Выставки

 

 

Выставка трех поколений семьи Волковых представляет четырех художников – основателя династии Александра Николаевича, получившего мировую известность как «Мастер «Гранатовой чайханы» (1886-1957), его сыновей Валерия (р.1928), Александра (р.1937), и внука Андрея (р.1968).

Как правило, когда заходит речь о художественной традиции, прежде всего, ищут формальное сходство, то есть набор внешних признаков, позволяющих безошибочно классифицировать автора, но такая схема плохо применима к явлению «Школа Волкова».

Дневники Александра Николаевича дают лаконичные и точные определения, помогающие понять его художественный метод: «Движение – жизнь. Остановка – смерть». Проходя через различные течения в изобразительном искусстве, он в каждом добивался предельной выразительности. Будь то символистские поиски начала ХХ века, футуризм или кубизм, обращение к новой фигуративности или живописи старых мастеров, Волков, прежде всего – неповторимая личность. В этом заключена главная отличительная особенность его школы, - это непрерывное становление, «осуществление» художника на протяжении всей его жизни, при непременном сохранении внутренней независимости. Об этом говорит еще одна, принципиально важная  автобиографическая запись - «Рабом никаких направлений не был».

Волковский подход в обучении заключается, прежде всего, в работе над умением видеть, чувствовать, и строить пластическое высказывание, а не в безлично-универсальном указании что, и как изображать “грамотно”. В своем роде, его метод был антитезой к негласному установлению, сохранившему в профессиональной среде живучесть и по сей день – «Сначала научись, а потом занимайся творчеством». Будучи органически свободным человеком, Волков строил профессиональные отношения с учениками, раскрывая их способности, выявляя сильные стороны, поддерживая индивидуальность каждого; именно поэтому его школа так многогранна.

Валерий и Александр с детства понимали, что путь художника труден и не приносит особых дивидендов. Им, вместе с мамой, Еленой Семеновной Волковой пришлось стать опорой для отца в трудные годы, когда он, обвиненный в “формализме” оказался в изоляции, лишенный общения, преподавания, практически без средств к существованию.

Сыновья вспоминают, что отец не делал из них вундеркиндов, не приучал с ранних лет к профессиональным занятиям, и только с момента поступления в художественное училище стал давать им профессиональные советы. В дальнейшем, Валерий кроме художественного, получил также  искусствоведческое образование в Ташкентском Государственном Университете, а Александр продолжил начатые в училище занятия скульптурой, и отправился в Москву, где окончил “Строгановку”.

Внук Андрей, сын Александра, в детстве рос так же свободно, посвящая рисованию ровно столько, сколько хотелось; лишь убедившись в серьезности своих намерений, и получив необходимую профессиональную подготовку, поступил и окончил “Строгановку”.

Каждый из этих художников глубоко впитал традиции родоначальника династии, и каждый независимо ищет свой путь, выражая свое понимание картины мира.

Валерий – полностью погруженный в цвет; энергичный, экспрессивный, мастерски владеющий краской. Младший брат любит сравнивать его с тореадором, выходящим на арену искусства – но не в качестве участника кровавого представления, а скорее как оперного героя, маэстро, побеждающего виртуозностью своего исполнения.

Александра принято считать более лиричным. Возможно, это связано с его скульптурной практикой - работа с тяжелыми материалами: камнем, глиной, металлом дает особую уверенность в своих силах. Это позволяет ему в живописи не навязывает зрителю исключительность своего взгляда, предлагая иную, более спокойную, созерцательную интонацию. Он приглашает зрителя в мир тонких переживаний, считает, что живопись в первую очередь должна нести радость бытия.

Aндрей, художник уже ХХI века, в своей работе приводит картину к качеству объекта, сознательно прибегая к максимальной лаконичности. С одной стороны, он редуцирует выразительные средства, с другой – стремится к глубокой разработке живописной поверхности, стараясь создать работы, взаимодействующие с окружающим их пространством и светом.

Выставки Династии проходили в Москве, Ташкенте, Вашингтоне, Нью-Йорке. Работы художников Волковых находятся в крупнейших национальных и зарубежных музеях, значимых частных собраниях.

 

Александр Волков, Андрей Волков

6-я выставка современной графики «Здесь и сейчас» - форум графического искусства, который проводит муниципальная художественная галерея раз в три года. В ней приняли участие 35 авторов из Костромы, Москвы, Кинешмы, Ярославля, Нарвы (Эстония). Среди них хорошо известные зрелые мастера, и начинающие авторы. В экспозиции более 100 работ. Уникальная графика представлена как традиционными техниками – карандаш, тушь-перо, акварель, пастель, гуашь, темпера, так и оригинальными изысками, скрывающимися за термином «смешанная техника», печатная – работами в технике линогравюры, гравюры на картоне, монотипии. Прочно заняла свое место в этом ряду и фотография, возможности которой расширили компьютерные технологии. Не ограниченные какой-либо заданной проблематикой авторы поделились своими пластическими открытиями, исследованиями, предпочтениями последних трех лет. В целом картина довольно разнообразная – множество художественных идей, творческих подходов. У подавляющего большинства превалирует символико-метафорическая образность. Хотя есть и те, кто традиционно предпочитает натурные впечатления – Вадим Березовский («Дорога в Тетеринское», 2014), Сергей Савосин (серия рисунков «Карелия», 2012).

Образы людей населяют работы Александра Аханова, Кузи Зверева, Ольги Швейцер. У первого фантастические герои, легко теряющие маски, лица, головы, живут в эфемерном пространстве, где переплетаются, как в кошмарных снах, символы, метафоры, цитаты, заставляющие поверить, что сюрреализм по сей день не исчерпал свою образно-художественную притягательность. Монументальные, неподвижно застывшие фигуры «мальчика» и «девочка» Кузи Зверева подобны великанам-истуканам из средневековых сказок. Идиллические персонажи О.Швейцер – дети, ангелы, кошки - живут своей умиротворенной, загадочной жизнью-действом, напоминающей порой некую мистерию («Увертюра», 2014).

Вдохновленный изысканной и брутальной эстетикой «кухни» Питера Гринуэя Игорь Ермолаев ставит свои таинственные биопластические опыты. Прибегая к изощренным приемам гротеска и антропоморфизма, он пытается персонифицировать органы чувств человека («Глаз в шубе», «Большой нос», 2014).

Серия работ в технике масляной пастели Сергея Медведева дает возможность многоуровневой интерпретации сюжета, выходящего за рамки натюрморта. Незатейливые предметы аскетичной трапезы – клубни картофеля, рыба, вилка, зависшие в метафизическом пространстве - бездне темного фона, перерастают значение бытового знака, превращаясь в символы Бытия.

Своеобразно трансформирует пейзажный жанр Владимир Тюрин, используя приемы коллажа. Графика леса – деревьев, стволов, ветвей, неожиданно возникает из разноцветных клочков и полосок бумаги, позволяя ощутить в ритмах линий и фактуры пульс жизни природного ландшафта.

Небольшие по формату с незатейливыми сюжетами акварели А.Бекасова «Сенокос – сильный ветер», «Натюрморт. Картошка» (2013) сочетают композиционный и цветовой лаконизм, свойственный фреске. Они обладают поэтикой, таящей романтическую недосказанность. Камерные работы М.Кораблева как всегда выдают тонкий вкус и живописную культуру автора, умеющего создать едва уловимый флер метафоричности.

Ряд художников привлекает абстракция, как способ создания новой формы художественной реальности или трансляции собственных ассоциаций и ощущений. Андрею Киму свойственна импульсивная манера рисования, развитая эстетическая интуиция, свобода пластического высказывания. В новых работах контраст черного-белого, динамичные спонтанные движения кисти, создают напряженную ритмику, передающую то тревожное состояние сумерек, то душевное смятение самого автора («Сумерки», «Я», 2014).


Листы из серии «X-Terra» (2014) Леонида Малафеевского, где автор максимально использует живописные возможности пастели, позволяют заглянуть в мир, сотканный из подвижных, причудливых линеарных и колористических структур, подобных музыкальной стихии.

В ряду черно-белой печатной графики выделяются линогравюры Валерия Бабина, художника-философа, обладающего даром пластического обобщения. В его жанровых сценах, таких безыскусных - «Татарчонок, лошадь и снег», «Пейзаж с руинами» (2011) - все просто и ясно: человек, его бытийный и духовный мир предстают как неотъемлемая часть огромного макрокосма, существующего «здесь и сейчас»… и вечно.

Выразительны предельно лаконичные и довольно резкие по стилистике сцены парижской жизни - «Крыши Парижа», «Париж. Монмартр» (2014), выполненные Александром Мариевым в технике линогравюры.

Попытался увидеть Кострому столетней давности с высоты птичьего полета в насыщенной точными деталями и подробностями работе «Панорама Костромы 1913 года в дни празднования 300-летия Дома Романовых» (2011) Сулейман Кадыбердеев.

Ася Сукманова продолжает вести заманчивые в своей неисчерпаемости «игры» линий и форм, начатые художниками еще в начале ХХ века, в композиции «Диалог линий и форм» (2014).

Ольга Волкова иронизирует на изобразительном и вербальном уровне по поводу демократии в серии работ «Грибы» (2014).

Юрий Галыбин размышляет на темы, предложенные некогда Р.Брэдбери в его знаменитом романе «451 градус по Фаренгейту». Эстетика современной фотопечати, соединенная с техникой монотипии позволяет преодолевать пространственную двухмерность, делая образы необычайно пронзительными.

Метафизической аурой пронизаны фотографии Игоря Груздева «НЛО», «Дерево в цвету» (2014). Еще один из визуальных вариантов трактовки «бесконечности» предложила Надежда Пронина в одноименной фотоработе, где нет ощущения сиюминутности, которое так часто оставляет фотоснимок.

В рамках выставки представлены проекты выдающихся московских художников – «Пластические партитуры» Клары Голицыной и «Визуальные диалоги» Олега Кудряшова из собрания Ю.М.Петухова (Москва).

 

Вера Прямикова

Амонашвили Константин

1954  родился в Тбилиси (Грузинская ССР)

1973  окончил машиностроительный техникум

1975  после службы в армии работал в конструкторском бюро

станкостроительного завода.  Увлечение фотографией,

съемки  на любительский  фотоаппарат «Зенит – Е»

1978- 2001 служба в  войсках Военно-воздушных сил  СССР

С 2001 года живет и работает в Костроме. В качестве фотографа

сотрудничает с Костромским отделением Союза художников

России,  муниципальной художественной галереей

 

Экспозицию выставки «Открытый объектив»  составили фотографии, запечатлевшие моменты общения художников и детей на творческих занятиях. В качестве фотографа Константин Амонашвили принимал участие в благотворительном проекте, который осуществляет Костромское отделение Союза художников  России,  проводя мастер-классы в детских домах, интернатах и школах Костромы и Костромской области.

В определенном смысле, работы, которые представлены на выставке – это  фоторепортаж, который, по словам автора, прежде всего, «подразумевает отображение реальности». Константину Амонашвили  интересна непредсказуемость в общении художников и позирующих им  детей, непосредственность в выражении эмоций и чувств, а также сама необычность ситуации творческого процесса.  Именно эмоциональное восприятие ребенком открытия своих новых возможностей и способностей становится предметом размышления для Константина Борисовича в его фотоработах. Ему важно показать общность интересов, которая проявляется  на мастер-классах у детей и художников.

Избегая компьютерного  редактирования фотографии, Константин Амонашвили решает непростую задачу построения кадра принципиально в естественных условиях происходящего, следуя законам композиции, игры света и тени, динамике движения людей. «Делаешь несколько снимков с одной  точки, полагаешься на свой опыт. Сфокусироваться непросто, но задача не только в том, чтобы поймать движение. Хочется предъявить и психологическое состояние тех, кого снимаешь. Эти моменты открытия ребенком чего-то нового мне интересны» (Константин Амонашвили)

 

Куратор выставки Битколова Н.В.

Антон Репин  и Евгений Морозов окончили в 2006 году Костромской государственный технологический университет. Авторы назвали свой проект «Годы тишины», отобрав для него фотографии, сделанные за период с 2011 по 2014 год.  Все начиналось как туристические походы группы друзей,  которые начали исследовать Костромскую область (в основном, Сусанинский, Парфеньевский, Буйский, Галичский и  Чухломской районы)  и в процессе путешествий анализировать то, что увидели –  брошенные поселения, многие из которых уже не обозначены на современных  картах.

Авторы выставки, пользуясь только компасом и автодорожным атласом, иногда шли не зная конечную точку маршрута, затем реконструировали некогда бывшее  поселение, куда нет дорог, и  кто там жил. В фотографиях  Антона Репина и Евгения Морозова запечатлены горькие наблюдения: «В 30-40 километрах  от города –  бедствие: видны улицы, вернее, их очертания, по крышу в траве стоят дома. Заходишь в них –  там предметы обихода, рубанок, которым никто не пользуется,  дрова в печке, висит одежда на вешалках…Как будто, люди  не собирались уезжать  и вдруг моментально исчезли. Все   осталось на своих местах. Это  завораживающий момент, когда входишь в дом и слышишь звенящую тишину, видишь пыль в солнечном свете.  И никого нет. Или находишься в  заброшенной церкви. Мы видели за все это время только два храма, которые начинают восстанавливать.  В основном, остались руины, со времен советской власти фрески, изуродованные топором».

Большинство деревень население покинуло в трудные 1990-е годы, но даже в брошенных поселениях Антону и Евгению встречались живущие там  люди – одинокие старики.  Есть в Костромской области места, куда добраться можно только на спецтехнике, то есть  единственный способ попасть туда  -  на лодке по реке, а также  дождаться  прилетающего два раза в неделю  вертолета, который  привозит пенсию и  продукты питания.

Антон Репин и Евгений Морозов будут продолжать свои  походы  по Костромской области, поскольку именно в этом «их выбор и душевная потребность». Фотопроект «Годы тишины»  выставка – документальная часть материала книги о человеке, который покинул свою землю.

Куратор выставки Битколова Н.

 

Лебедев Анатолий Федорович

1940   родился в деревне Подрамки Судиславского района Костромской области

1962   окончил Красносельское училище художественной обработки металлов, отделение

чеканки и литья

1972   окончил Львовский полиграфический институт им. И.Федорова по специальности «художник-график художественного оформления книги»

1972-2004   работал преподавателем рисунка, живописи и композиции в Костромской

детской художественной школе №1 им. Н.П. Шлеина С 1972   участник областных, зональных, республиканских и зарубежных выставок

С 1995  член Союза художников России

 

Новая выставка костромского художника Анатолия Лебедева  в художественной галерее знакомит зрителей с живописными и графическими работами, созданными в последние несколько лет. Одна из сквозных тем Анатолия Федоровича – воспоминание о прошлом. Анатолий Лебедев летом живет  в  деревне Горки Островского района  – неслучайно, тематика работ художника связана  с деревенской жизнью:  в жанровых картинах запечатлены бабушки с козами, в пейзажах живописные виды вокруг Горок, а также  туманы и вдали «плывущие» в них деревни. Произведения автора, которому свойственно особое чувство гармонии колорита и композиции, выполнены в широком жанровом диапазоне, для создания образа художник использует множество техник и стилистических приемов – от натурных пейзажей с осенним угасанием природы или постановочных натюрмортов до условно-декоративной живописи. Такое многообразие свидетельствует о высоком мастерстве художника, произведения  которого находятся в собрании Костромского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника,  а также в частных коллекциях в  России и за рубежом.

Куратор Надия Битколова

Впервые в художественной галерее на выставке «Поэзия цветов» будут демонстрироваться работы, позволяющие увидеть, как рождаются из природных материалов (засушенных листьев, цветков, стеблей и лепестков) произведения, в которых проявляется «гармония поверхностей и объемов». В экспозиции выставки Ирины Часовниковой представлены флористические коллажи, созданные  за последние три года, а также композиции, фотографически воспроизведенные в более крупном, чем оригинал  формате. Ирина Александровна – профессиональный музыкант. Ее творческие искания в разные периоды жизни нашли реализацию  в самых разных сферах: это сочинение и исполнение  музыки, написание стихов, создание живописных произведений, которые  были показаны в Костроме  на персональной выставке.

Для автора, обладающего тонким чувством красоты,   в работе над коллажами   необходимыми элементами являются импровизация и флористическая структура, в которой цветы и лепестки заменяют краски. Образ создается путем наложения и сопоставления: у роз богатая палитра, но они  плохо держат цвет; наиболее хорошо применимы бархатцы разного вида. У них разнообразная цветовая гамма: от желтого до глубокого вишневого. Формы бархатцев при засушивании получаются гибкими, их сочетания с фоном дают живописный эффект. Полевые цветы, нежные и хрупкие,  создают женственное настроение. Но Ирине Часовниковой особенно интересно работать над абстрактными композициями, в которых есть драматизм, определенно выраженное состояние,  поэтический состав. Флористический коллаж, в данном случае,  не столько модное направление флористики, сколько способ мышления автора  и выражения его ощущений, эмоций, то есть  искусство, решающее пластические и изобразительные задачи.

 

"Костромские нонконформисты"

Николай Шувалов

Владимир Муравьев

Живопись, графика

из собрания Костромского музея-заповедника,

Художественной галереи города Костромы, частных коллекций.

2 августа – 7 сентября 2014

 

 

 

 

Выставка, посвященная 70-летию Костромской области, знакомит с произведениями двух выдающихся художников 2 половины ХХ века Николая Васильевича Шувалова (1929 – 1984) и Владимира Пантелеймоновича Муравьева (1924 – 2006), тесными узами связанных с Костромой, их родным городом. Судьба свела близких по духу и творческим устремлениям людей в стенах Костромского художественного училища в конце 1940-х начале 1950-х годов. Их творческое становление пришлось на период 1960-х годов, получивший название «оттепели» - времени прорыва сквозь идеологический прессинг, когда забрезжила надежда на восстановление духовных ценностей, времени, давшему толчок для свободного развития творческой мысли. И хотя их судьбы и творческий путь сложились по-разному, всю жизнь их связывала настоящая большая дружба, обоим были свойственны высочайший профессионализм, абсолютная преданность искусству, дух свободомыслия, интерес к Человеку и Мирозданию.

Николай Шувалов всю жизнь прожил в Костроме, преподавал в Костромском художественном училище, работал в художественном фонде, в 1968 году стал членом Союза художников. Принимал участие в выставках, был лидером в художественной среде города. Его многогранный талант гармонично вмещал широкий спектр исканий. Это был мастер притчи, интеллектуальной метафоры. Человек, его внутренний мир и мир природы раскрывались для художника через призму эстетических соответствий, исторических и мифологических образов. Его лучшие произведения – сгустки необычайно сконцентрированной духовной и эмоциональной энергии.

Владимир Муравьев родился в Костроме в 1924 году.  В 1941 году после окончания 1 курса художественного училища ушел на фронт. После войны продолжил учебу в училище (1947-1954), затем преподавал рисование и черчение в «глубинке» - в школе села Палкино Костромской области, работал в художественном фонде. В конце 1950-х гг. навсегда уехал в Москву, работал художником в издательстве «Советский писатель», в 1971 году вступил в Союз художников, но не выставлялся. Первый большой показ его работ в Костроме состоялся только в 1998 году на выставке «Любить! Ненавидеть! Что еще?» вместе с работами уже ушедших из жизни друзей Н.Шувалова и А.Козлова.

Творчество художника развивалось в культурном пространстве неофициальной художественной Москвы. Его образной системе свойственны гротеск, повышенная экспрессия, гипертрофия формы, аллегорически-иносказательные сюжеты, фантастические персонажи. Художник утверждает собственное видение мира, который воспринимается им как постоянно меняющийся Универсум, каждая форма которого имеет свой смысл и обладает только ей присущей гармонией.

Экспозиция выставки «Костромские нонконформисты» знакомит с лучшими произведениями художников из собрания Костромского музея-заповедника, Художественной галереи города Костромы, частных коллекций и позволяет увидеть то, что сближает разных, но в чем-то очень близких представителей поколения «шестидесятников».

Вера Прямикова, куратор выставки.

Владимир Анисимов считает фотографию своим творческим увлечением. Заядлый путешественник, он с большим интересом снимает природные мотивы, жанровые сцены. Его серьезным дебютом стала выставка «Другие миры», прошедшая в муниципальной художественной галерее в 2005 году, а в 2006-2007 гг. в других городах  Костромской области.

Новая выставка представляет серии фотографий, запечатлевших уникальные места нашей планеты. Автор совершил восхождение на вершину Килиманджаро и фотофиксировал самые разные состояния фантастической природы  Африки.

А  проявление «волнующей  красоты родного края, необъятной России» можно видеть в сериях фотографий, сделанных в Крыму, где воображение автора потрясло «смешение русской истории, культуры с лучами южного солнца и бескрайним Черным морем».

 

подробнее WWW.АНИСИМОВ.РФ

В экспозиции представлены работы   шестнадцати выдающихся театральных художников XIX-XXI веков. Эти авторы, каждый из которых  обладает уникальным художественным стилем, наиболее ярко воплотили в своих работах образы великого русского драматурга Александра Николаевича Островского.

На выставке представлен прижизненный  портрет Александра Николаевича Островского, написанный  в 1884 году  Александром Ленским, внесшим  большой вклад в развитие реализма на русской сцене.

А.Ленский - первый из театральных художников, кто определил для себя, что «сцена – это пространство для игры актеров, пространство, наполненное своими эмоциями, имеющее свою выразительную силу. И прежде чем оформлять реальное пространство сцены, художник театра должен сделать макет декорации, предельно точно изображая в компактном масштабе все детали будущего решения сцены». Стоит отметить, что  в XIX веке к оформлению спектаклей подходили весьма утилитарно. Обычно использовали набор декораций и реквизита со склада театра. Постановки по пьесам Островского не были исключением, только редкие спектакли по его пьесам могли «похвастаться» авторским оформлением. К этому времени относятся макеты декораций к спектаклям «Бешеные деньги» (1870) художника М.А.Шишкова и «Воевода» (1886) А.Ф.Гельцера.

Совсем иное отношение к «одеждам спектакля» сформировалось в ХХ веке. Макеты, эскизы костюмов и декораций, выполненные Александром Осмеркиным, Владимиром Стенбергом или Эдуардом Кочергиным,  для спектаклей, поставленных в разное время в знаменитых театрах Москвы, Санкт-Петербурга, Казани, дают возможность познакомиться с развитием театрального искусства  в XX веке.

К любопытным экспонатам относится и эскиз к неосуществленной кинопостановке Андрея Тарковского по   пьесе  «Поздняя любовь» художника М.Ромадина, талант которого высоко ценил режиссер.

Необычный проект объединил двух московских художников-экспериментаторов.

Клара Голицына родилась в 1925 году. В 1949 окончила Московский полиграфический институт. Затем работала художником Таджик Госиздата (Душанбе). Потом 20 лет делала плакаты для коллегий министерства на космические темы. С 1982 года - свободный художник. Ее работы находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, других российских и зарубежных музеях.

Анатолий Пурлик - художник, родился в 1956 в Тайшете (Восточная Сибирь). Живет и работает в Москве.

Согласно концепции серии «Нарисуй мне это» (2013) К.Голицына создала живописные версии фотоснимков А.Пурлика. Цветные фотографии выступили в роли отправного пункта для масштабных живописных работ, в которых легко угадывается сюжетная основа. Творческий тандем наглядно показывает, что в современном искусстве станковая живопись и фотография комфортно существуют друг с другом, границ между техниками изобразительного искусства стираются, а важной остается суть художественного произведения.

Фотосерия представляет различные жанры. От концептуальных натюрмортов с классическим сюжетом до аскетических натюрмортов с консервными банками, раскрывающими бытие художника. В ряде работ раскрыта тема портрета. Не менее важна пейзажная линия. Урбанистические фотографии запечатлели виды Москвы и тосканской провинции (Италия).

Названия работ метафоричны, поэтичны и афористичны, по сути своей представляют отдельные литературные зарисовки - «Раскладушка Белого Человека», «Мой большой субботний стол Lucca», « ...бычки ушли самоходом в миноборонсервис!». Сюжеты обладают многослойной семантикой, их выбор говорит об изяществе и глубине мысли А.Пурлика.

Работы Клары Голицыной отличает свобода и предельная выразительность, ясность ума и твердость духа. Энергия света, любви и оптимизма. Удивительное совмещение конкретики и абстракции, линеарности и открытой чистоты цвета, декоративности и конструктивизма. Созданные на языке абстрактного искусства образы не менее убедительны и доступны для зрителя.

Работы Клары Голицыной давно стали классикой. По сей день художник, оказывает заметное влияние на российскую школу абстракции, на живописное искусство, представляя свое, ни на кого не похожее направление, изобилующее находками и открытиями.

Страница 8 из 12