06.07-31.07.2016. Ирина Беляева. Диалог со временем. Акварель

Настоящая экспозиция представляет около 30 работ Ирины Беляевой, выполненных акварелью  за последние 3 года. Предыдущая выставка, состоявшейся в галерее семь лет назад, убедила, что И.Беляева -  художница, тонко чувствующая природу (этому она научилась у своего педагога по художественной студии В.И. Рассыпнова), умеющая передать в  сложной технике акварели ее красоту и поэтичность. Существует множество вариантов работы с акварелью, волшебных и своеобразных: по сырой и по сухой бумаге, смывание, заливка, многослойная и смешанная техники, живопись сухой кистью. Однако знание закона смешивания цветов, видение тона, свободное владение кистью – это начальные знания, а вот воздушности и прозрачности в работах можно добиться только опытным путем. Не раскрывая всех секретов мастерства художницы, скажем, что Ирина выбрала для себя технику «по сырому», при которой лист бумаги смачивается предварительно водой.  В первую очередь, определяется поверхность листа, его фактура, намечаются  цветовые соотношения. В основе этого – эмоциональные впечатления и переживания автора.  Далее идет внимательная  проработка деталей. Во всех своих работах, созданных, как правило,  на одном дыхании, художнице удается подчеркнуть достоинства выбранной ею техники, добиться легкости и некой особенной «мягкости», свойственной именно ее работам. Определенную роль здесь играют светлые, незакрашенные участки. Автор дает возможность «дышать» листу, работать белому полю.  В работе «Шествие весны»(2015) благодаря пробелам можно увидеть местами лежащий, но уже готовый растаять снег. Основной  светло-сиреневый тон в сочетании с бледно-коричневым, обозначившим только что выбравшуюся из-под снежного одеяла землю, несколько тонких темных линий, которыми художница намечает редкую поросль деревьев, - и вот перед нами эфемерный, готовый на наших глазах измениться пейзажный образ. В произведении «Вишни цветут» (2015) внутри преобладающего светло-зеленого тона, создающего  в сочетании с сиреневым  ощущение дымки, также можно заметить множество  искусно оставленных мелких незаписанных участков, воспринимающихся глазом как  белые соцветия.  Надо иметь очень тонкий слух, чтобы суметь почувствовать и передать в художественных образах движение самого времени. Ирина слышит его шаги. В ее произведениях оно совершает свой годовой земной круг: робкое пробуждение природы в «Шествии весны» (2015) сменяется пышным  цветением садов («Вишни цветут», 2015), и вот уже лето вступает в свои права («Лето», 2015). Буйствует зелень, залитая солнцем. Глядь, и оно прошло. И вчерашние хозяева сада – плоды и листья тихо падают с деревьев, уступая место  первому снегу, угадывающемуся в плавных текучих линиях композиции («Первый снег», 2015).  Все течет, все изменяется… В  произведениях И.Беляевой  сложная, не вполне вмещающаяся в человеческом сознании категория времени выражена  просто и светло. В  «Книге времени» (2015)  мы видим два букета в одинаковых позрачных сосудах: в одном - цветущие ромашки, в другом – оголенные ветви шиповника с редкими плодами на них.  В работе «Течение времени» (2015) опустевшая бутылка  на фоне окна напоминает  о быстротечности нашей жизни. В этом произведении также торжествуют светлые тона:  бледно-зеленый и соседствующий с ним волшебный  сиреневый туман. У Ирины он повсюду: то сгущается как, например, в метафоричной «Книге времени» (2015) или драматичном «Разрыве» (2015), то  мягко обволакивает, как в работах «Шествие весны» (2015) и «Вишни цветут» (2015),  то  рассеивается благодаря тем же самым пробелам в упомянутом «Течение времени» (2015). Кажется, что  два мира присутствуют в произведениях художницы: тот, где отсчитывается  время, и тот, где оно протекает для нас. Так что даже в работах, созданных по вполне конкретным впечатлениям,  мы чувствуем  присутствие того первого. В последнее время в творчестве Ирины наметилась линия работ, где дыхание вечности стало еще ощутимей. Появляются произведения  ассоциативные с определенным смысловым подтекстом: «О вечном I» (2015), «О вечном II» (2015), «Завеса» (2015). Для художницы работа над ними – способ ведения диалога на волнующие ее темы. Для зрителя - возможность  прикоснуться к  проникновенным образам, наполненным  внутренним светом.

 

 

1.07.-7.08.2016.Народные картины 19-20 вв. из собрания А.Сазонова (Петербург)

САЗОНОВ АНДРЕЙ АНАТОЛЬЕВИЧ

Искусствовед, художник, коллекционер

Родился в 1954 году в г. Ленинграде.

1977 - окончил Ленинградское высшее инженерное морское училище им. адмирала С.О. Макарова, судоводительский факультет. В молодые годы работал на судах торгового флота.

1984 – окончил Санкт-Петербургский государственный академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина, искусствоведение (экстернат). Автор многочисленных статей, посвященных искусству.

1985 – 1990. – работал в Ленинградском отделении Союза художников РСФСР. (ученый секретарь, заместитель председателя).

С 1990 – свободный художник.Создатель художественного направления РЕНОВАЦИОНИЗМ. Создаёт самые различные объекты и интерьеры из металлолома.

2004. - Первая персональная выставка в г. Санкт-Петербурге. Выставки работ Андрея Сазонова проходили как в нашей стране (Москва, Санкт-Петербург, Ярославль, Кострома), так и за рубежом (Швеция, Франция, США).

Также Андрей Сазонов – известный коллекционер. Одним из его увлечений является наивное искусство. Коллекция Андрея Сазонова насчитывает порядка 400 картин, часть из которых, 114 работ, представлены на выставке «Народные картины XIX-XX вв.»

В 2015 году прошла выставка «Народная живопись. Примитивы. Китч» из собрания Андрея Сазонова в Государственном музее городской скульптуры (Санкт-Петербург).

Выставка «Народные картины ХIХ-ХХ вв.» из коллекции Андрея Сазонова знакомит зрителя с произведениями так называемого «наивного» или по другой терминологии «примитивного» искусства мало известного отечественному зрителю.

Андрей Сазонов о выставке:

«Большинство населяющих наши равнины граждан даже не подозревает о повсеместно процветавшей прежде удивительной культуре народного примитива…Картинки, о которых в основном пойдёт речь, как правило, именовались в России «ковриками», писались масляными красками, в большинстве своём на клеенках, и предназначались для украшения жилищ… В ход шло всё, что было под руками и не требовало затрат – фанера, картон, обрывки брезентов, старые солдатские одеяла… Отдельно упомянем своеобразную традицию письма на стекле. Такие работы у нас встречаются не часто, а вот на Балканах примитивная живопись на стекле явление обычное. И тут при большом желании можно усмотреть некий общий контекст в европейском наивном искусстве. Кстати, то же самое касается сюжетов вообще. И в Западной, и в Центральной, и в Восточной Европе, и у нас они нередко совпадают или очень близки. Правда, каждый народ даёт свою интерпретацию, своё эпическое или мифологическое понимание изображаемого события, свою образную окраску.

Наивный художник мыслил широко, масштабно – хотелось ему удивить мир, объять его взором… Отсюда и яркость красок, и некая внешняя «аляповатость» - то, что мы привычно именуем китчем.Но, согласитесь, китч этот на удивление привлекателен! Главное ведь – не опуститься до пошлости. А народность с пошлостью сочетается слабо. Простое желание красоты – такой, какою понималась она людьми неискушенными в познание уже достигнутых вершин искусства, - рождало своё виденье окружающего. Человеку хотелось необычного, такого, что не сыскать в сероватой, заполненной тяжким трудом обыденности. Возникал яркий мир «наива», мир оппозиционный скупой на цвет и свет северной природе и будничной жизни. И цветастый живописный коврик был таким же радостным локальным пятном на тёмной бревенчатой стене, как и киноварные рубахи парней, ведущих хоровод на бледно-зеленом луговом покрове…

«Наивное» или по другой терминологии «примитивное» художество, особенно его «рыночная» составляющая, мало известно отечественному зрителю. Это, бесспорно, печалит. Тем более, что на Родине нашей век этого искусства завершается, а точнее, уже минул. В мире же интерес к подобным вещам не только не ослабевает, но, напротив, неумолимо растёт. Достаточно помянуть неоднократно выставляемые сербские и хорватские примитивы, североамериканский наив, занимающий почетное место в местных национальных музеях, музеи арт-брю и наивного искусства в Европе (к слову, первый из них был основан прозорливым Марселем Дюшаном), и т.д., и т.п. Что же, остается надеяться и верить – настоящая слабая попытка организации выставки русского примитива даст импульс к пробуждению нашей детской памяти, к умилению и увеселению взоров наших и к сохранению того, что породила радостная и чистая душа народа нашего».

 

27.05.-26.06.2016.Евгений Расторгуев (Москва). "Городецкие чудаковины". Живопись, графика, скульптура

Муниципальная художественная галерея города Костромы представляет выставку известного московского художника, заслуженного деятеля искусств Евгения Анатольевича Расторгуева.

Творчество Е.А. Расторгуева – одна из интереснейших и оригинальных страниц в развитии отечественного изобразительного искусства нашего времени. Начинал как реалист, его хрестоматийная работа «Юность» многие годы экспонировалась в залах ГТГ. Затем от реалистической манеры, через «суровый стиль» 60-х годов, пришел к своему собственному стилю. Уже в 1970-е годы начался период обращения к истокам народного творчества, обусловивший создание произведений – поэтических фантазий, а затем эпопеи полотен, театрализованную и ироничную поэму, отображающую жизнь, нравы, красоту и духовное богатство жителей сочиненного художником маленького среднерусского городка.

Суть творчества последних тридцати лет, а работы именно этого периода представлены на выставке, можно определить словами художника: «Хочу создать свою землю и назвать ее „Городец“ - со своим небом и своими героями, где нет злодеев, всякой прочей швали, а населяют ее милые моему сердцу - чудаки». «Мои герои – городские чудаки, для которых вода, небо, холмы, деревья, животные – их дом. Они озарены поисками красоты. Я окунаю их в свет и краски. Я помещаю их в вечную жизнь».

Работы художника погружают нас в добрый, светлый, кровно близкий ему придуманный мир. Жители этой зазеркальной территории вечны, они не стареют, их жизнь неизменна. Она, воспроизведенная во множестве работ, представленных на выставке, постоянно возвращает нас к собственным генетическим истокам. Сквозь легкую иронию, добродушный юмор и нескрываемую любовь к своей малой родине, несмотря на все ее неказистости, художник раскрывает нам высокие нравственные ценности.

В экспозиции представлены более 100 работ - живопись, графика, скульптура.

Подробнее...
 

21.05-03.07.2016. Александр Бекасов. Живопись, графика

Александр Сергеевич БЕКАСОВ

1955   родился в Костроме

1977 окончил художественно-графический факультет Костромского государственного педагогического института  им. Н.А.Некрасова

Работает преподавателем в Детской художественной школе №2 им.Н.Н.Купреянова.

Участник выставок с 1986 года.

Работы находятся в собраниях Костромского музея-заповедника, муниципальной художественной галереи г. Костромы, художественного музея г. Хювинкяя (Финляндия), художественной галереи г.Пиотрков-Трибунальский (Польша).

На выставке представлено около 30 живописных и графических работ, написанных в основном за последние 3 года. Пейзажи, натюрморты А.Бекасова – это не просто жизненные наблюдения художника, а способ передать мироощущение, своеобычную философию. Однажды московский художник Валерий Бабин заявил: «Мне думается, живописи дано превращать быт в бытие. И надежда на то, что найдется родственная душа, которой понятны эти смутные мечтания, пока еще не покидает меня». Александр Бекасов в этом смысле действительно родственная душа Валерию Бабину. Образы, созданные художником, неотрывны от жизни – люди, предметы, однако движение к обобщенности и отвлеченности придает им больше силы воздействия на зрителя. Его, зрителя, не обманут «бытовые» названия работ – «Чистят лук», «Женщина поливает цветы», «Лопухи», - за каждым произведением целый мир, где женщины похожи или на принцесс, или на ангелов; а луковицы, как планеты в космосе. В работах А.Бекасова удивительным образом соединяются внешняя простота и статичность рисунка с огромной внутренней энергией, скромная палитра с экспрессией цвета. Одним словом, художник нашел такие гармонии, которые заставляют зрителя остановиться, перевести дух и изумиться, как МАСТЕР сумел сохранить в себе почти детскую искренность и непосредственность и вместе с тем выйти за рамки традиционных жанров и придать потаенный, иногда мистический смысл окружающим предметам.  Спокойный ритм гармоничных композиций, сдержанная гамма красок, отсутствие внешних эффектов — все это характерные черты уравновешенного творчества Александра Бекасова.

 

29.04 – 22.05 НАДЕЖДА ПРОНИНА «ТОЧНЫЕ КООРДИНАТЫ» Фотография

Надежда Пронина


2013 – окончила художественно-графический факультет Костромского государственного университета;

2014 – участвовала в 6-й выставке современной графики «Здесь и сейчас» // муниципальная художественная галерея г. Костромы;  выставочный зал Ярославского Союза художников; галерея «Красный Мост» (Вологда).


Фотопроект «Точные координаты» - первая персональная выставка начинающего фотохудожника. Он объединил работы из нескольких серий – «Дети» (2015), «Летняя серия» (2015), «Четыре стихии» (2013), «Простые вещи» (2014), «Отражения» (2015), а также серии о жизни студентов Ярославского художественного училища (2015).

Сам автор так комментирует основные идеи своих фоторабот:

«Идея серий «Дети» и «Отражения» появилась у меня давно и была связана с историей моего дома, в котором прошла жизнь четырех поколений нашей семьи.

Работы из серии «Отражения»  - постановочные фотографии, напоминающие коллаж или натюрморт. И, как в натюрморте, каждый предмет несет смысловую нагрузку, т.к. здесь соседство предметов не является  случайным. Зеркало, которое я использовала как элемент композиции, для меня является символом времени, в котором отражается каждый из нас. Кораблик, как символ надежд, радости, поиска чего-то нового и удивительного, желания приблизиться к мечте.

«Простые вещи» и «Летняя серия» - попытка показать, действительно, очень простые и на первый взгляд обыденные предметы образно, передать настроение в одном кадре. Фотографии из этой серии были выполнены мною с целью продлить жизнь вещей, среди которых я росла, это попытка запомнить их такими, какими они были в детстве. Ведь память свойственна людям. Мы, люди, одушевляем окружающий мир. Мы принимаем его без сомнения: мы насыщаем его своими смыслами, и он существует в нас, пока мы живы. Мы мыслим, помним, верим. Мы проецируем себя вовне и считаем, что вещи «помнят».

Если говорить о серии фотографий о жизни студентов Ярославского художественного училища, то в ней я ставила не столько художественные, сколько репортажные задачи. Здесь есть желание показать конкретных людей, их характеры, отношения, быт. Также мне было интересно выстроить композицию портрета, попробовать решить задачи кадра,  в котором находятся двое и более героев».

 


Страница 4 из 19