Выставки

САЗОНОВ АНДРЕЙ АНАТОЛЬЕВИЧ

Искусствовед, художник, коллекционер

Родился в 1954 году в г. Ленинграде.

1977 - окончил Ленинградское высшее инженерное морское училище им. адмирала С.О. Макарова, судоводительский факультет. В молодые годы работал на судах торгового флота.

1984 – окончил Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина, искусствоведение (экстернат). Автор многочисленных статей, посвященных искусству.

1985 – 1990. – работал в Ленинградском отделении Союза художников РСФСР. (ученый секретарь, заместитель председателя).

С 1990 – свободный художник.Создатель художественного направления РЕНОВАЦИОНИЗМ. Создаёт самые различные объекты и интерьеры из металлолома.

2004. - Первая персональная выставка в г. Санкт-Петербурге. Выставки работ Андрея Сазонова проходили как в нашей стране (Москва, Санкт-Петербург, Ярославль, Кострома), так и за рубежом (Швеция, Франция, США).

Также Андрей Сазонов – известный коллекционер. Одним из его увлечений является наивное искусство. Коллекция Андрея Сазонова насчитывает порядка 400 картин, часть из которых, 114 работ, представлены на выставке «Народные картины XIX-XX вв.»

В 2015 году прошла выставка «Народная живопись. Примитивы. Китч» из собрания Андрея Сазонова в Государственном музее городской скульптуры (Санкт-Петербург).

Выставка «Народные картины ХIХ-ХХ вв.» из коллекции Андрея Сазонова знакомит зрителя с произведениями так называемого «наивного» или по другой терминологии «примитивного» искусства мало известного отечественному зрителю.

Андрей Сазонов о выставке:

«Большинство населяющих наши равнины граждан даже не подозревает о повсеместно процветавшей прежде удивительной культуре народного примитива…Картинки, о которых в основном пойдёт речь, как правило, именовались в России «ковриками», писались масляными красками, в большинстве своём на клеенках, и предназначались для украшения жилищ… В ход шло всё, что было под руками и не требовало затрат – фанера, картон, обрывки брезентов, старые солдатские одеяла… Отдельно упомянем своеобразную традицию письма на стекле. Такие работы у нас встречаются не часто, а вот на Балканах примитивная живопись на стекле явление обычное. И тут при большом желании можно усмотреть некий общий контекст в европейском наивном искусстве. Кстати, то же самое касается сюжетов вообще. И в Западной, и в Центральной, и в Восточной Европе, и у нас они нередко совпадают или очень близки. Правда, каждый народ даёт свою интерпретацию, своё эпическое или мифологическое понимание изображаемого события, свою образную окраску.

Наивный художник мыслил широко, масштабно – хотелось ему удивить мир, объять его взором… Отсюда и яркость красок, и некая внешняя «аляповатость» - то, что мы привычно именуем китчем.Но, согласитесь, китч этот на удивление привлекателен! Главное ведь – не опуститься до пошлости. А народность с пошлостью сочетается слабо. Простое желание красоты – такой, какою понималась она людьми неискушенными в познание уже достигнутых вершин искусства, - рождало своё виденье окружающего. Человеку хотелось необычного, такого, что не сыскать в сероватой, заполненной тяжким трудом обыденности. Возникал яркий мир «наива», мир оппозиционный скупой на цвет и свет северной природе и будничной жизни. И цветастый живописный коврик был таким же радостным локальным пятном на тёмной бревенчатой стене, как и киноварные рубахи парней, ведущих хоровод на бледно-зеленом луговом покрове…

«Наивное» или по другой терминологии «примитивное» художество, особенно его «рыночная» составляющая, мало известно отечественному зрителю. Это, бесспорно, печалит. Тем более, что на Родине нашей век этого искусства завершается, а точнее, уже минул. В мире же интерес к подобным вещам не только не ослабевает, но, напротив, неумолимо растёт. Достаточно помянуть неоднократно выставляемые сербские и хорватские примитивы, североамериканский наив, занимающий почетное место в местных национальных музеях, музеи арт-брю и наивного искусства в Европе (к слову, первый из них был основан прозорливым Марселем Дюшаном), и т.д., и т.п. Что же, остается надеяться и верить – настоящая слабая попытка организации выставки русского примитива даст импульс к пробуждению нашей детской памяти, к умилению и увеселению взоров наших и к сохранению того, что породила радостная и чистая душа народа нашего».

Муниципальная художественная галерея города Костромы представляет выставку известного московского художника, заслуженного деятеля искусств Евгения Анатольевича Расторгуева.

Творчество Е.А. Расторгуева – одна из интереснейших и оригинальных страниц в развитии отечественного изобразительного искусства нашего времени. Начинал как реалист, его хрестоматийная работа «Юность» многие годы экспонировалась в залах ГТГ. Затем от реалистической манеры, через «суровый стиль» 60-х годов, пришел к своему собственному стилю. Уже в 1970-е годы начался период обращения к истокам народного творчества, обусловивший создание произведений – поэтических фантазий, а затем эпопеи полотен, театрализованную и ироничную поэму, отображающую жизнь, нравы, красоту и духовное богатство жителей сочиненного художником маленького среднерусского городка.

Суть творчества последних тридцати лет, а работы именно этого периода представлены на выставке, можно определить словами художника: «Хочу создать свою землю и назвать ее „Городец“ - со своим небом и своими героями, где нет злодеев, всякой прочей швали, а населяют ее милые моему сердцу - чудаки». «Мои герои – городские чудаки, для которых вода, небо, холмы, деревья, животные – их дом. Они озарены поисками красоты. Я окунаю их в свет и краски. Я помещаю их в вечную жизнь».

Работы художника погружают нас в добрый, светлый, кровно близкий ему придуманный мир. Жители этой зазеркальной территории вечны, они не стареют, их жизнь неизменна. Она, воспроизведенная во множестве работ, представленных на выставке, постоянно возвращает нас к собственным генетическим истокам. Сквозь легкую иронию, добродушный юмор и нескрываемую любовь к своей малой родине, несмотря на все ее неказистости, художник раскрывает нам высокие нравственные ценности.

В экспозиции представлены более 100 работ - живопись, графика, скульптура.

Александр Сергеевич БЕКАСОВ

1955   родился в Костроме

1977 окончил художественно-графический факультет Костромского государственного педагогического института  им. Н.А.Некрасова

Работает преподавателем в Детской художественной школе №2 им.Н.Н.Купреянова.

Участник выставок с 1986 года.

Работы находятся в собраниях Костромского музея-заповедника, муниципальной художественной галереи г. Костромы, художественного музея г. Хювинкяя (Финляндия), художественной галереи г.Пиотрков-Трибунальский (Польша).

На выставке представлено около 30 живописных и графических работ, написанных в основном за последние 3 года. Пейзажи, натюрморты А.Бекасова – это не просто жизненные наблюдения художника, а способ передать мироощущение, своеобычную философию. Однажды московский художник Валерий Бабин заявил: «Мне думается, живописи дано превращать быт в бытие. И надежда на то, что найдется родственная душа, которой понятны эти смутные мечтания, пока еще не покидает меня». Александр Бекасов в этом смысле действительно родственная душа Валерию Бабину. Образы, созданные художником, неотрывны от жизни – люди, предметы, однако движение к обобщенности и отвлеченности придает им больше силы воздействия на зрителя. Его, зрителя, не обманут «бытовые» названия работ – «Чистят лук», «Женщина поливает цветы», «Лопухи», - за каждым произведением целый мир, где женщины похожи или на принцесс, или на ангелов; а луковицы, как планеты в космосе. В работах А.Бекасова удивительным образом соединяются внешняя простота и статичность рисунка с огромной внутренней энергией, скромная палитра с экспрессией цвета. Одним словом, художник нашел такие гармонии, которые заставляют зрителя остановиться, перевести дух и изумиться, как МАСТЕР сумел сохранить в себе почти детскую искренность и непосредственность и вместе с тем выйти за рамки традиционных жанров и придать потаенный, иногда мистический смысл окружающим предметам.  Спокойный ритм гармоничных композиций, сдержанная гамма красок, отсутствие внешних эффектов — все это характерные черты уравновешенного творчества Александра Бекасова.

Надежда Пронина


2013 – окончила художественно-графический факультет Костромского государственного университета;

2014 – участвовала в 6-й выставке современной графики «Здесь и сейчас» // муниципальная художественная галерея г. Костромы;  выставочный зал Ярославского Союза художников; галерея «Красный Мост» (Вологда).


Фотопроект «Точные координаты» - первая персональная выставка начинающего фотохудожника. Он объединил работы из нескольких серий – «Дети» (2015), «Летняя серия» (2015), «Четыре стихии» (2013), «Простые вещи» (2014), «Отражения» (2015), а также серии о жизни студентов Ярославского художественного училища (2015).

Сам автор так комментирует основные идеи своих фоторабот:

«Идея серий «Дети» и «Отражения» появилась у меня давно и была связана с историей моего дома, в котором прошла жизнь четырех поколений нашей семьи.

Работы из серии «Отражения»  - постановочные фотографии, напоминающие коллаж или натюрморт. И, как в натюрморте, каждый предмет несет смысловую нагрузку, т.к. здесь соседство предметов не является  случайным. Зеркало, которое я использовала как элемент композиции, для меня является символом времени, в котором отражается каждый из нас. Кораблик, как символ надежд, радости, поиска чего-то нового и удивительного, желания приблизиться к мечте.

«Простые вещи» и «Летняя серия» - попытка показать, действительно, очень простые и на первый взгляд обыденные предметы образно, передать настроение в одном кадре. Фотографии из этой серии были выполнены мною с целью продлить жизнь вещей, среди которых я росла, это попытка запомнить их такими, какими они были в детстве. Ведь память свойственна людям. Мы, люди, одушевляем окружающий мир. Мы принимаем его без сомнения: мы насыщаем его своими смыслами, и он существует в нас, пока мы живы. Мы мыслим, помним, верим. Мы проецируем себя вовне и считаем, что вещи «помнят».

Если говорить о серии фотографий о жизни студентов Ярославского художественного училища, то в ней я ставила не столько художественные, сколько репортажные задачи. Здесь есть желание показать конкретных людей, их характеры, отношения, быт. Также мне было интересно выстроить композицию портрета, попробовать решить задачи кадра,  в котором находятся двое и более героев».

Выставка «Ба! Знакомые все лица!» посвящена 20-летнему юбилею 

муниципальной художественной галереи. За двадцать лет существования 

галерея прочно заняла свое место в художественном пространстве города, 

обрела круг авторов, чьи творческие поиски оказались в центре ее исследовательских

и собирательских интересов. В творческое сообщество вошли художники не только 

Костромы, но и других городов России. Галерея стала местом, где встретились личности 

близкие в понимании роли и задач современного искусства, его взаимодействия со зрителем.

Многие, благодаря встречам и общению в галерее, стали друзьями и единомышленниками. 

Все эти годы они были неизменными участниками крупных проектов галереи, не раз проводили 

свои персональные выставки.

 

 

 

Экспозиция выставки - стала местом встречи 37 художников. Географический охват экспонентов - 

Кострома, Москва, Кинешма, Ярославль, Нарва (Эстония). Общее количество произведений – 

более 120, время создания – в основном последние годы. Выставка отличается разнообразием

видов и жанров. Это живопись – фигуративная и абстрактная, графика – уникальная и печатная, 

скульптура, декоративно-прикладное искусство, арт-объект. Каждый автор имеет свое лицо, 

Собственный круг интересов и тем, свою особую стилистическую манеру, транслирует свой 

неповторимый взгляд на Мир.

Безусловное большинство составляют работы костромичей. Это хорошо известные авторы – 

Александр Аханов, Анатолий Жуков, Алексей Мухин, Ирина Соглачаева, Владимир Тюрин, 

Ольга Швейцер, Анна Олейникова и другие. Ярославль представляют заслуженные художники

России Владимир Горячев, Леонид Малафеевский, Михаил Кораблев, а также Михаил Бекетов, 

Ирина Дербенева, Юрий Галыбин, Олег Рожков. Гости из Москвы – известные мастера Валерий Бабин, 

Клара Голицына, Игорь Ермолаев, Татьяна и Иван Карамян, Андрей Ким. Кинешму представляет давний 

друг галереи Виктор Шлюндин, Нарву – наш земляк Кузя Зверев, получивший в 2015 году главную премию 

в области культуры Эстонии - «Жемчужина культуры».

Особое место занимают работы авторов, которые долгие годы сотрудничали с галереей, 

но ушли из жизни. Это талантливейшие костромские художники Павел Беляев, 

Виктор Катков, Владислав Грачев, Владимир Смирнов. Галерея показывает их работы, 

многие из которых экспонируются впервые.

Муниципальная художественная галерея города Костромы представляет новый проект известного костромского художника Александра Аханова «Пространство Иномирья».

А. Аханов давно и успешно сотрудничает с галереей. Художник широкого творческого диапазона, он работает во многих практиках современного искусства. Это живопись, графика, иллюстрация, арт-объект, фотография, коллаж, бук-арт, видео. Он неизменный участник проводимых галереей выставок современной графики, автор оригинальных проектов, вызвавших огромный интерес зрителей - «Тексты и не только…» (2000), «Между стульев» (2005), «Графомания» (2006), «Письма блудного сына» (2008), «Паломничество в «Сад Поэта» (2013), «Окно на солнечной стороне (2014) и др.

Выставка «Пространство Иномирья» затрагивает тему, с которой так или иначе сталкивался каждый из нас. Пространство иного мира или, в более привычном звучании, – параллельный мир. Таинственный, влекущий, непостижимый…  Каждый человек сталкивался с его неуловимыми и необъяснимыми явлениями, образами, фактами: дежа вю, сновидения, интуитивные ощущения, открытия, фантазии – всё это оттуда, не из физического, грубо материального мира.

«Наиболее приближённая к Иномирью сфера человеческая деятельность, - считает А.Аханов, - творчество. Ибо творчество как раз оперирует образным строем. Занимаясь творчеством, не зависимо от жанров и направлений, человек неизменно настраивается на образную волну той или иной художественной, музыкальной или какой-то другой формы и улавливает символический, знаковый, образный ряд тех или иных мыслеформ, им самим заданных. Отформатированный ряд воспоминаний сжимается в отстранённые, образные, художественные формы, выражаемые знаками. Художественное произведение, составленное разнообразными композициями из таких знаковых, графических матриц могут породить и порождают в свою очередь многочисленный ряд других, новых образов, которые могут проявиться при визуальном настрое на ту или иную композицию».

Вот и работы этой выставки, построенные по такому принципу, порождают новый образный ряд. Причём ассоциативный ряд расширяется из-за отсутствия привычных и знакомых явлений и предметов, обычных в нашем трёхмерном пространстве. Путешествие по Иномирью бесконечно, как не объемлем этот мир. Тем оно любопытнее и притягательнее.

Владимир Тюрин более 15 лет работает над проектом «Лицо». Выставки этого крупного проекта были показаны как на площадке муниципальной художественной галереи, так и в других городах России (Ярославле, Твери, Кирове, Москве) и за рубежом (Эстония, Финляндия, Германия).

Для В.Тюрина «лицо» - особая категория, некий пластический материал, способный передать его собственные эмоциональные впечатления и переживания, связанные с восприятием как отдельной личности, будь то случайный прохожий, знакомый или родственник, так и некоего сообщества, будь то многоликая толпа, группа людей или семья. Одновременно «лицо» становится знаком времени - настоящего и прошлого. Художник ведет пластическое исследование лиц, личин, гримас, пытается осмыслить бег времени, образ истории в лицах - конкретных, символических, мифологических.

Каждая выставка проекта неповторима как по представленному материалу и проблеме, которая волнует в данный момент автора, так и экспозиционному решению.

Новая выставка в рамках проекта получила название «Урок географии». В работах 2011-2015 гг. образы близких людей – родителей, одноклассников, первой учительницы, самого автора в юности, подобно ностальгическим видениям, неожиданно появляются (проявляются?) на знакомых всем со школьной скамьи учебных картах – географических, политических картах мира, картах СССР -  страны, очертания которой безвозвратно исчезли  из современной картографии, но не из исторической и культурной памяти.

Трагическим скорбным звучанием пронизаны работы «Гнездо» (2012) и «Похороны одноклассника» (2013). В первом случае – это боль от утраты родовых корней, в другом – отчаяние, связанное с эсхатологическими переживаниями человека.

Органично входят в экспозицию серия «Семейный альбом» (2015), где художник пытается архивировать в лицах историю рода. Листы реального фотоальбома становятся вместилищем воспоминаний, материализованных в фотографиях, воскрешающих радостные и печальные события жизни, портреты родных людей, которыми так дорожит автор.

Проект «Лицо», с которым работает Владимир Тюрин, актуален и многоаспектен и «ведет» автора, постоянно провоцируя к новым ходам в арт-исследовании, но позволяя неизменно сохранять собственную неповторимую индивидуальность и быть созвучным проблемам современного искусства и жизни.

 

Проект С.И.Маковея «Страси по Иоганну Себастьяну» - продолжение «Бахианы»,темы, воплощение которой было начато художником в сентябре 2014 года и закончено в декабре 1915 года. Появление этой темы не было случайным. Музыкой великого композитора С.И. Маковей был увлечен со студенческих лет. Более 40 лет она волновала и удивляла его, как и личность самого И.С. Баха. В 2015 году исполнялось 330 лет со дня рождения музыканта (1685-1975). Именно это событие подвигло художника на дерзновенный труд - создание живописных произведений на тему великой музыки. Ибо, как писал Гете: «В каждом художнике заложен росток дерзновения, без которого не мыслим ни один талант...»*

Как признается сам автор, в процессе работы были трудности - ведь картины о музыке Баха надо было писать «музыкальным языком», а музыка, как известно, самое абстрактное из всех видов искусств. Наверное, поэтому художник обратился к изучению цветомузыки Скрябина и других композиторов. Выяснилось, что восприятие цвета разными композиторами было очень субъективно и различно ... Поэтому С.И. Маковею ничего не оставалось делать, как положиться на свою творческую интуицию в поиске цветовых соотношений и ритмов. «В ритме есть нечто волшебное; он заставляет нас верить, что возвышенное принадлежит нам».* Следуя за музыкальными темами великого композитора, переживая их, художник в течение 15 месяцев создавал свою реальность, назвав ее в подзаголовке «Живописные рефлексии на музыку Баха».

На выставке представлены композиции: «Токката и фуга Ре-минор, 9 частей» (2014-15), произведения объединенные названием «Вариации Голдберга в 3-х частях» (2015).  «Витражи Томас - Кирхе в 5 частях» (2015), «Скрипичный концерт Ля-минор в 3-х частях» (2015), «Бранденбургский концерт № 4 в 3-х частях» (2015) и другие. Все они звучат по-разному, но одинаково мощно, создавая единый живописный ансамбль. Одушевляет его «Портрет И.С. Баха», выполненный С.И.Маковеем в особой авторской манере, посредством которой он старался отразить всю многогранность таланта Баха, многосложность, «полифоничность» и «полихромность» его образа. В основу создания портрета, положена документальная посмертная маска И.С.Баха. Это обстоятельство, а также напряженность цвета, движение четко обозначенных ритмов: то легко скользящих по плоскости (Скрипичный концерт Ля минор), то прочно цепляющихся за нее (Месса Си-минор в 2-х частях), то уходящих в глубь пространства и становящихся холодными и сдержанными в цвете (Концерт для скрипки с гобоем До-минор и Концерт для 2-х скрипок Ре-минор) - все это вносит в звучание проекта драматичные ноты. Ставшие центром композиции 9 частей Токкаты и фуги Ре-минор, построены в экспозиции в виде сложной крестообразной фигуры. Это - основной акцент, позволяющий четко выявить концепцию выставки. «Во всяком произведении искусства, великом и малом, вплоть до самого малого, все сводится к концепции».* И тогда становится понятным название проекта: «Страсти по Иоганну Себастьяну».

Проект С.И.Маковея посвящен памяти Баха, Но это не просто восхищение гениальными его творениями, это дань человеку, не знавшему в жизни покоя и отдохновения от трудов. И воспоминание о современниках автора, так же посвятивших свою жизнь искусству. Такое субъективное (а как иначе?), но, безусловно, имеющее право на существование содружество музыки, написанной почти 300 лет назад, и живописи, автор которой отмечает свой 65-летний юбилей, посвящено все той же вечной теме - любви к искусству. Судьба творческой личности - в муках и самоотречении наполнять жизнь музыкой, стихами, красками, осознавая неизбежность передачи эстафеты следующим поколениям. И верить, что она будет подхвачена. «Прекраснейшая из метампсихоз - видеть себя вновь проявившим в другом».*

 

*И.В. Гете «Максимы и рефлексии» 1822-1832 гг.

Муниципальная художественная галерея г. Костромы представляет новый проект московского художника Игоря Ермолаева. Имя автора хорошо известно костромичам.  С 2001 года, когда в Костроме прошла его персональная выставка, он неизменный участник многих проектов галереи, среди которых выставки современной графики, проводимые галереей раз в три года. Он был участником и организатором оригинальных групповых выставок, прошедших на площадке галереи – «Академия пастели» (2003, 2004), «ТРИКАЕР»(2007); «? ИЛИ- ИЛИ!» (2010); «Большая пастель» (2013).

Выставка «Легкое рисование тела» связана с темой, которая волнует художников на протяжении веков. Изучение, постижение обнаженной натуры, восхищение ею лейтмотивом проходит через многовековую историю человечества. Обнаженная натура для художника – это идеальный материал для изучения анатомии, совершенствования письма, в то же время это ключ в сферу эмоционально-чувственных отношений, в которой раскрывается широкий диапазон смыслов и содержаний. Каждый автор по-своему определяет свое отношение к этому эстетическому объекту, приглашая зрителя к созерцанию и размышлению.

В экспозиции представлено более 100 работ в техниках - живопись, графика, пастель. Это плод многолетних эстетических, пластических, философских исследований Мастера, обладающего изысканным вкусом, наблюдательностью, способностью к метафорическому мышлению.

Биографическая справка

Игорь Николаевич Ермолаев

Родился в 1964 г. в г. Глухове (Украина).

В 1986 г. окончил художественно-графический факультет Московского государственного педагогического института им. В.И.Ленина.

С 1989 г. постоянный участник выставок, проводимых Московским Союзом художников.

С 2005 г. член Московского Союза художников (секция уникальной графики)

С 2001 по 2006 гг. организатор и участник выставочного проекта «Академия пастели». Директор дизайн-студии «2К».

Работы находятся в собрании Муниципальной художественной галереи г. Костромы, музея А.Грина (Феодосия), галереи «Красный Мост» (Вологда), частных коллекциях России и за рубежом.

 

Виктор Сергеевич Катков (1940-2015) - живописец,  график, мастер витража и керамики. Окончил Ивановское художественное училище в 1967 году. Работал в художественно-производственных мастерских Художественного фонда при Костромской организации СХ РСФСР с 1967 по 2003 год. Член Союза художников с 1976 года. Участник областных, зональных, республиканских, международных, групповых и персональных выставок. Его работы в собрании Костромского музея-заповедника и частных коллекциях.

Он готовился отметить свое 75-летие  ретроспективной выставкой, где нашлось бы место для первых живописных работ.  Он часто ездил  на этюды в Макарьев,  Сусанино, Буй, но больше всего любил Колгору. Там написано много пейзажей, там захватила его воображение удивительная в своей простоте и ясности стихия деревенской жизни.  Он спешил оставить память о  том, без чего невозможно было обходиться крестьянину испокон веку.  Добротные рубленые дома, дворы с хлевами для скота и каретные сараи, амбары, погреба, бани, стога сена и телеги, сани, деревянные вилы и ухваты, глиняные кувшины и корчаги и расписные интерьеры изб.

Это не дотошные зарисовки этнографа. Это взгляд художника,  увидевшего за полезной стороной предмета еще и его красоту, отшлифованную творчеством десятков поколений.  Это  огромный пласт жизни, культура ремесла, доведенная до совершенства, то, что составляет народное искусство.

В сенокосную пору по вечерам вся деревня слышала звонкий перестук молотков по железу. Это правили, отбивали косы, чтобы утром по росе они  были готовы валить траву в валки. А следом за косарями шли женщины и разбивали граблями валки на просушку. Ритм взмахов кос и ритм граблей  сходились в  единый  трудовой ритм. В нем была своя красота, как в мелодии.  И вот эту эстетику труда и его результат  художник  стремился запечатлеть.

Кто из нас не наблюдал за работой мастера. Она завораживает, и от нее трудно оторваться. Такой же умелой, мастерской является работа художника.  И не сюжет уже интересен, а то, как сумел художник всего несколькими мазками кисти передать  отражение в воде, стремительный бег струй через плотину или  облаков по синему небу.

Легкость и точность линии, штриха карандаша, особенный характер наложения  мазков и ударов кисти,  гармония или декоративная напряженность цвета в соответствии с  сюжетом  или настроением  в пейзаже — все это составляющие  творческого почерка художника, предмет исканий целой жизни. И если случилось добиться такого результата, то жизнь удалась, наследие будет жить долго.

Катков, как живописец,  узнаваем, но это не узнаваемость повтора, привычного метода, набора приемов; его почерк в особой эстетике профессионализма. Он виртуозный рисовальщик, и экспрессия линии, штриха, передающая нерв работы,  движение карандаша, мелка пастели в его работах столь же важны, как и сам замысел, смысл и образ.

Современная живопись  рассматривает реальность как отправную точку. Переживания художника, его духовная жизнь - основа искусства.  Смысл, содержание  живописи в ней самой: композиция, фактура, стиль. Отсюда уход от предмета в область беспредметности, абстракции. Живопись все больше находит общего с музыкой.

Живопись и графика не единственные виды искусства, которым отдал свой талант В.Катков. Он первым в Костроме начал делать витражи для оформления интерьеров общественных зданий. Цветное стекло в контуре свинцовой обкладки: декоративные композиции с растительными побегами  и геометрические узоры, гладкое  листовое стекло и  вставки запеченного, рельефного стекла. Ему всегда было интересно экспериментировать с этим материалом, менять его фактуру, прозрачность, обогащать рельефом другого цвета.

Совместная работа с мастером народной керамики М.А.Тепловой над проектом фонтана  в зимнем саду профилактория Костромаэнерго стала началом их многолетнего творческого содружества. Результат - коллекция авторских работ: вазы, сосуды, панно с использованием шамота и глазурей.

В.С.Катков - участник многих экспедиций сотрудников музея-заповедника  по изучению и сбору произведений народного искусства.  Крестьянские  росписи в интерьерах изб и на деревянных бытовых предметах  стали семейным увлечением. Он сделал множество зарисовок, копий росписей в избах Буйского, Вохомского, Павинского, Боговаровского районов (в собрании музея-заповедника). Освоив приемы  живописных росписей,  применял их в  проектах интерьеров кафе, столовых, разрабатывал сувениры. Статьи и доклады о костромских росписях в крестьянских избах опубликованы С.Катковой в разных сборниках,  журналах.

В.Катков в последнее время с увлечением работал над проектами с использованием кованого и сварного металла. Однако  исполнить в материале удалось только композицию «Предвестники рассвета» (совместно с Н.А.Касаткиным). Он работал до конца.  Ушел из жизни, оставив значительное наследие. В эскизах и проектах много замыслов, которым не суждено сбыться.

Страница 4 из 11