества, присущие целому поколению, конкретному историческому моменту или определенной группе людей. Безусловно, социально-политические изменения и катаклизмы ушедшего столетия не могли не отразиться на внешнем облике современников и участников происходивших событий. Поэтому нам, интересны люди, ставшие объектом пристального внимания и изучения для художников. Именно они и являются главными действующими лицами данного выставочного проекта. Они были разделены на три группы, имеющие некие общие, характерные признаки. Условные обозначения этих групп и стали титулом проекта «Типы – типчики – типажи».

Впервые выставка с таким названием была показана в Ярославском художественном музее в октябре 2014 года. Произведения известных российских мастеров, начиная с 1920-х годов до нашего времени, из коллекции Юрия Петухова и собрания Ярославского музея позволили совершить увлекательный экскурс в историю нашей страны, отразившуюся в лицах, одеждах, деталях интерьера и быта, видимых и едва ощущаемых приметах жизни общества в целом. В Костроме выставка обрела новое «лицо». Произведения из коллекции Ю.М.Петухова дополнили «типажи» из собрания муниципальной художественной галереи г. Костромы.

«МИСТИКА ФОРМЫ И ЦВЕТА»

Живопись, графика, эмаль, арт-объект

Выставка ярославских художников Владимира Горячева и Михаила Бекетова «Мистика формы и цвета» погружает  в скрытый, таинственный  мир игры демиургов, когда каждый из авторов по-своему материализует, выстраивает изобразительное или пластическое послание зрителю.

В своих живописных и графических произведениях  (в основном, это  работы последних трех лет) заслуженный  художник России Владимир Горячев стремится усматривать, «прорицать»  непосредственно явления, которые находятся вне нашего пространственно-временного кругозора, используя  цветосветовые отношения  как инструмент создания сложного  композиционного решения. Так проявляется на холсте или бумаге мистический мир карнавала (музыкантов, карточных домиков, замков, построенных на шахматной доске, древних городов)  или драматичные  сюжеты древне-греческой мифологии и библейские истории.

Гармонично в одном проекте сосуществуют с произведениями Владимира Горячева работы в технике эмали  Михаила Бекетова, которые представлены в разнообразных видах - панно, скульптура, инсталляция, объекты, мелкая пластика.  Одна из ведущих тем Михаила Бекетова - Мир Востока, его древняя культура и многокрасочность. Автор, сочетая  с эмалью стекло, керамику, металл, используя все  многообразие технологических приемов, создает такую пластическую форму, в которой  сквозь цветовую декоративность открывается тайная сущность  предмета, будь то корпус музыкального инструмента или светильник, превращенные властным решением и фантазией художника в арт-объект.

Надия Битколова, куратор

 

 

Горячев Владимир Сергеевич родился в 1953 году в Рыбинске, Ярославской области.  В 1972 году окончил Ярославское художественное училище. В 1980 году окончил Московский художественный институт им. Сурикова. Участник областных, региональных, республиканских, всесоюзных, российских и зарубежных выставок.

С 1982 г. член Союза художников России. В 2006 г. присвоено звание «Заслуженный художник России». Работы находятся в музеях Ярославля, Переславля-Залесского, Рыбинска, в частных коллекциях России, Финляндии, Германии, Италии, Японии, США. Художник создает абстрактные картины в сложной смешанной технике.

Бекетов Михаил Петрович родился 1953 году в Казахстане. В 1974 году окончил Алма-Атинское (Казахстан) художественное училище  им. Н.В. Гоголя, в 1982 году – московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское). С 1985 года член Союза художников России, Союза дизайнеров России. Организатор и руководитель творческой группы художников «Арт-студия 204». Автор проекта «Арт-матрица». Живет в Ярославле с 1999 году. Участник областных, региональных, республиканских, всесоюзных, зарубежных и международных (Франция, Италия, Германия, Люксембург, Финляндия) выставок. Произведения находятся в музейных собраниях Казахстана, Узбекистана, Музее янтаря (Паланга, Литва), ЯХМ, в Галерее Ричарда Спунера (США), в частных коллекциях. Лауреат областных премий им. А.М. Опекушина (2003). Награжден дипломом и Ш-й премией на конкурсе ювелиров «Зергер-99», Алматы (Казахстан). Дипломант СХ России (2008). Монументалист. Скульптор. Эмальер.

 

 

 

Выставка трех поколений семьи Волковых представляет четырех художников – основателя династии Александра Николаевича, получившего мировую известность как «Мастер «Гранатовой чайханы» (1886-1957), его сыновей Валерия (р.1928), Александра (р.1937), и внука Андрея (р.1968).

Как правило, когда заходит речь о художественной традиции, прежде всего, ищут формальное сходство, то есть набор внешних признаков, позволяющих безошибочно классифицировать автора, но такая схема плохо применима к явлению «Школа Волкова».

Дневники Александра Николаевича дают лаконичные и точные определения, помогающие понять его художественный метод: «Движение – жизнь. Остановка – смерть». Проходя через различные течения в изобразительном искусстве, он в каждом добивался предельной выразительности. Будь то символистские поиски начала ХХ века, футуризм или кубизм, обращение к новой фигуративности или живописи старых мастеров, Волков, прежде всего – неповторимая личность. В этом заключена главная отличительная особенность его школы, - это непрерывное становление, «осуществление» художника на протяжении всей его жизни, при непременном сохранении внутренней независимости. Об этом говорит еще одна, принципиально важная  автобиографическая запись - «Рабом никаких направлений не был».

Волковский подход в обучении заключается, прежде всего, в работе над умением видеть, чувствовать, и строить пластическое высказывание, а не в безлично-универсальном указании что, и как изображать “грамотно”. В своем роде, его метод был антитезой к негласному установлению, сохранившему в профессиональной среде живучесть и по сей день – «Сначала научись, а потом занимайся творчеством». Будучи органически свободным человеком, Волков строил профессиональные отношения с учениками, раскрывая их способности, выявляя сильные стороны, поддерживая индивидуальность каждого; именно поэтому его школа так многогранна.

Валерий и Александр с детства понимали, что путь художника труден и не приносит особых дивидендов. Им, вместе с мамой, Еленой Семеновной Волковой пришлось стать опорой для отца в трудные годы, когда он, обвиненный в “формализме” оказался в изоляции, лишенный общения, преподавания, практически без средств к существованию.

Сыновья вспоминают, что отец не делал из них вундеркиндов, не приучал с ранних лет к профессиональным занятиям, и только с момента поступления в художественное училище стал давать им профессиональные советы. В дальнейшем, Валерий кроме художественного, получил также  искусствоведческое образование в Ташкентском Государственном Университете, а Александр продолжил начатые в училище занятия скульптурой, и отправился в Москву, где окончил “Строгановку”.

Внук Андрей, сын Александра, в детстве рос так же свободно, посвящая рисованию ровно столько, сколько хотелось; лишь убедившись в серьезности своих намерений, и получив необходимую профессиональную подготовку, поступил и окончил “Строгановку”.

Каждый из этих художников глубоко впитал традиции родоначальника династии, и каждый независимо ищет свой путь, выражая свое понимание картины мира.

Валерий – полностью погруженный в цвет; энергичный, экспрессивный, мастерски владеющий краской. Младший брат любит сравнивать его с тореадором, выходящим на арену искусства – но не в качестве участника кровавого представления, а скорее как оперного героя, маэстро, побеждающего виртуозностью своего исполнения.

Александра принято считать более лиричным. Возможно, это связано с его скульптурной практикой - работа с тяжелыми материалами: камнем, глиной, металлом дает особую уверенность в своих силах. Это позволяет ему в живописи не навязывает зрителю исключительность своего взгляда, предлагая иную, более спокойную, созерцательную интонацию. Он приглашает зрителя в мир тонких переживаний, считает, что живопись в первую очередь должна нести радость бытия.

Aндрей, художник уже ХХI века, в своей работе приводит картину к качеству объекта, сознательно прибегая к максимальной лаконичности. С одной стороны, он редуцирует выразительные средства, с другой – стремится к глубокой разработке живописной поверхности, стараясь создать работы, взаимодействующие с окружающим их пространством и светом.

Выставки Династии проходили в Москве, Ташкенте, Вашингтоне, Нью-Йорке. Работы художников Волковых находятся в крупнейших национальных и зарубежных музеях, значимых частных собраниях.

 

Александр Волков, Андрей Волков

Страница 8 из 13