Выставки

Выставка «Все цвета радости» объединяет произведения молодых художников - выпускников художественно-графического факультета Костромского государственного университета им. Н.А.Некрасова, однокурсников и единомышленников. Окончив обучение в университете в 2000 году, они выбрали разные жизненные пути, но их объединяет стремление реализовать свои творческие возможности, сказать свое слово в искусстве. Представленные на выставке работы очень разнообразны - и по жанрам, и по технике, и по взглядам на жизнь.

Поляков Олег Викторович (1976 г.р.) с 2001 года является активным участником городских и областных выставок творческого союза художников, его персональная выставка состоялась в 2003 году в выставочном зале им. Н. и Т. Шуваловых в Администрации города Костромы. Художник был отмечен Дипломом Главы администрации Костромы и Благодарственным письмом Департамента культуры Костромской области.

На выставке выпускников художественно-графического факультета Олег Поляков представил реалистические живописные произведения - пейзажи и несколько портретов, отличающиеся свободным пастозным мазком и ярким многоцветным колоритом. Его работы воспевают красоту родной природы и старинных русских городов, они наполнены солнечным светом и радостным восприятием мира.

Кравченко Анна Юрьевна (1976 г.р.), лауреат Всероссийской выставки-конкурса, также является продолжателем традиций реалистического искусства, представила на выставку серию пейзажей и натюрморты. Автор черпает вдохновение в неповторимом очаровании русской природы, ее картины отличают тонкий колорит и особый эмоциональный настрой.

Потемкина Ярослава Викторовна (1978 г.р), участница молодежной выставки 2004 г., областной - 2011 г., представила на выставку живопись и графику, а также произведения декоративно- прикладного искусства в технике валяния из шерсти и декоративные сосуды.

Веселова Елена Альбертовна (1977 г.р.) участвовала в областных выставках, региональной выставке 2007 г., всероссийской выставке 2009 г., работает в технике батик, применяя разнообразные приемы росписи по ткани.

Кондратьев Сергей Владимирович (1974 г.р.) представил на выставку две живописные работы, отражающие необычность взгляда автора на окружающий мир, его эмоциональный подход к трактовке образа.

Представленные в экспозиции выставки «Все цвета радости» работы молодых авторов дают возможность костромскому зрителю не только увидеть своеобразный итог творческих исканий последних лет, но и оценить профессиональный рост художников.

«Если вы хотите знать, что такое Островский,

читайте внимательно «Снегурочку».

А.Р. Кугель

 

Выставка из собрания музея-заповедника А.Н.Островского "Щелыково познакомит посетителей со сказкой А.Н. Островского «Снегурочка»,

историей ее создания и Щелыковскими реалиями в произведении, воплощениями образов пьесы в работах книжных графиков и театральных художников.

«Снегурочка» занимает особое место в творчестве драматурга. Это единственная завершенная пьеса-сказка, и в то же время она глубоко закономерна, органична для его творчества. Это пьеса, предопределенная всей жизнью драматурга. Замысел «Снегурочки» возник у Островского в начале 1873 года. Сказка создавалась в счастливые минуты творческого вдохновения.

Работу над нею драматург завершил 4 апреля 1873 года. На одном из беловых автографов «весенней сказки» стоит другая дата – 31 марта.

Примечательно, что это день рождения писателя (по старому стилю, по новому – 12 апреля), которому в 1873 году исполнилось 50 лет.

Возможно, Островский хотел специально приурочить завершение «весенней сказки» к дню своего рождения. В «Снегурочке»,

столь дорогом для драматурга детище, очень многое сошлось и очень многое раскрылось. Островский считал,

что с этим произведением он выходит на новую дорогу в русской драматургии.

В пьесе Островского ярко выписаны образы сказочных героев – Мороза и Весны,

Снегурочки и ее приемных родителей Бобыля и Бобылихи, Леля, Купавы, Мизгиря и царя Берендея.

Поэтическая речь героев сказки добавляет им яркости и необычности.

Выставка «Уроки истории. Наполеон. Сталинград» знакомит с творчеством известных московских мастеров Вячеслава Павлова и Аллы Шмаковой. Их творчество дает пример тесного взаимодействия различных видов искусств, взаимного обмена идеями.

Вячеслав Павлов (1934-2013) – заслуженный художник России, член корреспондент Академии художеств России, признанный мастер офорта, внесший огромный вклад в искусство российской графики. Работы художника находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея, Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина и других музеев страны и за рубежом.

Алла Шмакова - народный художник России, член-корреспондент Российской Академии художеств, успешно работает в сфере декоративного текстиля.

Выставка знакомит с двумя большими серьезными работами В.И.Павлова, объединенными темой войны. Это серия офортов «Сталинград», созданная в середине 1970-х годов и серия литографий «Наполеон» (2001-2003). Художник предлагает неповторимые по своей оригинальности и метафоричности трактовки событий, ставших краеугольными в понимании вех всемирной истории. По словам Игоря Светлова «в графические листы  Вячеслава Павлова нужно вновь и вновь всматриваться – они сложны по теме, изящны и экстравагантны  по пластике, <…> ошеломляют своей энергией, неожиданностью творческой интриги».

В серии «Сталинград», как писал сам автор, «натюрморты из рваных снарядов и касок соединились с кино-фото впечатлениями в единую жестокую метель, невиданную в советском изобразительном искусстве».

Основная тема серии «Наполеон» - опровергнутый историей авантюризм Наполеона, его отчужденность от русской жизни. По слова художника, «каждое явление, <…>  сам император Наполеон, измученный снежными блужданиями, образует тот французский театр в русских снегах, где актеры суетятся, но вся эта суета бесперспективна и окрашена одиночеством великого человека, обреченного на гибель всех своих усилий».

Экспозицию работ серии «Наполеон» органично дополняют произведения А.Шмаковой. Сюжетный мотив,  предложенный В.Павловым, перерастает у нее в монументальное произведения декоративно-прикладного искусства – гобелены «Зачем я шел к тебе, Россия» (2004), «Бородинское знамя» (2009).

Костромская областная газета «Северная правда»,

Борис Коробов и муниципальная художественная галерея

к 70-летию Победы в Великой Отечественной войне

представляют:

фотовыставку «От Победы до самых до окраин...»

Фотолетопись Костромской области середины и конца XX века — в эти несколько слов уместилась вся жизнь и более полувека работы фотокорреспондента «Северной правды»,

фронтовика Игоря Сапова (1924-2002).

Экспонаты предоставлены из архива семьи Игоря Сапова.

Игорь Михайлович, уверены знавшие его, был счастливым человеком: главная, еще с детства, страсть стала любимой работой. Мальчик из маленького городка Гаврилов Ям Ярославской области, фотографией занялся в школьном фотокружке. Кстати, этот кружок после девятого класса он уже вел сам.

Окончить десятилетку помешала война. Его отправили в пулеметно-минометное училище. Но доучиться не дали: перевели в парашютно-десантный полк, который понес большие потери. Так 17-летний пулеметчик Игорь Сапов в 1942-м оказался на фронте.

Он прошел всю войну. Среди многочисленных наград — орден Красной Звезды, орден Отечественной войны II степени, медали «За отвагу» и «За взятие Вены».

Но даже на фронте, уже освобождая Чехословакию, сержант Сапов не забывал о фотографии. Благодаря велосипеду с динамо-машиной по ночам печатал снимки бойцов, которые те отправляли домой, родным.

Демобилизовался он в 1947-м. Вскоре переехал в Кострому, и тут же снимки Игоря Сапова стали появляться на страницах газеты «Северная правда». С 1959-го он официально фотокорреспондент «Северянки».

В газете Игорь Сапов проработал сорок лет, объездив с фотоаппаратом буквально все города и веси нашей области, и запечатлев для истории и простых комбайнеров, и первых лиц региона и страны . Костромская область и стала главной героиней выставки «От Победы до самых до окраин...».

Игорь Михайлович очень хотел сделать персональную выставку, для чего сам отобрал и напечатал фотографии. При жизни не получилось. Именно эти работы, а их более 100, представлены в муниципальной художественной галерее. На фото - много улыбающихся лиц: счастливый человек притягивал счастливых героев фотоочерков.

За дополнительной информацией вы можете обратиться по тел.:  8 (4942)47-00-21 (Шеф-редактор «Северной правды» Шикалова Елена Александровна)

 

ПРИ ПОДДЕРЖКЕ ИНТЕР РАО (Костромская ГРЭС)

Евгений Трейаль родился 21 апреля 1967 г в г. Костроме, в семье учителей. Как и для многих мальчишек в то время, фотоаппарат был заветной мечтой. И вот в 8-м классе родители подарили ему первый « ВилияАвто». Тогда это была скорее модная возможность ощутить себя взрослым, чем истинная страсть. Затем в 1985-87 годах  - армия, ракетные войска - не поснимаешь.

После армии - первая зеркальная камера, «Зенит-е», вот тогда уже снимал все подряд, боясь упустить тот самый «волшебный момент». Архивы фото тех времен до сих пор будоражат память родственников и друзей (конечно, тех, кто допускается к сей священной реликвии)

Но в 1990-х годах юношеский запал фотографа временно угас, уступив место обыденной необходимости зарабатывать на  жизнь. Только спустя несколько лет, с появлением свободного времени и, конечно же, первой цифровой камеры -  НИКОН Д40  возникла неудержимая тяга к самовыражению через фотографию. Тяга прошла быстро, а камера осталась. Хотелось просто путешествовать и снова как когда-то снимать все подряд (ведь камера-то осталась). Вдохновение вернулось внезапно и  уже как хроническое заболевание. Тогда сами странствия по миру превратились в неплохую возможность поснимать.

Евгений Трейаль участвовал в групповых и тематических выставках, в различных фотоконкурсах становился финалистом, публиковался в журналах. Как и многие художники, он не ищет славы, ведь фотография для Евгения - не способ заработка, а единственное, что дает ощущение полета, делает его свободным и не позволяет душе черстветь.

Татьяна Трейаль

24 апреля 2015 года всё человечество отметит столетие одного из самых страшных событий 20 века – геноцида армян в османской Турции. Трагическое это событие, когда в течение короткого отрезка времени были уничтожены более полутора миллионов человек только за то, что армяне всегда тяготели к России, не имеет аналогов по масштабам злодеяния. Цинично не признающие самого факта геноцида, правители Турции стали предтечами появления фашистов, их  людоедской идеологии.

В связи с трагической датой Армянская национально-культурная автономия города Костромы подготовила своеобразный урок истории о полузабытых ее страницах. Эта выставка обращена, в первую очередь, к молодёжи. Подробный рассказ о страшных событиях начала века дополнит всё, что мы знаем о Первой мировой войне, будет актуальной и в связи с сегодняшними попытками в Прибалтике, на Украине, в других странах возрождения фашизма.

Выставка хорошо оснащена документальными материалами. I

Павел Беляев принадлежит к поколению художников, чье становление пришлось на середину 1980-х гг. – десятилетие, вторая половина которого стала периодом прорыва через многолетнее идеологическое давление к свободе духа и творчества. Первые появления его работ на арт-сцене связаны с молодежными выставками-экспериментами (1987, 1988), когда молодая генерация костромских художников впервые дерзнула «заговорить»  на языке цвета, пластики, свободного формотворчества. В дальнейшем художник вместе со своими друзьями-единомышленниками принимает участие в выставках, ставших значительными событиями в культурной жизни Костромы  - групповая выставка в селе Красное на Волге (1986), «Синтез» (1989), «Поиск и эксперимент. 1960-1990-е гг.» (1994), «Синтез’99» (1999) и др.

Творческая судьба художника связана с муниципальной художественной галереей г. Костромы, в чьих проектах он принимает участие, как на площадке галереи, так и в других городах и за рубежом. В галереи прошли его персональные выставки, которые пользовались неизменным успехом  – 1999 г., 2007 («В поле покоя поверхности»), 2011 («Возле белого»). С 2008 года творчество П.Беляева оказалось в поле зрения музея современного искусства Эрарта (С-Петербург), который приобрел картины художника в свою коллекцию. В настоящее время произведения  П.Беляева представлены в постоянной экспозиции музея, выставляются в филиалах музея Эрарта в Нью-Йорке, Лондоне.

Павел Беляев – художник удивительно цельный, глубокий, обладающий развитой интуицией, редким даром некоего мистического чувствования мироздания. В основе его пластического мышления – стремление к максимальному обобщению, вырастающему до символа. В своей полуабстрактной живописи художник опираясь на натурные впечатления, на природные формы и цвета, создает свое неповторимое эстетическое пространство, превращая живописную поверхность во вместилище сложных понятий и тончайших ощущений. Его работы притягивают, вовлекают в пространство, полное покоя, умиротворения, изысканных цветовых гармоний – утонченных и благородных.

Экспозиция выставки «Оттенки дня» (более 80 работ) знакомит с новыми произведениями автора, созданными за последние  четыре года. В них художник продолжает свои пластические исследования, сопоставляя реальный мир природы с ландшафтом своего внутреннего состояния. Отталкиваясь от природного мотива, он отказывается от деталей, подробностей, выявляя главное, существенное, превращая объекты внимания (будь то дерево, куст, прогалина снега, дом) в символы, знаки Макрокосма – многослойного, многомерного, бесконечного.

В целом ряде работ варьируется мотив «окна», как прорыва в другое пространство, дающего возможность сопоставления разных миров – малого и большого, ближнего и дальнего. Это может быть прорыв неких покровов к свету реального мира или выход в иносферу, живущую по законам иного порядка, где непрерывно происходят трансформации материй, структур, энергий.

Значительное место в творчестве занимают композиции, где появляются мистические образы, линеарные абрисы и силуэты которых подобны сотканным из ощущений видениям, возникающим в глубинах сознания. Их облик неизменно отсылает к духовным истокам – образам древних икон.

Образы П.Беляева магически привлекательны и не поддаются словесным интерпретациям, а постигаются лишь путем сосредоточенного созерцания, установления собственных духовных контактов.

Вера Прямикова

 

Выставка включает 57 работ самых известных художников, совершивших революцию в искусстве, определивших их облик и основные течения модернизма.

Это Анри Матисс, Марк Шагал, Сальвадор Дали.

Без них не было бы фовизма, кубизма, абстракционизма, сюрреализма. Они верили, что искусство может изменить жизнь. И действительно, модернизм

вырвался из галерейных залов, повлиял на архитектуру,

дизайн, музыку, моду, телевидение – стал целой эпохой, еще до конца не пережитой. Настоящей лабораторией модернизма были живопись и, особенно, графика.

В творчестве отдельных художников зарождались

целые направления и стили. И именно из графических работ этих художников сформирована выставка.

Работы были приобретены за рубежом  группой красноярских инвесторов для показа в России и прежде всего в Сибири.  Этот жест трудно переоценить.

Организация выставки живописи этих художников пока за рамками

возможностей частной сибирской инициативы. К счастью, все эти художники работали с разными видами и техниками искусства, занимались не только живописью,

но и графикой, в частности литографией.

Иногда литографии повторяли живописные композиции,  иногда – создавались как  отдельные произведения, иногда – как книжные иллюстрации.

Например, цикл иллюстраций Шагала к «Мертвым душам»  Гоголя,

выполненный еще в 20-е гг. Литографии имеют определенный тираж и потому более доступны. Но при этом они не менее интересны,

они сохраняют ту же стилистику и образность, их делала та же рука.

Техника литографии сделала возможным собирать и показывать выставки.

В течение почти всего ХХ века Россия не приобретала, а только теряла произведения искусства, они гибли в смутах и войнах,

большевики за бесценок распродавали сокровища Эрмитажа,

отдельная борьба велась с современным искусством. В результате, за исключением Москвы и Петербурга,

население страны видело классиков ХХ века только в репродукциях.

Данная выставка восполняет эту лакуну,  предоставляет редкую возможность видеть работы

легендарных художников – основоположников искусства ХХ века.

Хронология представленных работ охватывает значительную часть ХХ века от начала 10-х годов вплоть  до 70-х,

когда еще авторы были живы и продолжали работать.

Выставка дает целый спектр стилевых поисков,  включает и фигуративные и абстрактные работы.

Выставка имеет и художественное и образовательное значение.

Она представляет те базовые художественные ценности современной эпохи, которые изучают теперь и в школах, и в вузах по всему миру.


История кукол неразрывно связана с историей моды. В разные эпохи в разных странах куклы выступали глашатаями и законодателями мод, прежде, чем появились модные журналы. Новинки сезона шились на куклу с такой точностью в деталях (кружева, многослойные юбки и так вплоть до нижнего белья), что опытной портнихе не составляло труда скопировать с кукольной одежды и крой, и отделку, и силуэт. Для кукол делались те же аксессуары, что и для модных дам – шляпки, перчатки, зонтики, сумки и даже миниатюрные ювелирные украшения. Это делает кукольные наряды бесценным материалом для историков моды.

До периода развития промышленного производства в последней трети 19 в. куклы делась вручную и были весьма дороги, являясь предметом роскоши и гордости своих хозяек.

Небольшая часть кукол вводит зрителя в исторический контекст кукольного производства. Будут представлены самые ранние экспонаты – куклы 18 в. из разных материалов – дерево, папье-маше, воск, фарфор.

Расцвет кукольного производства приходится на 19 столетие, поэтому большая часть экспонатов выставки относится к этому периоду. В основном, экспозиция будет строиться не по хронологическому, а по тематическому принципу.

- Особую роль в кукольных нарядах занимает нижнее белье. В магазинах, в основном, куклы продавались именно в нижнем белье, а наряды и туалеты предлагалось покупать дополнительно. Кукольное нижнее белье состоит из тех же самых деталей, что и дамское -обильно украшенные кружевом и шитьем: панталоны, рубашки, сорочки, подъюбники, накорсетники. Вошедший в моду в конце 19 в. «бельевой стиль» нашел свое отражение и в кукольной одежде.

Кукольный мир повторял все аспекты мира реального, и все основные события жизни нашли в нем свое отражение – появились куклы-невесты, куклы в одежде для конфирмации.

С конца 19 в. стали появляться куклы-дети и куклы-младенцы, кукол облачают в крестильные рубашки,

Кукольная мода чутко следовала последним веяниям и тенденциям. Для кукол издавались свои журналы мод, у кукол были свои ателье и модистки. В зале экспозиции будут представлены все атрибуты кукольного модного дома с точными и работающими копиями швейных машинок, манекенами, кружевами, пуговицами и миниатюрными ножницами.

Особый жанр в кукольном мире – это кукла-модница, дама с приданным. К такой кукле прилагался сундук со всеми аксессуарами и атрибутами реальной жизни. Такая кукла перестает быть просто игрушкой, а становится статусной вещью, частью интерьера роскошного и модно обставленного дома. Сюда же можно отнести будуарную куклу, появившуюся на рубеже 19 и 20 вв. модную и любимую настолько, что даже могла сопровождать свою хозяйку на светских раутах.

27 февраля по 22 марта художественная галерея вместе с Александром Ахановым сделает попытку «Объять необъятное». Так назвал свой проект А.Аханов, который еще раз демонстрирует неиссякаемую фантазию  и огромный творческий потенциал.

А. Аханов давно и успешно сотрудничает с галереей. Художник широкого творческого диапазона, он работает во многих практиках современного искусства. Это живопись, графика, иллюстрация, арт-объект, фотография, коллаж, бук-арт, видео. Он неизменный участник проводимых галереей  выставок современной графики, автор оригинальных проектов, вызвавших огромный интерес зрителей - «Тексты и не только…» (2000), «Между стульев» (2005), «Графомания» (2006), «Письма блудного сына» (2008), «Паломничество в «Сад Поэта» (2013), «Окно на солнечной стороне»  (2014) и др.

Выставка включает графические работы, созданные художником за последние два  года.  Как всегда  автор экспериментирует, пробует свои силы в  самых  разных техниках:  это и удивительно тонкие, ювелирно выполненные рисунки  карандашом, и яркие коллажи с использованием гуаши и  акрила, и  компьютерная графика в сочетании с  пастелью.

Фантазия автора уносит зрителя в мир грёз и сновидений с изысканными дамами («Неторопливые движения») и трогательными игрушками из детства («Падающие кубики», «Кукла наследника Тутти»), погружает в кошмары и заставляет задуматься о будущем («Всадник бледный»). Сюрреалистические произведения Аханова вызывают самые сложные ассоциации. Они одновременно могут отождествляться в нашем восприятии как со злом, так и с добром. Устрашающие видения и идиллические грезы, буйство и смирение, отчаяние и вера — эти чувства в различных вариантах проступают в произведениях художника, активно воздействуя на зрителя. При всей абсурдности и даже определенной забавности некоторых произведений они способны стимулировать сознание, пробуждать ассоциативное воображение. Теоретик направления сюрреализма Андре Бретон утверждал, что сюрреализм способен разрешить противоречие между мечтой и реальностью, выразить истинную функцию мысли, которая не ограничена и не контролируется разумом и морально-этическими ограничениями. Основывается на вере в высшую реальность, на могуществе сна, на нецеленаправленной игре мышления.

Для искусства ХХ века характерно разомкнутое, открытое, неклассическое восприятие мира, поиск новых путей развития, перенасыщенность разнообразием художественных форм, обращение не только к опыту, но и к языку предыдущих эпох, введение прямых цитат, их вариаций и интерпретаций, сложных культурно-исторических ассоциаций. В начале 1980-х вошел в оборот термин «апроприационизм» (или Appropriation Art), когда получили известность такие художники, как Ричард Принс и Шерри Ливайн. Любители вводить в свои произведения элементы, созданные другими авторами, существовали, конечно, и раньше, но именно в их творчестве апроприация вышла на первый план. Появление «искусства заимствования» связывают прежде всего с распространением техники коллажа. Александр Аханов пробует себя и в этом направлении. Художник вступает в диалог с «великими»: используя их образы, цитируя, спорит с ними, иронизирует, порой саркастически улыбается («Питер Пабло. Рубенсо», «Неизвестный портрет. Публикуется впервые»). Художник сознательно дразнит публику. Шокирующими выглядят образы, знакомые с детства и «обработанные» автором. Подобное амикошонство направлено против создания кумиров в живописи, «неприкасаемых» в искусстве. Смелость художника оправдана мастерским владением материала, умением быть со всеми «измами» на ТЫ.

Страница 6 из 11