Выставки

В экспозиции представлены работы   шестнадцати выдающихся театральных художников XIX-XXI веков. Эти авторы, каждый из которых  обладает уникальным художественным стилем, наиболее ярко воплотили в своих работах образы великого русского драматурга Александра Николаевича Островского.

На выставке представлен прижизненный  портрет Александра Николаевича Островского, написанный  в 1884 году  Александром Ленским, внесшим  большой вклад в развитие реализма на русской сцене.

А.Ленский - первый из театральных художников, кто определил для себя, что «сцена – это пространство для игры актеров, пространство, наполненное своими эмоциями, имеющее свою выразительную силу. И прежде чем оформлять реальное пространство сцены, художник театра должен сделать макет декорации, предельно точно изображая в компактном масштабе все детали будущего решения сцены». Стоит отметить, что  в XIX веке к оформлению спектаклей подходили весьма утилитарно. Обычно использовали набор декораций и реквизита со склада театра. Постановки по пьесам Островского не были исключением, только редкие спектакли по его пьесам могли «похвастаться» авторским оформлением. К этому времени относятся макеты декораций к спектаклям «Бешеные деньги» (1870) художника М.А.Шишкова и «Воевода» (1886) А.Ф.Гельцера.

Совсем иное отношение к «одеждам спектакля» сформировалось в ХХ веке. Макеты, эскизы костюмов и декораций, выполненные Александром Осмеркиным, Владимиром Стенбергом или Эдуардом Кочергиным,  для спектаклей, поставленных в разное время в знаменитых театрах Москвы, Санкт-Петербурга, Казани, дают возможность познакомиться с развитием театрального искусства  в XX веке.

К любопытным экспонатам относится и эскиз к неосуществленной кинопостановке Андрея Тарковского по   пьесе  «Поздняя любовь» художника М.Ромадина, талант которого высоко ценил режиссер.

Необычный проект объединил двух московских художников-экспериментаторов.

Клара Голицына родилась в 1925 году. В 1949 окончила Московский полиграфический институт. Затем работала художником Таджик Госиздата (Душанбе). Потом 20 лет делала плакаты для коллегий министерства на космические темы. С 1982 года - свободный художник. Ее работы находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, других российских и зарубежных музеях.

Анатолий Пурлик - художник, родился в 1956 в Тайшете (Восточная Сибирь). Живет и работает в Москве.

Согласно концепции серии «Нарисуй мне это» (2013) К.Голицына создала живописные версии фотоснимков А.Пурлика. Цветные фотографии выступили в роли отправного пункта для масштабных живописных работ, в которых легко угадывается сюжетная основа. Творческий тандем наглядно показывает, что в современном искусстве станковая живопись и фотография комфортно существуют друг с другом, границ между техниками изобразительного искусства стираются, а важной остается суть художественного произведения.

Фотосерия представляет различные жанры. От концептуальных натюрмортов с классическим сюжетом до аскетических натюрмортов с консервными банками, раскрывающими бытие художника. В ряде работ раскрыта тема портрета. Не менее важна пейзажная линия. Урбанистические фотографии запечатлели виды Москвы и тосканской провинции (Италия).

Названия работ метафоричны, поэтичны и афористичны, по сути своей представляют отдельные литературные зарисовки - «Раскладушка Белого Человека», «Мой большой субботний стол Lucca», « ...бычки ушли самоходом в миноборонсервис!». Сюжеты обладают многослойной семантикой, их выбор говорит об изяществе и глубине мысли А.Пурлика.

Работы Клары Голицыной отличает свобода и предельная выразительность, ясность ума и твердость духа. Энергия света, любви и оптимизма. Удивительное совмещение конкретики и абстракции, линеарности и открытой чистоты цвета, декоративности и конструктивизма. Созданные на языке абстрактного искусства образы не менее убедительны и доступны для зрителя.

Работы Клары Голицыной давно стали классикой. По сей день художник, оказывает заметное влияние на российскую школу абстракции, на живописное искусство, представляя свое, ни на кого не похожее направление, изобилующее находками и открытиями.

Галерея приглашает зрителя заглянуть в импровизированную «избу-читальню»,  открывшуюся в малом зале галереи. Здесь разместилась выставка, объединившая четырех художников, для которых книга не только произведение печатной продукции, в создании которой художник принимает участие на паритетных началах с автором текста, но и плод их собственного воображения, метод самовыражения, объект, где переплетаются различные художественные практики и концепты. Это костромичи Александр Аханов и Ольга Швейцер и гости Виктор Шлюндин (Кинешма), Кузя Зверев (Нарва, Эстония).

В современном искусстве книга привлекает художников, как способ самодостаточного высказывания в форме книги, где на первый план выходит уникальность автора и созданного им объекта. Каждый из представленных на выставке художников вступает в свой диалог с «книгой», позволяющий определить их взаимо- и со-отношения.

Гость из Нарвы, в прошлом костромич Владислав Кузнецов, известный в художественном сообществе как Кузя Зверев, выступил в неожиданной роли иллюстратора учебного пособия - «Самоучитель эстонского языка или скорая грамматическая помощь». Заказчики из министерства просвещения Эстонии, пожелавшие уйти от скучной нарочитости, не случайно обратились к автору, обладающему даром неиссякаемой иронии. Рисунки, соединившие цветовой лаконизм плаката, юмор и гротеск, свойственный комиксам, не могут не вызвать улыбку.

Ольга Швейцер прекрасно работает в области традиционной иллюстрации. Однако, целому ряду ее работ присущи черты «книжности». Здесь в создании композиции и образа в целом на равных участвую собственно изобразительные элементы и текстовые фрагменты (часто на немецком языке), превращая лист в самодостаточный визуальный текст, как, например, в рисунках из цикла «Ненаписанные сказки».

Свои «книжные опусы» Виктор Шлюндин называет «арт-буками». Внешне они отвечают традиционному облику и назначению книги, вместе с тем находятся на стыке собственно книги и произведения искусства. Художник давно и успешно работает в этом жанре, всякий раз проявляя поразительную фантазию, применяя широкий спектр техник, приемов и материалов, определяющих пластический образ книги. Его привлекают тексты, где немалую роль играют многозначность, неопределенность, метафоричность. Особенно близок художнику Даниил Хармс, кому он посвятил свой последний «арт-прикол» - инсталляцию «Мысли Хармса».

Но, пожалуй, один из наиболее изощренных изобретателей «книги» Александр Аханов. Зрителю придется поломать голову над его графическими «трактатами» из серии «Графомания» и оценить юмор и ассоциативную игру, пронизывающие арт-обекты – «Книга света», «Книга сигнатур», «Повесть о сбежавшем кофе», «История Афродиты, рассказанная ей самой».

 

Новая выставка костромского фотохудожника Игоря Груздева «Траектория души» – это интерпретация автором  пространства, которое наполнено мистикой, это поиск фактурной, чувственной, эмоциональной выразительности образов.

Экспозицию выставки, представленной в двух больших залах художественной галереи, составили 49 фотографий, напечатанных на холсте или пластике. Жанры, в которых экспериментирует фотохудожник, - это городской пейзаж, пейзаж и  натюрморт. Необычность проекта «Траектория души»  в том, что автор, отделив фотографии монохромные от тех, в которых цвет становится самодостаточным элементом организации пространства, намеренно отказался от сопровождения своих работ названиями, не желая ограничивать свободу зрительского восприятия.

В своих работах Игорь Груздев композиционную динамику строит соотнесением света и тени, света и цвета. В этом зыбком пространстве человек никогда не является главным героем, а существует как «деталь бытия»: в одной из работ помещенный в этот мир, он следует по пешеходному переходу, в другой – это рыбак, плывущий в лодке,  или художник, разложивший свой этюдник около ворот храма.

Игорь Груздев фиксирует проявления  красоты. Трансформированы в фотографиях творческим воображением и волей автора не только природа и предметный мир, но и  знакомые виды Костромы: река, набережная, пароходы, старые дома, храмы, деревья, как будто, отражаются в патине старого зеркала, приобретая тем самым вневременные свойства. Образная метафорика  автора изысканна и понятна: тени, водосточные трубы, «обнявшие» друг друга, ветки деревьев, устремленных ввысь, дорога, уходящая к линии горизонта, упавший кленовый лист, кирпичная стена, залитая красным цветом, заполненный водой машинный след, в котором отражается небо,  – каждый рассматриваемый фотохудожником объект в фотографии приобретает символическое значение.

Представленные на выставке фотографии дают  возможность проследить траекторию  душевного постижения  автором реальности, поскольку для Игоря Груздева фотография –  «самый выразительный способ передать вечное в моменте».

Костромские зрители смогут увидеть третью персональную выставку акварелей художницы Ирины Ломановой, единственного постсоветского автора, чье творчество представлено  в коллекции Александра Гремитских.
С Костромой Ирину Ломанову, кроме прошедшей в 2012 году на арт –площадке «Станция» выставки, связывает неординарное творческое проявление: двадцатью ее  работами оформлен Центр Матери и Ребёнка, в конце апреля 2013 года Ирина Витальевна приняла активное участие в акции "Художники Москвы детям Костромы" и подарила  четыре акварели из серии "Игрушки" Первомайскому детскому дому-интернату.
Ирина Витальевна Ломанова родилась в 1962 году в Херсоне. В 1990 году с отличием окончила Центр подготовки художников-оформителей "Росмаркетинг" по специальности "Художник-оформитель в рекламе". Длительное время работала искусствоведом в Художественном Фонде СССР. Окончила Школу акварели Сергея Андрияки (преподаватель Каргина А.И.).  Ирина Ломанова пишет в технике многослойной акварели. Живёт и работает в Подмосковье. Некоторые из работы Ирины Ломановой, которые зрители Костромы увидят на выставке,  репродуцированы в российских и зарубежных изданиях.
Акварели Ирины Ломановой находятся в собраниях Фонда Областного Центра пропаганды изобразительного искусства Департамента по культуре Владимирской области, Костромского Государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, в частных коллекциях России.

Выставка «Проникновение цвета» вновь объединила  известных костромских художников Владислава Грачева, Анатолия Жукова, Виктора Каткова, Алексея Мухина, Сергея Пшизова и Марии Тепловой. Творческое сотрудничество этих художников продолжается не первый год, и на выставочной площадке художественной галереи они не раз были представлены как в совместных, так и индивидуальных проектах.
Название - «Проникновение цвета», которое дали авторы своей групповой выставке свидетельствует о том, что основное внимание художники уделили  культуре цвета, принципиальному стремлению  формировать  пространство именно  цветом и также пониманию архитектуры этого пространства.
По словам  художника и инициатора проекта «Проникновение цвета» Владислава Грачева, «… в  определенном смысле, проникновение цветом на плоскости –  это  общая философия для всех авторов, объединенных в выставке. Это понимание цвета, его значения и функции нас объединяет, но каждый из художников по-своему реализует эту художественную концепцию  в творчестве». 
Каждый из художников представит зрителям свои новые живописные и графические работы: зачастую, именно в этих абстрактных композициях авторам удалось вскрыть культурный код времени, передать его с помощью индивидуального образного строя, колористического чутья и  умения изобразительными  средствами создать внутреннюю напряженность поверхности холста или листа,  или керамического панно и витража.

Художественная галерея города Костромы представляет выставку студии «Лоскутные штучки». Студия возникла при Доме народного творчества в 2009 году. Сейчас в ней работают 12 мастериц! Возглавляет студию Светлана Анатольевна Смоленко. По мнению руководителя: «главная задача студии – это возрождение и сохранение традиций Костромского края в области декоративно-прикладного искусства, обеспечение творческого досуга женщин, а также пропаганда лоскутного шитья в Костроме».

Выставка «Кострома в лоскутной мозаике» юбилейная, своего рода отчет за 5 лет творческой деятельности.

Мастера студии работают в технике «квилт» (от английского «quilt» - стеганое одеяло), более знакомой в нашей культуре, как техника лоскутного шитья. Для их работ характерны сюжетная композиция, смешанная техника с использованием объемной аппликации и батика. Владея различными техниками традиционного и современного лоскутного шитья, мастера создают авторские вещи утилитарного назначения – нарядные костюмы, аксессуары, сумки, а также декоративные изделия - панно, покрывала.

На выставке представлено 50 произведений, среди них работы последних лет. Особого внимания заслуживают крупные, многодельные панно «Кострома – душа России» (2011), «Династия Романовых» (2014), «Любимый город Кострома (2014), объединивший 10 частей, а также проект, победивший на конкурсе Российской железной дороги «Едем мы друзья в дальние края…» - 7 предметов для оформления купе поезда. В ряде случаев для усиления выразительности используются объемные элементы – «Вы слыхали, как поют дрозды?» (2010) и др.

Мастера студии участвуют в праздниках народных ремесел, областных выставках, всероссийских и международных фестивалях и конкурсах. Они сотрудничают с журналами «Чудесные мгновения», «Лоскутное шитье», Российской Ассоциацией лоскутных мастеров.

 

 

 

Художественная галерея города Костромы представляет выставку живописи известного костромского художника Александра Аханова «Окно на солнечной стороне».

А. Аханов давно и успешно сотрудничает с галереей. Художник широкого творческого диапазона, он работает во многих практиках современного искусства. Это живопись, графика, иллюстрация, арт-объект, фотография, коллаж, бук-арт, видео. Он неизменный участник проводимых галереей  выставок современной графики, автор оригинальных проектов, вызвавших огромный интерес зрителей - «Тексты и не только…» (2000), «Между стульев» (2005), «Графомания» (2006), «Письма блудного сына» (2008), «Паломничество в «Сад Поэта» (2013) и др.

В экспозиции выставки 50 работ, созданные в основном за последнее время, среди них есть и холсты, написанные в 2014 году. Их объединяет тема, которая занимает автора практически на протяжении всей жизни – это музыка, и как сюжет, поскольку герои, так или иначе, поглощены музицированием, и, как стихия, обретающая пластическую материальность через цвет. Язык автора метафоричен. Его персонажи – не только фантастические музыканты, прекрасные дамы, слушатели, но и музыкальные инструменты – дудки, бубны, саксофоны, виолончели, которых он одушевляет подобно людям, вовлекая тех и других в волшебный процесс рождения цветомузыки, радующей взрывами и всплесками оглушительно открытых цветов.

Не чуждый иронии автор прибегает к ненавязчивому цитированию «великих». Так неожиданно в живописную канву вкрапляются и обретают новое звучание персонажи Крамского («Незнакомка», 2013), Вермеера («Дежавю», 2013). Наконец, он предлагает «услышать», как по его воле мог исполнить блюз Пушкин («Александр Сергеевич блюз «Ман Рей», 2011).

Сам художник так объясняет идею своей выставки: «Окно, выходящее на Солнце. Это значит, в твоём доме живёт Солнце каждый день. Солнце – это Любовь, Счастье, Свет, Тепло, Радость, Жизнь для всего сущего на Земле. Каждое утро Оно встает, и просыпается весь мир. Отсюда желание сохранить каким-то образом это восхитительно состояние – чистое солнечное сияние, в своих руках, сердце, душе, и этими руками сотворить нечто, в чем отразилось бы хоть сколько-нибудь этого чистого сияния, почувствовать от этого трепет и необъяснимое волнение от чуда. Отсюда такой колорит, может быть, диковатый, не в меру открыто-яркий, по возможности чистый. Отсюда то восхитительное состояние возбуждения, перехлест эмоций и сильное желание поделиться радостью».

«Несерьезная выставка» костромского фотографа Владимира  Геннадьевича Смирнова ретроспективно представляет творческий путь автора – зрители могут увидеть 62 фотографии разных лет  - от 70-х гг.  ХХ века до 2000-х  В этих  небольшого формата работах с предельной искренностью  и добротой отображен мир животных, птиц  и природа. Собаки, лошади, кошки, козы, лисы, голуби запечатлены так, что их изображение можно  вполне назвать портретом. Сейчас одна из работ Владимира Смирнова представлена от Костромы  на конкурс «Природа моей Родины» Всероссийского фестиваля природы «Первозданная Россия».

 

Смирнов Владимир Геннадьевич

Педагог дополнительного образования МОУДОД Костромского муниципального района Костромской области «Дом детского творчества»

Родился в 1939 в Костроме в семье рабочих. Окончил Костромской лесомеханический техникум по специальности «механическая обработка древесины». По 1976 год работал по строительной специальности в в ПМК -505 Управления Костромасельстрой. С 1976 года стал учиться фотографии. С 1978 года начал вести фотокружок в минской восьмилетней школе Костромского района, впоследствии кружок стал детской киностудией. С 1990 года – педагог дополнительного образования.

Фотоработы членов кружка неоднократно публиковались в периодических изданиях Костромы. Кинофильм «Один день в школе» отмечен премией на конкурсе любительских фильмов. Неоднократный участник и призер фотоконкурса газеты «Правда», публиковал фотографии в газетах «Волжская новь», «Северная правда», «Костромские ведомости», «Экологический вестник», в журнале «Губернский дом». В альманахе «Московский Парнас». В 2010 году присвоено звание  «Почетный работник» Министерства образования и науки России.

Костромские художники в собрании О.А.Лебедева

Олег Лебедев:

«В 1995 году мне приходилось обустраивать свое жили¬ще, и я заказал витражи известному костромскому художнику Каткову Виктору Сергеевичу. Он изготавливал их по очень старой технологии в маленькой мастерской в Союзе художников на улице Советской.

Разместив созданные им витражи в моем доме, я начал понимать, что они невообразимо интересны. При солнечном свете интерьер дома приобрел живую окраску: соединились естество природы и творчество. Встречаясь, мы обсуждали его работы в стекле. Он старался объяснить мне источники вдохновения своего творчества.

Позже, рассматривая витражи в соборах Италии и Франции, я начал понимать, что В. С. Катков, в своем творчестве соединяет в идеях витражей духовные мысли с реальным божественным светом. Тогда же он познакомил меня с В. М. Грачевым.

Я предложил помещение под мастерскую В. М. Грачеву и А. В. Жукову. Там, в свободное время, они рассказывали мне, что за работы создают, как понимать искусство авангарда.

Желание видеть картины возникло у меня во время наблюдения за их работой, их объяснений о сути написанной картины, о ее содержании, для чего и почему создается тот или иной образ. И захотелось иметь картины, чтобы в спокойной обстановке продолжить изучение идей худож¬ника, что и как он хотел выразить в своей работе. Больше всего меня заинтересовали идеи картин авангардного на¬правления. Они заставляли думать, размышлять, сравни¬вать и сопоставлять. Из объяснений Грачева я понял, что художники так творят по велению души. Художник - лич¬ность свободная и вправе выбирать любую форму для выражения своих чувств, мысли, переживания.

Я понимал, что художник ближе к природе, чем остальные люди. В своих картинах они как проводники между нами и Создателем мира. В лучших пейзажах состояние природы увязано с чувствами человека, подчеркивая не¬разрывную связь с ней.

В ответ на мой вопрос: «Где профессиональные художники питают свою энергию?» - В. Катков вместе с В. Грачевым показали мне выставку икон. Лики святых и биб¬лейские сюжеты являлись источником творчества лучших художников России. Отсюда я с большим вниманием стал относиться к иконам и древним храмовым фрескам.

В. М. Грачев показал мне свою графическую серию «Утраченные лики храмовых фресок». Она производит неизгладимое впечатление. Заставляет задуматься, что происходит с миром вообще и с жизнью человеческой в частности. Человек, изменяя жизнь, разрушает окружающий мир. Смотришь на фрагменты стенописи, остатки былого ансамбля, и жалко не только их - жалко человека, его очерствевшую душу. В разрушенных временем фресках больше Силы и Святости. Они словно говорят: «Люди, остановитесь, не разрушайте ваш мир, созданный для вас Господом. Посмотрите на наши лики, стертые временем и вами».

Я до сих пор наслаждаюсь витражами Каткова, настолько они пронизаны тайнами. А сколько еще могут открыть прекрасного и философского картины В. Окишова. Если хочешь воочию увидеть старость, посмотри на его бабушку Агафью. Это ведь реальность. Старость рядом. Вы скажите: грусть, уныние. Нет. Старость у художника - это анализ того, как прошла земная жизнь, что Ты творил, создавал и что осталось на твоем Древе жизни в сухом остатке. А старушка, жизнь земная, хочет еще подбросить дровишек для продления существования, хочет принести водицы, попить, пожить. Древо старое, ветви высушенные, уже не требует больше тепла и влаги. Его век закончился, и если кто-то пустит его на дрова или соорудит поделки, то пусть ненадолго, но вспомнит и твою жизнь.

Таким образом, начиная с витражей В. С. Каткова, авангарда В. М. Грачева и А. Жукова, картин Г Дареева и, конечно, В. Окишова получилось мое собрание картин.

Идею собрания выработал Катков. В основу он поставил мастерство и профессионализм художника. Отбирал только те картины, которые художники создавали в пери¬од своего творческого подъема, под вдохновение. И Кат¬ков чувствовал это. Он понимал суть и идею созданной художником работы.

Почему именно этих авторов он предлагал купить? Да потому, что эти художники не были коммерциализированы и, как свободные личности, писали не по заказу, а творили для души.

Это ни с чем не сравнимое удовольствие - владеть прекрасным, покупать картины художника. В покупках также была цель оказания материальной помощи. В. Окишов очень нуждался в деньгах, но с большой неохотой прода¬вал картины о жизни Агафьи Окишовой. Работы Г Дарее¬ва покупал у жены художника, чтобы помочь ей. Имеются планы по приобретению картин тех же авторов и других тоже. Это как посчитает основной идеолог В. С. Катков.

У меня с ним договор, что ни одна из картин собрания не будет продана за пределы Костромы, я завещаю это своим родным и близким. В планах передача всех картин музею и создание частной картинной галереи».

Страница 8 из 11